Nuvole di Jazz

Il Vocalese

2011-06-15T04:20:00.000-07:00

Il Vocalese

Alla fine degli anni Quaranta stava ormai tramontando l'epoca delle grandi orchestre swing la cui musica aveva fatto il giro del mondo attraverso radio e dischi, musica diffusa capillarmente insieme con le truppe americane negli anni del secondo conflitto mondiale. Negli USA, ma soprattutto a New York, nell'immediato dopoguerra si fece strada un nuovo stile di jazz più radicale, il bebop, una musica per piccoli ensemble, tutta e solo per l'ascolto, destinata a un orecchio da intenditore, con tempi di metronomo rapidissimi, con temi impossibili, vere acrobazie melodiche.
Terminato o ridotto di molto il lavoro con le orchestre, anche i cantanti trovarono un nuovo ruolo nell'ambito del Jazz, sviluppando tecniche e repertori da proporre con lo scarno accompagnamento di una sezione ritmica.
Il vocalese fu uno stile e una tecnica di canto jazz direttamente derivato dal bebop. Nacque ufficialmente negli anni Cinquanta, conobbe un discreto successo fino a metà degli anni Sessanta, poi è rimasto come "pezzo di bravura" nel repertorio di molti cantanti e gruppi jazz e pop.Vocalese ha raggiunto il suo punto più alto 1.957-62

Si tratta di un fenomeno singolare nella storia del jazz, lontano e diverso da altre tecniche di canto jazz, come lo scat e la variazione della melodia. Mentre infatti in queste forme sia testi che temi possono essere sacrificati e disgregati a piacimento dalla fantasia interpretativa del cantante, nel vocalese è richiesta un'assoluta precisione nella riproduzione sia della parte musicale che dei testi e, almeno apparentemente, questo lascia ben poco spazio all'improvvisazione, che è considerata il vero cardine della musica jazz.

Alcuni esponenti di rilievo del vocalese: King Pleasure, Eddie Jefferson, Annie Ross e Jon Hendricks, ma anche Joni Mitchell, Mark Murphy, Aretha Franklin, George Benson, Georgie Fame, l'italiana Mina, Les Double Six, Manhattan Trasfer, New York Voices, Kurt Elling...

Una evoluzione importante di questa tecnica fu il vocalese orchestrato dove un gruppo di cantanti riproduce, oltre gli assoli, anche le parti di insieme o il background di un gruppo strumentale (per esempio un quartetto di saxes, una sezione orchestrale) sempre con l'aggiunta di un testo significante.

Vocalese (termine coniato dal critico Jazz Leonard Feather) (parola composta da (EN) vocalize più il suffisso -ese a indicare un linguaggio) è uno stile canoro jazz in cui le parole sono adattate a melodie originariamente eseguite come composizione orchestrale o improvvisata. Mentre il fraseggio scat adopera parole improvvisate e prive di senso, scelte per il loro suono e andamento ritmico, il vocalese usa una normale versificazione, a volte improvvisata, a volte scritta sulla base di un assolo preregistrato.
Tra i pionieri del vocalese vanno annoverati i nomi di King Pleasure, Eddie Jefferson (che mise in versi la versione di So What dell'album Kind of Blue) e Babs Gonzalez, mentre tra i gruppi più noti figura Lambert, Hendricks e Ross, composto da Jon Hendricks, Dave Lambert e Annie Ross. Il testo di Ross per la canzone Twisted, basato su un'improvvisazione blues del sassofonista Wardell Gray, rappresenta un classico del genere. Un altro classico è l'esecuzione di Ella Fitzgerald di How High The Moon che combina scat, vocalese, e citazioni da Ornithology (una parafrasi della canzone originale). Altri artisti che si sono cimentati con il genere sono Giacomo Gates, Kurt Elling, Al Jarreau, e i Manhattan Transfer che hanno registrato un album omonimo.
Alcuni cantanti, soprattutto Slim Gaillard, Cab Calloway e Leo Watson erano soliti combinare vocalese e scat nello stesso pezzo.
La maggior parte dei versi scritti per il vocalese sono sillabici piuttosto che melismatici, il che porta ad avere versi in cui molte parole vengono cantate rapidamente per adattarsi ad una data frase, specie su pezzi di origine bebop.

http://it.wikipedia.org/wiki/Vocalese
http://en.wikipedia.org/wiki/Vocalese

http://www.jazzitalia.net/lezioni/storia/vocalese/gp_moodysmood.asp

http://www.mobrici.it/JAZZ/jaz9.htm# NASCE IL VOCALESE

http://www.youtube.com/watch?v=jkRXl52gHRQ

http://www.youtube.com/watch?v=h5GXSZK4huA&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=anrXYEAkg8U&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=e8uMdb-WHwc&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=GQu29XaXfbM

http://www.youtube.com/watch?v=JUMXJSOIksU

http://www.youtube.com/watch?v=5q5rLweYfnY

http://www.youtube.com/watch?v=uSnEfqD2WPU

http://www.youtube.com/watch?v=JHUI9puTlZU

http://www.youtube.com/watch?v=fHCozHwni2Q

http://www.youtube.com/watch?v=2FaMtXw2mRE

http://www.youtube.com/watch?v=yv-Fk1PwVeU&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=p_E1dt6d5V0

http://www.youtube.com/watch?v=Aj8lnzS-aPw
http://www.youtube.com/watch?v=DDhgGFBMcIE

http://www.youtube.com/watch?v=AQqyaJxnD60
http://www.youtube.com/watch?v=QPD7uWFyY80&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=I6ry5xiKYRk

http://www.youtube.com/watch?v=R6jHuI9fLnw&playnext=1&list=PLCF41E4993F4B5098

http://www.youtube.com/watch?v=fXsLZ8kGdgU

http://www.youtube.com/watch?v=h6xDB_sEevU

http://www.youtube.com/watch?v=zNTGWcPEWSM&feature=fvst

http://www.youtube.com/watch?v=mvb7Ogpb6hg

http://www.youtube.com/watch?v=CQ9nvljscEk

http://www.youtube.com/watch?v=IneYvt57q5w

http://www.youtube.com/watch?v=-cHYXaMCCIo

http://www.youtube.com/watch?v=T8Ji4uG4cac

http://www.youtube.com/watch?v=PbL9vr4Q2LU

http://www.youtube.com/watch?v=ebxSOrqC1GM

http://www.youtube.com/watch?v=ERpyU7oiDUE

http://www.youtube.com/watch?v=pYKB7Wem744

http://www.youtube.com/watch?v=UBgME-3Lego

http://www.youtube.com/watch?v=H4kj8Y0Svs0&playnext=1&list=PL7E3349E9FA048CC1

http://www.youtube.com/watch?v=rcRQ9t4aX_c&playnext=1&list=PL89DE570316580394

http://www.youtube.com/watch?v=eL8vHOAp9E8

http://www.youtube.com/watch?v=ugy0-t9QBL8&playnext=1&list=PLC344FCD0D21804A9

http://www.youtube.com/watch?v=hhq7fSrXn0c&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=o2LlsMHOKoY&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=dZ3vl4dvI4c

http://www.youtube.com/watch?v=1xlLolCQXH4

http://www.youtube.com/watch?v=8mq4UT4VnbE

http://www.youtube.com/watch?v=gzwCeX4odhA

e Leo Watson

http://www.youtube.com/watch?v=rCjJ5vQwSnM

http://www.youtube.com/watch?v=OmOe27SJ3Yc

http://www.youtube.com/watch?v=ae0I4RlGTJo

http://www.youtube.com/watch?v=gvfNsZaDk-A

Jazz dagli anni 50 agli anni 70

2011-06-15T04:18:00.005-07:00

Jazz dagli anni 50 agli anni 70

Ci spostiamo di nuovo negli USA ed esploriamo ora gli stili jazzistici che vanno dagli anni 50 agli anni 70 in particolare ci soffermeremo sul hard bop e sul jazz modale

1940 - 1960

Le mutate condizioni economiche costrinsero alla chiusura la maggior parte delle grandi orchestre. Solo le maggiori sopravvissero: quelle di Duke Ellington, Count Basie, Woody Herman e Stan Kenton furono tra le più longeve, prolungando la loro attività anche negli anni 1960 e oltre.

Charlie Parker, Tommy Potter, Miles Davis, Duke Jordan, Max Roach, 08/1947. Foto Gottlieb.

Attorno al 1945, da un gruppo di giovani musicisti che si ritrovano a tarda ora alle jam session che si tenevano in due locali di Harlem, il Minton's Playhouse e il Monroe's, lo stile, detto dapprima rebop, poi bebop o semplicemente bop, dal suono di una frase ricorrente nei brani tipici di questa nuova musica. Caratterizzato da armonie complesse e tempi velocissimi, il bebop fu tenuta a battesimo dal trombettista Dizzy Gillespie che ne fu il pioniere assieme all'alto sassofonista Charlie Parker - detto Bird o Yardbird. Il successo del nuovo genere, che richiamava un pubblico intellettuale (i bopper attirarono subito l'ammirazione di molti esponenti del movimento letterario beatnik) e molto più ristretto di quello delle big band, mise in luce altri protagonisti del periodo: il pianista e compositore Thelonious Monk e il suo amico (anch'egli pianista) Bud Powell, il batterista Kenny Clarke, i trombettisti Clifford Brown e Fats Navarro, i sassofonisti Sonny Rollins e Sonny Stitt, i batteristi Max Roach e Kenny Clarke. Il bebop fu molto criticato sia come movimento giovanile e fenomeno sociale, sia - per motivi diversi - dal punto di vista musicale. La critica sociale verteva inizialmente sugli aspetti più provocatori dell'atteggiamento e dello stile di vita dei bopper per focalizzarsi poi soprattutto sulla contiguità tra il mondo del jazz e la droga, che agli inizi degli anni 1950, iniziò a mietere vittime di alto profilo tra i jazzisti in generale e tra i bopper in particolare. Billie Holiday, Fats Navarro e Charlie Parker furono solo i più famosi musicisti a trovare la morte a causa della loro dipendenza: molti altri, se non morirono, dovettero subire le conseguenze di questo flagello. Sotto il profilo musicale, alcuni artisti della generazione precedente (che i bopper chiamvano "mouldy figs", fichi ammuffiti) si distinsero come critici particolarmente severi: il più famoso di questi fu senz'altro Louis Armstrong. Altri importanti esponenti della corrente del jazz classico tuttavia, seppero cogliere gli elementi d'interesse contenuti nel nuovo movimento: un nome fra tutti è quello di Coleman Hawkins.

La fine degli anni 40 e la prima metà degli anni 1950 videro una reazione agli aspetti più estremi del movimento bebop, reazione che, dalle sue caratteristiche melodiche e rilassate, prese il nome di cool jazz. Iniziato a New York e nel Midwest dalle esperienze di Miles Davis e Gil Evans (dei quali si ricorda l'album "Birth of the Cool"), Lennie Tristano ed altri, il cool jazz fu il primo stile jazz a radicarsi in California. Molti dei suoi protagonisti furono bianchi: Gerry Mulligan e Chet Baker (che diedero vita ad un famosissimo quartetto), Lee Konitz, Dave Brubeck, i sassofonisti Stan Getz (che fu anche protagonista della fusione del jazz con la musica brasiliana) e Paul Desmond. L'afroamericano John Lewis elaborò l'estetica cool creando un quartetto, il Modern Jazz Quartet, che fuse il jazz con elementi e sonorità derivanti dalla musica classica (soprattutto barocca) europea. Da queste esperienze prese il via un movimento, detto "Third Stream" che cerava di coniugare il jazz con altre esperienze provenienti dalla traizione musicale colta: uno dei suoi maggiori esponenti fu Gunther Schuller.

Il bebop nel frattempo maturò, abbandonando parte delle sue caratteristiche più sperimentali ed evolvendosi in un genere di più facile ascolto che fu chiamato hard-bop, tra i cui protagonisti si ricordano Art Blakey, e i suoi Jazz Messengers, Horace Silver, Miles Davis e le sue classiche formazioni comprendenti John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, Philly Joe Jones, Cannonball Adderley.

Le esperienze di jazz orchestrale continuarono, anche se con difficoltà, con le orchestre di Count Basie, Duke Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, e con le originali collaborazioni di Miles Davis e Gil Evans. Il contrabbassista Charles Mingus si segnalò come personaggio di grande spicco alla testa di formazioni allargate (anche se non di organico propriamente orchestrale).

1960-1970

Nel corso di questo decennio il jazz affrontò numerose trasformazioni che finirono per frazionarlo in molteplici stili.

La corrente hard bop iniziò a dividersi tra coloro che seguirono l'esperienza di Miles Davis e John Coltrane nel cosiddetto jazz modale (uno stile musicale meditativo e intellettuale, che vide la sua fondazione nella storica incisione di Davis nel 1959, "Kind of Blue") e quanti invece preferirono avvicinarsi al Rhythm and blues praticando quello che alcuni chiamavano "soul jazz".

Lo stile modale visse il suo periodo più fecondo a cavallo tra la fine degli anni 1950 e la metà degli anni 1960, soprattutto con l'attività del (secondo) quintetto di Miles Davis e del quartetto di Jon Coltrane, finendo col diventare un idioma consolidato della tradizione jazzistica.

Una tendenza senz'altro più radicale e controversa fu determinata dal contemporaneo avvento di uno stile che venne dapprima chiamata "The New Thing" ("La cosa nuova") e in seguito "Free Jazz". Fondato alla fine degli anni 1950 da giovani musicisti quali Ornette Coleman e Cecil Taylor, il free jazz praticava una forma d'improvvisazione collettiva totale la cui conseguenza è la totale frantumazione della maggior parte delle idee tradizionali di forma, armonia, melodia e ritmo. Oltre ad implicare una forte componente di critica politica e sociale, il free incorporava anche una moltitudine di influenze musicali di provenienza Asiatica e Africana. Il free attrasse l'attenzione di molti protagonisti (Charles Mingus, Steve Lacy, Sun Ra), reclutò giovani brillanti (Archie Shepp, Albert Ayler, Pharoah Sanders) e si attirò le aspre critiche di alcuni dei nomi più in vista (Davis e Gillespie tra gli altri) dando origine a polemiche che furono tra le più violente che il jazz avesse mai conosciuto e che durarono decenni senza mai esaurirsi completamente, anche dopo che l'esperienza storica del free jazz poté dirsi conclusa: i critici più accesi affermarono che il free jazz rimuoveva la distinzione tra chi sapeva suonare e chi no. Non v'è comunque dubbio che il movimento free mancasse quasi totalmente della componente popolare che per lungo tempo aveva costituito una delle due anime del jazz, e che fosse seguito quasi esclusivamente dalle elite: questo, negli USA, ne decretò anche un crescente insuccesso commerciale, che diveniva tanto più evidente quanto più si ingigantiva il successo di altri generi musicali contemporanei. Nel free jazz finirono per confluire alcuni esponenti della parte considerata più "colta" del jazz: il più in vista tra questi fu senz'altro John Coltrane, che si avvicinò al movimento free negli ultimi anni della sua vita. Il free ebbe miglior fortuna in Europa, dove molti giovani musicisti lo adottarono come un veicolo che gli permetteva d'incorporare nel linguaggio jazzistico una varietà di contesti musicali e culturali.

Una diversa tendenza stilistica nacque dall'attenzione reciproca che alcuni musicisti jazz e le nuove leve della musica brasiliana si rivolgevano. Già Jelly Roll Morton aveva definito il jazz come una musica che conteneva "sfumature spagnole" (spanish tinge). Questa definizione era stata onorata nel corso degli anni da diversi compositori (un nome per tutti:Duke Ellington) Negli anni 1950 alcuni musicisti, il cui più famoso rappresentante era senz'altro Dizzy Gillespie, avevano coniugato col jazz temi stilistici tipici della musica cubana e latina in generale ("Afro-Cuban bop"). Questo stile si avvaleva dell'apporto e dell'influenza musicisti provenienti dall'america latina (Chano Pozo, Xavier Cugat, Tito Puente, Arturo Sandoval), nonché della strumentazione e delle forme tipiche della tradizione latina. Fu nel solco di questa tradizione che negli anni 1960 gli esponenti del movimento brasiliano detto Bossa Nova (Elizete Cardoso, Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Joao Gilberto, Luiz Bonfa, Chico Buarque de Hollanda) intrapresero varie collaborazioni con musicisti jazz come Stan Getz e Charlie Byrd creando uno stile noto come jazz samba. Il movimento fu lanciato da una serie di incisioni di Getz, le più famose delle quali, che videro anche la partecipazione di Joao Gilberto e di sua moglie Astrud Gilberto in veste di cantante. Queste lanciarono diversi brani che divennero successi planetari (tra gli altri: La ragazza di Ipanema).

Nella seconda metà degli anni 1960, l'irruzione del fenomeno della musica di massa, che in gran parte s'imperniava sulle generazioni più giovani e sulla loro musica d'elezione, il rock, mise in difficoltà, anche economica, la gran parte dei musicisti jazz. Quelli che non scelsero la critica radicale del free e che non sparirono dalla scena dovettero cambiare stile. Alcuni scelsero di accentuare il carattere funky della loro musica fino ad apparentarla al funky e alla sempre più popolare muscia soull-dance. Una diversa tendenza cercava l'avvicinamento rock e all'elettronica, e portò alla nascita della cosiddetto genere fusion. Molti critici ritengono che fra le prime incisioni fusion vi siano Hot Rats di Frank Zappa, il quale sembrò avvicinarsi al jazz partendo dal rock con quest'album del 1969, ed il doppio album Bitches Brew di Miles Davis (1970). Seguirono poi numerosi protagonisti, cono nomi quali quelli di Weather Report (un supergruppo comprendente alcuni ex musicisti di Miles Davis - Joseph Zawinul e Wayne Shorter - e la nascente stella del basso Jaco Pastorius), Herbie Hancock, il trombettista Freddie Hubbard. Molte di queste esperienze furono bollate dalla critica come commerciali (e alcune indubbiamente lo furono).

Hard-Bop

Il bebop nel maturò, abbandonando parte delle sue caratteristiche più sperimentali ed evolvendosi in un genere di più facile ascolto che fu chiamato hard-bop, tra i cui protagonisti si ricordano Art Blakey, e i suoi Jazz Messengers, Horace Silver, Miles Davis e le sue classiche formazioni comprendenti John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, Philly Joe Jones, Cannonball Adderley.

Le esperienze di jazz orchestrale continuarono, anche se con difficoltà, con le orchestre di Count Basie, Duke Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, e con le originali collaborazioni di Miles Davis e Gil Evans. Il contrabbassista Charles Mingus si segnalò come personaggio di grande spicco alla testa di formazioni allargate (anche se non di organico propriamente orchestrale).

http://it.wikipedia.org/wiki/Hard_bop

Artisti principali :

Cannonball Adderley, sax contralto
Donald Byrd, tromba
Art Blakey, batteria
Clifford Brown, tromba - flicorno
Jaki Byard, pianoforte
Sonny Clark, pianoforte
John Coltrane, sax tenore e sax soprano
Miles Davis, tromba
Eric Dolphy, sax alto, flauto, clarinetto, clarinetto basso
Lou Donaldson, sax contralto
Kenny Dorham, tromba
Kenny Drew, piano
Tommy Flanagan
Art Farmer
Curtis Fuller, trombone
Benny Golson, sax tenore
Dexter Gordon, sax tenore
Johnny Griffin, sax tenore
Roy Haynes, batteria
Joe Henderson, sax tenore
Andrew Hill, pianoforte
Freddie Hubbard, tromba - flicorno
Philly Joe Jones, batteria
Jackie McLean, sax contralto
Charles Mingus, contrabbasso - pianoforte
Blue Mitchell, tromba
Hank Mobley, sax tenore
Thelonious Monk, pianoforte
Lee Morgan, tromba
Oliver Nelson, sax alto e tenore
Max Roach, batteria
Horace Silver, pianoforte
Bobby Timmons, piano
Mal Waldron, pianoforte

Il jazz modale

Il jazz modale (modal jazz) è uno degli stili del jazz nato nella seconda metà del '900, la cui pietra fondante è datata anni cinquanta e consiste nel libro di teoria musicale Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (The art and science of tonal gravity) di George Russell. Dal punto di vista discografico, quasi tutti i critici identificano in Kind of Blue di Miles Davis (1959) come il primo album modale della storia del jazz, anche se alcuni lavori precedenti già ne preannunciavano la diffusione, come ad esempio Somethin' else di Julian Cannonball Adderley (1958, con Miles Davis) e Milestones di Miles Davis (1958, con Cannonball Adderley). Altri album notevoli furono in seguito My Favorite Things del 1960 e Impressions del 1963 di John Coltrane e Maiden Voyage di Herbie Hancock del 1965.

http://it.wikipedia.org/wiki/Jazz_modale
http://en.wikipedia.org/wiki/Modal_jazz

By Nuvolotta

Il jazz modale

2011-06-15T04:16:00.001-07:00

Si possono usare progressioni tipiche e appartenenti ad un dato sistema scalare.
Si possono creare collegamenti scalari nuovi, armonizzando più o meno le scale tra loro
I metodi usati sono i vecchi sistemi di collegamento tra le scale:
collegamento tramite un basso comune a più battute o pedale, mentre la parte armonica superiore varia.
collegamento tramite il legame della nota caratteristica tra le scale.
I metodi moderni (Persichetti, Miller) propongono un riutilizzo delle vecchie scale modali in chiave moderna.
Le scale vengono ordinate in base alle sfumature di colore tra loro: dalla più chiara alla più scura. Si va dalla:
Lidia
Ionica
Misolidia
Dorica
Eolia
Frigia
Locria

http://it.wikipedia.org/wiki/Musica_modale
http://en.wikipedia.org/wiki/Modal_jazz

I principali artisti

Il latin jazz

2011-06-15T04:15:00.001-07:00

Il latin jazz

Latin jazz (jazz latino-americano) è il termine dato generalmente a quella musica che unisce i ritmi dell'America Latina (di provenienza africana), con le melodie jazz del Sud America, dei Caraibi, degli USA e dell'Europa. Il latin jazz si divide in due categorie principali: il brasiliano e l'afro-cubano.

latin jazz brasiliano: comprende la bossa nova, il samba e la sua evoluzione jazz samba.

latin jazz afro cubano: comprende la salsa, il merengue, il mambo, il bolero, il cha-cha-cha, ed altri.

Il latin jazz è il contributo dei musicisti latino-americani alla musica jazz. Divenne popolare nel 1940, quando Dizzy Gillespie e Stan Kenton iniziarono a suonare brani di musica afro-cubana con strumenti jazz, assemblando la parte melodica, suonata come gli standard, con la parte ritmica, suonata al modo latino-americano, enfatizzando poi il ritmo negli assolo. Stan Kenton realizzò un arrangiamento del btrano afro-cubano The Peanut Vendor, che viene considerato come il primo brano di latin jazz registrato negli USA.

Nel 1947 Dizzy Gillespie, con Machito e Chano Pozo, compose l'Afro-cuban Drums Suite, rappresentata poi al Carnegie Hall di New York. Tale concerto divulgò il latin jazz fra il grande pubblico. Altro brano famoso di Dizzy di questo periodo è Cubano be Cubano bop.

Il samba nasce nel XIX secolo come espressione della musica Afro-brasiliana. La bossa nova è un tempo musicale ibrido, derivato dal ritmo del samba; nasce negli anni 1960, grazie al contributo dei brasiliani Antonio Carlos Jobim e Joao Gilberto, insieme all'americano Stan Getz. Il brano più famoso è Garota de Ipanema, composto da Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes e resa celebre da Joao Gilberto e da sua moglie Astrud.

Il latin jazz, così come gli altri stili di jazz, può essere suonato sia da piccoli complessi che da grandi orchestre, che di solito lasciano l'improvvisazione degli assolo alla sezione ritmica.

La bossa nova

Una miscela di jazz tipo West Coast Cool, armonie classiche europee e seducenti ritmi di samba brasiliana, bossa nova o più correttamente "jazz brasiliano", ha raggiunto le circa degli Stati Uniti 1962.

Il sottile ma ipnotico di chitarra acustica ritmi accento semplici melodie cantate in uno (o entrambi), portoghese o inglese. Lanciato da Joao brasiliani 'Gilberto e Antonio Carlos Jobim, questa alternativa ai 60's Hard Bop e agli stili di Free Jazz, diventa popolare nel West Coast attraverso il chitarrista Charlie Byrd e il sassofonista Stan Getz.

Bossa nova (in portoghese "nuova onda") è un genere musicale, nato in Brasile alla fine degli anni '50, che trae origine dal samba, in particolare nella forma detta samba canção e, in genere, dalla tradizione musicale brasiliana. È ispirato culturalmente dalla "rive gauche" francese, dalle atmosfere minimaliste di certa musica europea e statunitense dell'epoca, ma soprattutto, dalla atmosfera di rinascita economica e nazionalista del Brasile di Juscelino Kubitschek.

I padri e co-inventori della bossa nova sono comunemente considerati il compositore emusicista Antonio Carlos Jobim, il poeta Vinicius de Moraes e il cantante e chitarrista João Gilberto. I precedenti però si trovano in Dorival Caymmi e nel tipo di samba-cançao da lui elaborato e, più indietro ancora nel tempo, in alcune composizioni originali di Ernesto Nazareth. Labossa nova è un samba suonato in modo generalmente minimalista, spesso soffuso, senza particolare enfasi vocale e senza vibrato, su ritmo lento, se non lentissimo (difficilmente supera gli 80 battiti per minuto), ma con un incedere incalzante dovuto, normalmente, al caratteristico stile chitarristico attribuito, principalmente, a João Gilberto.

La "batida", così fu soprannominato lo stile tipico di Gilberto e dei suoi seguaci, è un modo particolare di usare la mano destra sulle corde della chitarra: senza arpeggio, ma alternando il pollice sui bassi al contemporaneo pizzicare le corde delle altre dita (al modo già usato dai brasiliani), spesso con il tapping della mano sinistra. La particolarità è però di natura soprattutto ritmico-armonica. Infatti l'accompagnamento è costruito a partire da una linea continua semitonale di bassi discendenti, e ciò dà la sensazione che il ritmo della chitarra sembra essere sempre in "recupero" sul tempo.

La data ufficiale di nascita della bossa nova è generalmente fatta coincidere con l'uscita, nel 1958, del disco Canção do amor demais dellacantante Elizete Cardoso, su musiche di Antonio Carlos Jobim e testi di Vinicius de Moraes, che conteneva la canzone Chega de saudadenella quale suonava proprio João Gilberto.

Il successo di Chega de saudade, prima nell'interpretazione di Elizete Cardoso, ma soprattutto nella successiva versione dello stessoGilberto, fu clamoroso. La canzone è considerata all'unanimità il primo esempio completo di stile bossa nova, soprattutto per la presenza della caratteristica "batida" che tutti in Brasile cercheranno di imitare.

La fama internazionale per la bossa nova arriva nei primi anni '60 ad opera di João Gilberto. In seguito il sassofonista jazz Stan Getz importa i ritmi brasiliani nel suo disco del 1962 Jazz Samba (con il chitarrista Charlie Byrd), poi realizza un album (Getz/Gilberto) con i protagonisti del nuovo genere, Antonio Carlos Jobim e João Gilberto, ottenendo in entrambi i casi un clamoroso successo commerciale.

Le canzoni lanciate da João Gilberto Desafinado, Garota de Ipanema, Saudade da Bahja, Rosa Morena, (le ultime due prese dal repertorio di Caymmi), È luxo sò (di Ary Barroso), Maria Ninguém (di Carlos Lyra) diventarono veri standard e resero la bossa nova uno dei generi più in voga negli anni sessanta influenzando tutta la musica mondiale.

Protagonisti ed interpreti

Luiz Bonfá

Ronaldo Bôscoli

Chico Buarque

Antonio Carlos Jobim

Vinicius de Moraes

Stan Getz

Astrud Gilberto

João Gilberto

Nara Leão

Edu Lobo

Carlos Lyra

Sergio Mendes

Roberto Menescal

Newton Mendonça

Baden Powell

Elis Regina

Sylvinha Telles

Toquinho

Il samba baiano

Il samba baiano ha trovato i suoi massimi interpreti in Dorival Caimmy, Wilson Simonal e Jorge Ben Jor, e poi in Joao Gilberto, che dal samba si spinge, insieme a Jobim, fino alla bossa nova, una forma di samba molto raffinata che, grazie a Jobim, utilizza armonizzazioni molto complesse ricavate dalle tecniche semitonali del jazz. Fu esportato con successo in Europa da Tati Casoni.

Il jazz samba

Con jazz samba (o jazz-samba) si intende un particolare stile musicale che fonde il jazz con i ritmi, gli strumenti, la melodia tipici della bossa nova brasiliana.

Il nome deriva dal titolo di quello che è comunemente ritenuto il primo disco del genere, Jazz Samba, appunto, di Stan Getz e Charlie Byrd, del 1962. La retrocopertina del disco recita opportunamente: "Two jazz solist play, fresh, contemporary sounds from modern brasilian folk music".

In precedenza, nell'ambito della musica leggera o cinematografico e in ambito jazz, si era utilizzato il termine samba per indicare brani, normalmente ballabili, suonati da grandi orchestre, sui ritmi tropicali tipici del carnevale e dello stereotipato "folklore" carioca così come veniva avvertito negli Stati Uniti. Analogamente per quanto avveniva con i ritmi caraibici, tanto di moda negli anni cinquanta, e cubani.

L'ingresso della musica brasiliana negli Stati Uniti risale agli anni venti, ma ha i suoi momenti di massima popolarità negli anni '30 e soprattutto negli anni quaranta.

Un primo esempio è il film musicale Flying Down to Rio del 1933 (Carioca) con Fred Astaire e Ginger Rogers.

È il grande successo della cantante, ballerina e attrice Carmen Miranda che, dai primi anni quaranta, impone in tutti gli Stati Uniti (e da qui nel resto del mondo) la musica ed il folklore brasiliano. Famosa per i suoi copricapo "tutti-frutti" (tipicamente un casco di banane che usava per rimediare alla sua piccola statura), diventa nel 1945 la più pagata artista hollywoodiana. Paradossalmente, Carmen Miranda era portoghese, ma diventa il simbolo della spensieratezza attribuita allo stile di vita di Rio de Janeiro, di Copacabana, delle spiagge, dei locali notturni e dei luoghi "alla moda" dell'assolato Brasile.

Siamo negli anni in cui, a causa della seconda guerra mondiale, i magnati di Hollywood e il governo di Washington spinsero al massimo la diffusione del prodotto hollywoodiano più frivolo importando qualsiasi cosa potesse compiacere il gusto del pubblico. Il Sud America fu uno dei luoghi da cui si importarono stili, cliché e tanta musica. È di quegli anni, il successo di Amado mio, Ultima vez, Brazil e Tico Tico e l'introduzione dei ritmi cubani e messicani, adattati al gusto nord-americano, che sono conosciuti come salsa, rumba, mambo, chachachá.

Altri esempi della penetrazione della musica brasiliana (e dell'America Latina in genere), rivista ed adattata dall'industria dello spettacolo statunitense, sono i film della Disney a cartoni animati, Saludos Amigos (del 1943) e The Three Caballeros (del 1945), che introducono alcune canzoni divenute "standard" e simboli musicali dello stereotipo del Brasile: Tico Tico, Brazil e Bahia.

Tico Tico, tipico esempio di choro per chitarra (Tico-Tico no Fubá), fu inciso anche da Charlie Parker nel 1951 nel suo disco "latino" prodotto da Norman Granz.

Il jazz inizia a contaminarsi con i ritmi sudamericani nella seconda metà degli anni '40. Tra i primi, Dizzy Gillespie che, nella sua grande orchestra, inizierà a a mescolare il suo be bop con il calypso caraibico (un po' per rendere più accessibile la sua musica al tempo suonata da una orchestra che difficilmente poteva definirsi "da ballo", un po' perché realmente appassionato del genere). Il grande trombettista rimarrà sempre legato ai ritmi cubani e caraibici per tutta la sua lunga carriera.

Un tentativo degno di nota, ma poco fortunato, fu quello dell'altosassofonista "cool" Bud Shank che, nel 1953, incise due album con Laurindo Almeida, chitarrista brasiliano scoperto a Rio de Janeiro da Stan Kanton e con la cui orchestra aveva suonato negli Stati Uniti. Il risultato, i due volumi Brazilliance, sono considerati un anticipo della bossa nova. Stan Kanton stesso, negli anni cinquanta non rimase indifferente ai ritmi del samba e Almeida continuò a suonare il suo jazz "brasiliano" approfittando anche dell'esplosione del genere nei primi anni sessanta.

Fu, infatti, solo nel 1962, e nei due anni successivi, che si ebbero i primi veri grandi esempi di "fusion" tra il jazz e i ritmi brasiliani, anche perché, nel frattempo, era nata la bossa nova per opera principalmente di Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, João Gilberto e i ragazzi che si riunivano a casa di Nara Leão a Rio de Janeiro. Tra i più importanti, oltre al citato Jazz Samba, sono i successivi dischi di Stan Getz con Luiz Bonfá e soprattutto con João Gilberto e Astrud Gilberto (con il successo di Garota de Ipanema) e l'album di Jobim con Frank Sinatra del 1967.

Dal successo di quei primi esempi di "fusion" tra due generi così diversi, ma che seppero così bene convivere, molti tra i principali jazzisti americani tentarono di ripercorrere la strada intrapresa da Getz e interpretarono a loro modo la musica brasiliana. Tra questi Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Cannonball Adderley e molti altri musicisti e cantanti americani per i quali era un "must" realizzare dischi in coppia con i brasiliani più in voga.

Il 1962 fu un anno estremante prolifico in tal senso. Pur senza incidere la celebre Desafinado, il primo disco americano con "bossa nova" nel titolo suonato da musicisti brasiliani fu probabilmente Cannonball's Bossa Nova di Cannonball Adderley che lo realizzò per la Riverside nel dicembre del 1962 con una straordinaria formazione che comprendeva alcuni reduci dal concerto alla Carnegie Hall come Sergio Mendes e i membri del suo gruppo, tra i quali il batterista Dom Um Romao. Persino Coleman Hawkins sarà, suo malgrado, coinvolto nella frenesia di cavalcare l'onda della musica brasiliana in un non riuscitissimo disco prodotto dalla Impulse! Records intitolato Desafinado: Coleman Hawkins plays Bossa Nova & Jazz Samba. Il grande tenor-sassofonista non poteva essere da meno di Stan Getz, quindi già nel settembre del 1962 "Hawk" fu mandato da Bob Thiele in sala d'incisione con un gruppo non del tutto all'altezza per registrare i nuovi classici di Jobim e soci. Miles Davis l'anno successivo non poté sottrarsi alla moda e nel disco realizzato con l'orchestra di Gil Evans, Quiet Nights registrò una bella versione di Corcovado.

Tra i più attivi nel diffondere il nuovo stile negli Stati Uniti, la casa discografica Verve Records e Creed Tylor che produssero i dischi di Astrud Gilberto, Stan Getz e Antonio Carlos Jobim, ma anche la Columbia Records che per prima pubblicò, senza successo, i famosi dischi brasiliani di João Gilberto.

In seguito divennero popolarissimo il brasiliano Sergio Mendes che, con le sue orchestre, mantenne elevata la popolarità della Musica Popolare Brasiliana (o MPB) negli Stati Uniti e la introdusse in Giappone portando all'estero anche molta musica brasiliana emersa dopo il boom della bossa nova.

Ancora, Chick Corea, maestro della fusion, utilizzò spesso, in modo innovativo, il ritmo brasiliano (proprio all'epoca in cui suonava con Getz).

Da ricordare, infine, Herbie Mann, flautista e grande "contaminatore", che già negli anni '50 aveva inserito delle congas nella sua formazione (influenzato dalla musica africana) e che contribuirà a sostenere il successo della bossa nova già nei primi anni '60 (con un disco di bossa nova registrato a Rio con Mendes), e che poi non disdegnerà di suonare reggae, funk e qualsiasi cosa gli capitasse all'orecchio.

Il nome di Stan Getz è rimasto sinonimo di jazz e bossa nova. Lo stile jazz samba (che però, come detto, è principalmente bossa nova) è diventato consuento e parte integrante del linguaggio jazzistico come nei decenni precedenti lo erano stati il blues, la musica di Tin Pan Alley e quella dei grandi compositori americani. Le grandi canzoni di Jobim, soprattutto, sono divenute degli "standard" del jazz e della musica d'intrattenimento al pari di quelle di Cole Porter e Irving Berlin.

Col tempo l'interesse per lo stile bossa nova è un po' declinato ed è spesso associato alla musica da "night-club" come forma di intrattenimento "d'atmosfera" per la rilassatezza delle sue linee melodiche suonate su una base ritmica "soft" che manca della forza della originale "batida" così come l'avevano intesa João Gilberto, Jobim e i loro seguaci.

Paradossalmente, l'incontro tra i due principali generi musicali del continente americano, non avvenne per opera di coloro che li avevano inventati e ne avevano fatto la storia e stabilito le caratteristiche.

Il jazz nordamericano è sostanzialmente dovuto all'influenza dei ritmi africani mescolati con la musica europea e folcloristica dei bianchi. Allo stesso modo, ma con modalità completamente diverse, la musica brasiliana, nasce dall'unione dei ritmi importati dagli schiavi con la musica portoghese e dai ritmi indigeni (la musica brasiliana, come il suo popolo, ha tre anime).

In entrambe le situazioni, tradizione musicale europea, tradizioni religiose (protestanti al nord, cattoliche al sud), si sono mescolate al temperamento dei neri che sono stati i maggiori interpreti, innovatori e animatori della musica dei due sub-continenti.

La vera "fusion" tra il jazz nordamericano ed il samba (musica) brasiliano (nella loro forma più moderna) avviene invece ad opera di musicisti bianchi. La bossa nova era una forma di samba totalmente reinventato da un gruppo eterogeneo come collocazione geografica, ma del tutto omogeneo come caratteristiche sociali: si trattava di bianchi della società borghese, modernista e ispirata dal nuovo vento di risveglio economico e nazionalistico, del Brasile di Juscelino Kubitschek. Il jazz con cui si fuse, ad opera dei suoi stessi inventori, negli Stati Uniti nei primi anni sessanta, era quello di un musicista di successo come Stan Getz, che molto doveva al vero jazz nero, ma che era uno dei maggiori esponenti della musica più cool, amata dal grande pubblico, bianco, quello che comperava i dischi e votava nei referendum delle testate specializzate.

In ogni caso, il jazz nero stava già cambiando in modo vorticoso negli stessi anni (ad esempio per opera di John Coltrane) e poco dopo anche la musica brasiliana sarebbe cambiata.

Discografia essenziale

Brazilliance, Vol. 1 e Vol.2 - Laurindo Almeida & Bud Shank - 1953 - 1958

Jazz Samba - Stan Getz & Charlie Byrd - 1962

Do The Bossa Nova with Herbie Mann - Herbie Mann - 1962

Getz/Gilberto - Stan Getz & João Gilberto - 1964

http://it.wikipedia.org/wiki/Bossa_nova

http://it.wikipedia.org/wiki/Jazz_samba

http://it.wikipedia.org/wiki/Latin_jazz

Latin jazz Merengue, Mambo Jazz Samba Bolero Cha cha cha

2011-06-15T04:14:00.000-07:00

Merengue

Merengue e il tasso nazionale della Repubblica Dominicana e rappresenta una sintesi dei 3 elementi che hanno formato la cultura del paese. Il gruppo musical di merengue "tipico" è formato da güira (contributo del nativo), tambora (Africa) e fisarrmónica (Europa).]

La parola merengue significa libero dell'uovo battuto con zucchero il quale si usa per preparare una sorta di dessert bianco. Non si conosce il vero motivo per cui questa parola sia stata associata a un genere musicale, si pensa però che sia a causa del ritmo esuberante, circolare e suevo del partner che ricorda il sapore di un dolce.

Il mambo è un genere musicale nato a Cuba

La storia del mambo comincia nel 1938, quando fu presentata una canzone ballabile intitolata Mambo scritta da Orestes e Cachao López. Nel corso degli anni alla musica fu associata una tipica danza, tuttora in voga soprattutto all' Havana, Città del Messico, New York city e nei corsi di ballo latino-americano, con alcune varianti rispetto all' originale.

Gli strumenti a percussione che lo caratterizzano sono le congas, i bonghi, le maracas, la clave e la cabasa.

Negli anni cinquanta e sessanta sono stati molti gli artisti e le orchestre ad essere protagonisti di questo genere musicale; in quel periodo la notorietà e il successo della maggior parte di loro sono però rimasti circoscritti ai paesi dell' America Latina, con l'eccezione di Perez Prado, e di Xavier Cugat e sua moglie, la cantante americana Abbe Lane.

Jazz samba

Con jazz samba (o jazz-samba) si intende un particolare stile musicale che fonde il jazz con i ritmi, gli strumenti, la melodia tipici della bossa nova brasiliana.

Il nome deriva dal titolo di quello che è comunemente ritenuto il primo disco del genere, Jazz Samba, appunto, di Stan Getz e Charlie Byrd, del 1962. La retrocopertina del disco recita opportunamente: "Two jazz solist play, fresh, contemporary sounds from modern brasilian folk music".

In precedenza, nell'ambito della musica leggera o cinematografico e in ambito jazz, si era utilizzato il termine samba per indicare brani, normalmente ballabili, suonati da grandi orchestre, sui ritmi tropicali tipici del carnevale e dello stereotipato "folklore" carioca così come veniva avvertito negli Stati Uniti. Analogamente per quanto avveniva con i ritmi caraibici, tanto di moda negli anni cinquanta, e cubani.

L'ingresso della musica brasiliana negli Stati Uniti risale agli anni venti, ma ha i suoi momenti di massima popolarità negli anni '30 e soprattutto negli anni quaranta.

Un primo esempio è il film musicale Flying Down to Rio del 1933 (Carioca) con Fred Astaire e Ginger Rogers.

È il grande successo della cantante, ballerina e attrice Carmen Miranda che, dai primi anni quaranta, impone in tutti gli Stati Uniti (e da qui nel resto del mondo) la musica ed il folklore brasiliano. Famosa per i suoi copricapo "tutti-frutti" (tipicamente un casco di banane che usava per rimediare alla sua piccola statura), diventa nel 1945 la più pagata artista hollywoodiana. Paradossalmente, Carmen Miranda era portoghese, ma diventa il simbolo della spensieratezza attribuita allo stile di vita di Rio de Janeiro, di Copacabana, delle spiagge, dei locali notturni e dei luoghi "alla moda" dell'assolato Brasile.

Siamo negli anni in cui, a causa della seconda guerra mondiale, i magnati di Hollywood e il governo di Washington spinsero al massimo la diffusione del prodotto hollywoodiano più frivolo importando qualsiasi cosa potesse compiacere il gusto del pubblico. Il Sud America fu uno dei luoghi da cui si importarono stili, cliché e tanta musica. È di quegli anni, il successo di Amado mio, Ultima vez, Brazil e Tico Tico e l'introduzione dei ritmi cubani e messicani, adattati al gusto nord-americano, che sono conosciuti come salsa, rumba, mambo, chachachá.

Altri esempi della penetrazione della musica brasiliana (e dell'America Latina in genere), rivista ed adattata dall'industria dello spettacolo statunitense, sono i film della Disney a cartoni animati, Saludos Amigos (del 1943) e The Three Caballeros (del 1945), che introducono alcune canzoni divenute "standard" e simboli musicali dello stereotipo del Brasile: Tico Tico, Brazil e Bahia.

Tico Tico, tipico esempio di choro per chitarra (Tico-Tico no Fubá), fu inciso anche da Charlie Parker nel 1951 nel suo disco "latino" prodotto da Norman Granz.

Il jazz inizia a contaminarsi con i ritmi sudamericani nella seconda metà degli anni '40. Tra i primi, Dizzy Gillespie che, nella sua grande orchestra, inizierà a a mescolare il suo be bop con il calypso caraibico (un po' per rendere più accessibile la sua musica al tempo suonata da una orchestra che difficilmente poteva definirsi "da ballo", un po' perché realmente appassionato del genere). Il grande trombettista rimarrà sempre legato ai ritmi cubani e caraibici per tutta la sua lunga carriera.

Un tentativo degno di nota, ma poco fortunato, fu quello dell'altosassofonista "cool" Bud Shank che, nel 1953, incise due album con Laurindo Almeida, chitarrista brasiliano scoperto a Rio de Janeiro da Stan Kanton e con la cui orchestra aveva suonato negli Stati Uniti. Il risultato, i due volumi Brazilliance, sono considerati un anticipo della bossa nova. Stan Kanton stesso, negli anni cinquanta non rimase indifferente ai ritmi del samba e Almeida continuò a suonare il suo jazz "brasiliano" approfittando anche dell'esplosione del genere nei primi anni sessanta.

Fu, infatti, solo nel 1962, e nei due anni successivi, che si ebbero i primi veri grandi esempi di "fusion" tra il jazz e i ritmi brasiliani, anche perché, nel frattempo, era nata la bossa nova per opera principalmente di Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, João Gilberto e i ragazzi che si riunivano a casa di Nara Leão a Rio de Janeiro. Tra i più importanti, oltre al citato Jazz Samba, sono i successivi dischi di Stan Getz con Luiz Bonfá e soprattutto con João Gilberto e Astrud Gilberto (con il successo di Garota de Ipanema) e l'album di Jobim con Frank Sinatra del 1967.

Dal successo di quei primi esempi di "fusion" tra due generi così diversi, ma che seppero così bene convivere, molti tra i principali jazzisti americani tentarono di ripercorrere la strada intrapresa da Getz e interpretarono a loro modo la musica brasiliana. Tra questi Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Cannonball Adderley e molti altri musicisti e cantanti americani per i quali era un "must" realizzare dischi in coppia con i brasiliani più in voga.

Il 1962 fu un anno estremante prolifico in tal senso. Pur senza incidere la celebre Desafinado, il primo disco americano con "bossa nova" nel titolo suonato da musicisti brasiliani fu probabilmente Cannonball's Bossa Nova di Cannonball Adderley che lo realizzò per la Riverside nel dicembre del 1962 con una straordinaria formazione che comprendeva alcuni reduci dal concerto alla Carnegie Hall come Sergio Mendes e i membri del suo gruppo, tra i quali il batterista Dom Um Romao. Persino Coleman Hawkins sarà, suo malgrado, coinvolto nella frenesia di cavalcare l'onda della musica brasiliana in un non riuscitissimo disco prodotto dalla Impulse! Records intitolato Desafinado: Coleman Hawkins plays Bossa Nova & Jazz Samba. Il grande tenor-sassofonista non poteva essere da meno di Stan Getz, quindi già nel settembre del 1962 "Hawk" fu mandato da Bob Thiele in sala d'incisione con un gruppo non del tutto all'altezza per registrare i nuovi classici di Jobim e soci. Miles Davis l'anno successivo non poté sottrarsi alla moda e nel disco realizzato con l'orchestra di Gil Evans, Quiet Nights registrò una bella versione di Corcovado.

Tra i più attivi nel diffondere il nuovo stile negli Stati Uniti, la casa discografica Verve Records e Creed Tylor che produssero i dischi di Astrud Gilberto, Stan Getz e Antonio Carlos Jobim, ma anche la Columbia Records che per prima pubblicò, senza successo, i famosi dischi brasiliani di João Gilberto.

In seguito divennero popolarissimo il brasiliano Sergio Mendes che, con le sue orchestre, mantenne elevata la popolarità della Musica Popolare Brasiliana (o MPB) negli Stati Uniti e la introdusse in Giappone portando all'estero anche molta musica brasiliana emersa dopo il boom della bossa nova.

Ancora, Chick Corea, maestro della fusion, utilizzò spesso, in modo innovativo, il ritmo brasiliano (proprio all'epoca in cui suonava con Getz).

Da ricordare, infine, Herbie Mann, flautista e grande "contaminatore", che già negli anni '50 aveva inserito delle congas nella sua formazione (influenzato dalla musica africana) e che contribuirà a sostenere il successo della bossa nova già nei primi anni '60 (con un disco di bossa nova registrato a Rio con Mendes), e che poi non disdegnerà di suonare reggae, funk e qualsiasi cosa gli capitasse all'orecchio.

Il nome di Stan Getz è rimasto sinonimo di jazz e bossa nova. Lo stile jazz samba (che però, come detto, è principalmente bossa nova) è diventato consuento e parte integrante del linguaggio jazzistico come nei decenni precedenti lo erano stati il blues, la musica di Tin Pan Alley e quella dei grandi compositori americani. Le grandi canzoni di Jobim, soprattutto, sono divenute degli "standard" del jazz e della musica d'intrattenimento al pari di quelle di Cole Porter e Irving Berlin.

Col tempo l'interesse per lo stile bossa nova è un po' declinato ed è spesso associato alla musica da "night-club" come forma di intrattenimento "d'atmosfera" per la rilassatezza delle sue linee melodiche suonate su una base ritmica "soft" che manca della forza della originale "batida" così come l'avevano intesa João Gilberto, Jobim e i loro seguaci.

Paradossalmente, l'incontro tra i due principali generi musicali del continente americano, non avvenne per opera di coloro che li avevano inventati e ne avevano fatto la storia e stabilito le caratteristiche.

Il jazz nordamericano è sostanzialmente dovuto all'influenza dei ritmi africani mescolati con la musica europea e folcloristica dei bianchi. Allo stesso modo, ma con modalità completamente diverse, la musica brasiliana, nasce dall'unione dei ritmi importati dagli schiavi con la musica portoghese e dai ritmi indigeni (la musica brasiliana, come il suo popolo, ha tre anime).

In entrambe le situazioni, tradizione musicale europea, tradizioni religiose (protestanti al nord, cattoliche al sud), si sono mescolate al temperamento dei neri che sono stati i maggiori interpreti, innovatori e animatori della musica dei due sub-continenti.

La vera "fusion" tra il jazz nordamericano ed il samba (musica) brasiliano (nella loro forma più moderna) avviene invece ad opera di musicisti bianchi. La bossa nova era una forma di samba totalmente reinventato da un gruppo eterogeneo come collocazione geografica, ma del tutto omogeneo come caratteristiche sociali: si trattava di bianchi della società borghese, modernista e ispirata dal nuovo vento di risveglio economico e nazionalistico, del Brasile di Juscelino Kubitschek. Il jazz con cui si fuse, ad opera dei suoi stessi inventori, negli Stati Uniti nei primi anni sessanta, era quello di un musicista di successo come Stan Getz, che molto doveva al vero jazz nero, ma che era uno dei maggiori esponenti della musica più cool, amata dal grande pubblico, bianco, quello che comperava i dischi e votava nei referendum delle testate specializzate.

In ogni caso, il jazz nero stava già cambiando in modo vorticoso negli stessi anni (ad esempio per opera di John Coltrane) e poco dopo anche la musica brasiliana sarebbe cambiata.

Il bolero

Il bolero è una danza di origine spagnola nata alla fine del XVIII secolo.

È caratterizzato da:

un tempo in 3/4

un ritmo netto (spesso scandito da tamburi).

Alcuni esempi celebri di bolero sono:

Bolero op.19 in La minore', opera del 1833 di Frédéric Chopin

Bolero, opera del 1928 di Maurice Ravel

Mercé, dilette amiche (bolero di Elena, da I Vespri Siciliani, opera di Giuseppe Verdi del 1855).

A Cuba il bolero ha avuto origine verso la metà del XIX secolo a Santiago, dove è stato completamente reinventato rispetto alla tradizione spagnola ed è diventato una danza caratterizzata da un tempo in 2/4. Da Santiago il Bolero si è poi diffuso in tutta l'isola, negli altri Paesi caraibici e nel resto del mondo.

Pepe Sanchez, (nato Jose Sanchez a Santiago de Cuba il 19 marzo 1856 e morto il 03 gennaio del 1918) è conosciuto come il creatore del bolero cubano. Tra i più importanti autori di Bolero si ritrovano poi Omara Portuondo, Ibrahim Ferrer, Beny Moré, il portoricano Rafael Hernández, i messicani Agustín Lara, Jose Feliciano e Luis Miguel, l'ecuadoriano Julio Jaramillo e il cileno Antonio Prieto.

Cha cha cha

Il Cha cha cha è una danza latino-americana.

Nato a Cuba nei primi anni del XX secolo, si chiamava in origine Cha Cha. In seguito fu contaminato da altre danze: Mambo, Rumba, Danzón e Son.

Esistono 4 differenti ipotesi sul significato letterale dell'espressione "Cha Cha Cha":

Attributo onomatopeico strettamente legato al ritmo della danza, scandito dal tempo delle percussioni.

Riproduzione del suono prodotto dalle scarpe durante la danza, in particolar modo nel triplo passo.

"Cha cha" è il nome di un sonaglio cubano, propriamente adoperato durante la danza.

Riproduzione del suono emesso dallo sbattere dei piedi sulla battigia.

Il "Cha Cha Cha" è una danza relativamente semplice da apprendere, ma i passi di base sono leggermente più complicati di quelli di altre danze. Il ritmo che viene contato durante l'esecuzione dei passi è: "due-tre-cha cha cha".

Passi base:

tempo 2: il ballerino con il suo piede sinistro trasferisce il peso del corpo in avanti, tenendo il piede destro fermo (la ballerina trasferisce il peso in dietro).

tempo 3: il ballerino trasferiasce il peso del corpo verso il dietro tenendo fermi entrambi i piedi (la ballerina trasferisce il peso in avanti).

tempo 4 e 1 (o cha cha cha) il ballerino esegue uno chassé verso la propria sinistra (la ballerina fa lo chassé verso la propria destra).

Si ricomincia invertendo il ruolo tra la ballerina e il ballerino.

Tra i cha cha cha più celebri possiamo ricordare Torero di Renato Carosone e Cha cha cha della segretaria di Michelino & il suo complesso.

Speciale 8 marzo jazz donna

2011-06-15T04:13:00.000-07:00

Speciale 8 marzo jazz donna

Sarah Vaughan

Billie holiday

Betty Carter

Nina Simone

Ella Fitzgerald

Dinah Washington:

Rosemary Clooney

Anita O'Day

Betty Rochè

Jula De Palma

Norah jones

Caterina Valente

Cassandra Wilson

Dianne Reeves

Rachelle Ferrell

Tiziana Ghiglioni

Astrud Gilberto

Shirley Horn

Etta James

Etta Jones

Diana Krall

Peggy Lee

Flora Purim

Bessie Smith

Eliane Elias

speciale 8 marzo jazz donna

una scelta tra le più grandi interpreti italiane e straniere

Sarah Vaughan

http://www.youtube.com/watch?v=GID9SwXkxlI&feature=fvst

http://www.youtube.com/watch?v=x8cFdZyWOOs

http://www.youtube.com/watch?v=0Q9quncGZ6k

http://www.youtube.com/watch?v=XhrKPH_CZN8

Billie Holiday

Nel 1939, sfidando le discriminazioni razziali che colpivano i neri, cantò una canzone coraggiosa,

Strange Fruit: il frutto era il corpo di un nero ucciso dai bianchi ed appeso a un albero.

La canzone divise il pubblico; la Holiday poté eseguirla solo se la direzione del club lo consentiva previamente.

http://www.youtube.com/watch?v=h4ZyuULy9zs Strange Fruit:

http://www.youtube.com/watch?v=d7ENPQzlUpY

http://www.youtube.com/watch?v=iiJWrzwE9oQ

http://www.youtube.com/watch?v=YtqjW2uhBT4

http://www.youtube.com/watch?v=Yq5LiRoYCBo

Betty Carter

http://www.youtube.com/watch?v=iemkYXz8UNs

http://www.youtube.com/watch?v=TZ5E7kz9VQ0

http://www.youtube.com/watch?v=PAreYWTHcJc

http://www.youtube.com/watch?v=8ODC5neAXxE

Nina Simone

http://www.youtube.com/watch?v=GUcXI2BIUOQ

http://www.youtube.com/watch?v=TI8F6DbB2cE

http://www.youtube.com/watch?v=1diLW4bbRi0

http://www.youtube.com/watch?v=hNR9Bkhw2hc

http://www.youtube.com/watch?v=qIp4wSN_YUw

Ella Fitzgerald

http://www.youtube.com/watch?v=PbL9vr4Q2LU

http://www.youtube.com/watch?v=DEaDj6TXiQQ

http://www.youtube.com/watch?v=mQouJdvB80U

http://www.youtube.com/watch?v=io0uqrp9dco

Dinah Washington:

http://www.youtube.com/watch?v=OmBxVfQTuvI

http://www.youtube.com/watch?v=ipc1DWfJhg4

http://www.youtube.com/watch?v=emkqc3PIw8E

http://www.youtube.com/watch?v=OnopVYzg0-w

http://www.youtube.com/watch?v=-FsqEG_3p5g

Rosemary Clooney

http://www.youtube.com/watch?v=soKB9DBX9Oc

http://www.youtube.com/watch?v=bzUfmh3G9AE

http://www.youtube.com/watch?v=MbQjDxA7g-M

http://www.youtube.com/watch?v=vyCNNrc8F_s

Anita O'Day

http://www.youtube.com/watch?v=X8BqFbzpiVg

http://www.youtube.com/watch?v=zRN7B_L_NTE

http://www.youtube.com/watch?v=lbwZ_dLgvR0

http://www.youtube.com/watch?v=xw3ha-_pXck

http://www.youtube.com/watch?v=8UZ0xqdP2rw

Betty Rochè

http://www.youtube.com/watch?v=nTyZdQqalGY

http://www.youtube.com/watch?v=k9dVud2gxUw

http://www.youtube.com/watch?v=iayNmmpODNg

Jula De Palma

http://www.youtube.com/watch?v=tZ9fNo4USzA

http://www.youtube.com/watch?v=scLtlrFkJWk

http://www.youtube.com/watch?v=sGGso9Gr9Yo

http://www.youtube.com/watch?v=CzPlmYJLMog

Norah jones

http://www.youtube.com/watch?v=fd02pGJx0s0

http://www.youtube.com/watch?v=jmf6Oehm1OA

http://www.youtube.com/watch?v=fBuZBW4ys_Q

http://www.youtube.com/watch?v=NN7dCwbDDJ0

Caterina Valente

http://www.youtube.com/watch?v=wcePuiBTofA

http://www.youtube.com/watch?v=NHzCVGJRekE

http://www.youtube.com/watch?v=_sbY2w8pTZ4

http://www.youtube.com/watch?v=Qh5000xpGk4

Cassandra Wilson

http://www.youtube.com/watch?v=ySVWeao57m8

http://www.youtube.com/watch?v=RG-li24ui2E

http://www.youtube.com/watch?v=-s5JtoUbUxI

http://www.youtube.com/watch?v=M87W8-BsfBM

Dianne Reeves

http://www.youtube.com/watch?v=dlFj9iCnaIE

http://www.youtube.com/watch?v=79RwWXpQrNY

http://www.youtube.com/watch?v=M2Lk-15UEK4

http://www.youtube.com/watch?v=CI6UMlZrGVI

Rachelle Ferrell

http://www.youtube.com/watch?v=en6kmiX0SDc

http://www.youtube.com/watch?v=tGYPXB_8h8w

http://www.youtube.com/watch?v=qdtwon67Uqg

Tiziana Ghiglioni

http://www.youtube.com/watch?v=WpF1Hj6rPYY

http://www.youtube.com/watch?v=7aU7Gd6qNCs

http://www.youtube.com/watch?v=xg00RNrbgBw

http://www.youtube.com/watch?v=q2-Dd_aNjDs

Astrud Gilberto

http://www.youtube.com/watch?v=sT2BloTgw7k

http://www.youtube.com/watch?v=86MwK3TT9og

http://www.youtube.com/watch?v=DVYRwd8hhX0

http://www.youtube.com/watch?v=O5ZaMRbVbag

http://www.youtube.com/watch?v=QaqBnw9xA34

Shirley Horn

http://www.youtube.com/watch?v=4KjtTvVdt3U

http://www.youtube.com/watch?v=AZOAQGLvYcw

http://www.youtube.com/watch?v=vSL5AHhpi6U

Etta James

http://www.youtube.com/watch?v=lMjaVkxnLpg

http://www.youtube.com/watch?v=uVI254QGSQ4

http://www.youtube.com/watch?v=YApNirMC9gM

Etta Jones

http://www.youtube.com/watch?v=08IR-eq-RMc

http://www.youtube.com/watch?v=VAjkIc8RrsY

http://www.youtube.com/watch?v=nSCNnXt15DE

Diana Krall

http://www.youtube.com/watch?v=Yr8xDSPjII8

http://www.youtube.com/watch?v=4uEl5Z5DEDw

http://www.youtube.com/watch?v=qVCgf6_M7i4

http://www.youtube.com/watch?v=d8RYUZT57XA

Peggy Lee

http://www.youtube.com/watch?v=qe9kKf7SHco

http://www.youtube.com/watch?v=tbnA78ravpY

http://www.youtube.com/watch?v=JGb5IweiYG8

Flora Purim

http://www.youtube.com/watch?v=0zsb5rMncYU

http://www.youtube.com/watch?v=5gXz9RndzzY

http://www.youtube.com/watch?v=qiVeuRHxrGc

http://www.youtube.com/watch?v=l74PaRaaYE4

Bessie Smith

http://www.youtube.com/watch?v=meuwKhPGItk

http://www.youtube.com/watch?v=8Who6fTHJ34

http://www.youtube.com/watch?v=zCrtErmipXE

http://www.youtube.com/watch?v=6MzU8xM99Uo

Eliane Elias

http://www.youtube.com/watch?v=SaqIRDKW8Ds

http://www.youtube.com/watch?v=MK0OuQoAJOE

http://www.youtube.com/watch?v=1d8jbA0_9oo

http://www.youtube.com/watch?v=BNfAofMmygI

http://www.youtube.com/watch?v=4gyB1meDJVI

_________________

La serata jazz dedicata alla giornata internazionale della donna finisce qui... ma non dovrebbe finire l'impegno per sostenere la donna nella ancor troppo difficile situazione

in cui si trova Purtroppo ci saranno donne che non sanno neppure che l'8 marzo esista, non sapranno neppure che hanno dei diritti. Ci saranno donne che non sanno ne leggere ne scrivere, donne che nella loro vita hanno preso più schiaffi e pietre che carezze. più insulti che apprezzamenti e parole buone, più cattiveria di bontà. A Loro sopratutto a Loro va il mio pensiero

Il free jazz

2011-06-15T04:09:00.001-07:00

Il free jazz è una forma di jazz nata tra New York e Chicago, nei primi anni sessanta, parallelamente al sorgere delle grandi battaglie razziali di Martin Luther King e, soprattutto, di Malcolm X: Black Power sarà sempre un marchio distintivo dei musicisti "Free". Ha rivestito e riveste, perciò, una grande valenza sociale.

Come indica il nome si tratta di un tipo di musica libera, completamente al di fuori degli schemi: uno dei limiti estremi raggiunti negli anni è stata la partitura per quintetto che prevedeva la libera improvvisazione contemporanea, di tutti gli strumenti secondo l'estro del momento. I caratteri di novità di questo stile rispetto ai precedenti consistono nella frammentazione e irregolarità del ritmo e della metrica, nella atonalità che può arrivare fino al rumorismo, nell'assorbimento di tradizioni musicali provenienti da ogni parte del mondo (tanto che può essere considerato un antenato della World Music) e soprattutto nella tensione, intesa come intensità e liricità, che talvolta assume caratteri orgiastici e liberatori.

Tra i brani che meglio rappresentano la nascita di questo stile ricordiamo: Free Jazz di Ornette Coleman (considerato il padre di questa musica sperimentale)

alcuni esponenti free jazz di rilievo

Art Ensemble of Chicago

Albert Ayler

Anthony Braxton

Archie Shepp

Bill Dixon

Cecil Taylor

Don Cherry

Eric Dolphy

Gato Barbieri

Giuseppi Logan

John Coltrane

John Tchicai

John Zorn

Leroy Jenkins

Lester Bowie

Masada

Muhal Richard Abrams

Ornette Coleman

Paul Bley

Peter Brotzman

Pharoah Sanders

Roscoe Mitchell

Sun Ra

http://en.wikipedia.org/wiki/Free_jazz

http://it.wikipedia.org/wiki/Free_jazz

http://en.wikipedia.org/wiki/Avant-garde_jazz

http://en.wikipedia.org/wiki/Free_improvisation

Note: è un genere di jazz non di facile ascolto che piacerà agli appasionati più a chi si avvicina al jazz

è molto simile al jazz d'avanguardia di cui tratteremo le prossime volte. che però è diverso in armonia e struttura

http://en.wikipedia.org/wiki/Avant-garde_jazz

List of compositions by George Gershwin

2011-01-29T16:25:00.000-08:00

List of compositions by George Gershwin

This is a list of compositions by George Gershwin. During his short life of thirty-nine years, George Gershwin was both a songwriter for Broadway and a classical composer. He composed songs, stage works, concert works both with and without piano solo, film music and even an opera. His works are grouped thematically in this list, and in chronological order according to the dates of compositions in the same group.

Note: All orchestral/operatic pieces are orchestrated by Gershwin unless otherwise specified.

Tango (1915), for solo piano. Written when he was 15.
Lullaby (1919), a meditative piece for string quartet. Originally, a class assignment from his music theory teacher.
Blue Monday, a one-act opera featured in George White's Scandals of 1922 at the Globe Theatre, Paul Whiteman conducting, orchestrated by Will Vodery.
- A Suite from Blue Monday for two pianos was later arranged and has been recorded.
- Reorchestrated by Ferde Grofé and retitled 135th Street in 1925 for a performance at Carnegie Hall.
Rhapsody in Blue, (1924), his most famous work, a symphonic jazz composition for Paul Whiteman's jazz band & piano, premiered at Aeolian Hall, better known in the form orchestrated for full symphonic orchestra by Ferde Grofé. Featured in numerous films and commercials.
Short Story, (1925), for violin and piano, an arrangement of two other short pieces originally intended to be included with the Three Preludes. Premiered by Samuel Dushkin at The University Club of New York in New York City.
Concerto in F, (1925), three movements, for piano and orchestra, premiered in Carnegie Hall by the New York Symphony Orchestra, Walter Damrosch conducting.
Three Preludes, (1926), for piano, first performed by Gershwin at the Roosevelt Hotel in New York City.
An American in Paris (1928), a symphonic poem with elements of jazz and realistic Parisian sound effects, premiered in Carnegie Hall by the New York Philharmonic, Walter Damrosch conducting.
Second Rhapsody (1931), for piano and orchestra, based on the score for a musical sequence from the film Delicious. Working title for the work was Rhapsody in Rivets. Premiered at the Boston Symphony Hall by the Boston Symphony Orchestra, Serge Koussevitzky conducting.
Cuban Overture (1932), originally titled Rumba, a tone poem featuring elements of native Cuban dance and folk music; score specifies usage of native Cuban instruments, premiered at the Lewisohn Stadium of the City University of New York, Gershwin conducting.
Piano Transcriptions of Eight Songs (1932)
Variations on "I Got Rhythm" (1934), a set of interesting variations on his famous song, for piano and orchestra. Premiered at the Boston Symphony Hall by the Leo Reisman Orchestra, conducted by Charles Previn.
- Includes a waltz, an atonal fugue, and experimentation with Asian and jazz influences
Porgy and Bess, a folk opera (1935) (from the book by DuBose Heyward) about African-American life, now considered a definitive work of the American theater, premiered at the Alvin Theatre, Alexander Smallens conducting.
- Contains the famous aria "Summertime", in addition to hits like "I Got Plenty o' Nuttin'" and "It Ain't Necessarily So".
- Porgy and Bess has also been heard in the concert hall, mostly in two orchestral suites, one by Gershwin himself entitled Catfish Row; another suite by Robert Russell Bennett, Porgy and Bess: A Symphonic Picture is also relatively popular.
Walking the Dog, (1937), a humorous piece for orchestra featuring the clarinet. Originally a musical sequence entitled Promenade from the movie Shall We Dance for piano and chamber orchestra.
- Many other incidental sequences from Shall We Dance were composed and (for the most part) orchestrated by Gershwin, among them: Waltz of the Red Balloons and a final extended 8-minute orchestral passage based on the title song with an intruiging coda hinting at Gershwin forging a new musical path. It is unknown why any of these compositions have not seen the light of day in the concert hall.
- Most of the musicals Gershwin wrote are also known for their instrumental music, among them the March from Strike Up The Band and overtures to many of his later shows.
Impromptu in Two Keys, published posthumously in (1973), for piano
Two Waltzes in C, published posthumously in (1975), for piano
- Originally a two-piano interlude in Pardon My English on Broadway.

Rai.tv ed il jazz

2011-01-29T16:24:00.000-08:00

Rai.tv Superquark - La Casa del Jazz

... La Casa del Jazz La Casa del Jazz permette alla musica di vivere ancora
La Casa del Jazz. Lo studio degli ecosistemi ha mostrato ...

Rai.tv - Palcoscenico - Shakespeare in Jazz
... jazz, il celebre amore di Giulietta e Romeo Shakespeare in Jazz. In occasione
del 58° Festival shakespeariano di Verona Giorgio ...
Rai.tv - Palcoscenico - Concerto Gospel per la pace Rai.tv
... La messa, inserita nella manifestazione Umbria Jazz Winter, dalla splendida cornice
del Duomo di Orvieto che rappresenta uno dei monumenti più importanti dell ...
Rai.tv - Viva Radio 2 - VANONI E FIORELLO IN VERSIONE Jazz
... Tratto da: Viva Radio 2. >Clicca qui... VANONI E FIORELLO IN VERSIONE JAZZ - VANONI
E FIORELLO IN VERSIONE JAZZ. -. Tratto da: Viva Radio 2. Tema: Musica. ...
Rai.tv - Jazz Me Blues
Jazz Me Blues Tematica: Musica. La trasmissione ideata e condotta da Lino Patruno:
alla scoperta del jazz dalle origini ai giorni nostri Jazz Me Blues. ...
Rai.tv - Carnet Italiano - Puntata del 21 agosto 2007
... di questa settimana sono: Fernando Botero a Milano; Massimo Ranieri a Roma; il
Marvellous Sound Project a Vicenza; il Giffoni Film Festival; Jazz in parco a ...
Rai.tv - Demo - Akanta - Corri
... Akanta - Corri Tra jazz, musica latina, rock e canzone d'autore: è Alex
Cantatore , in arte Akanta. Akanta - Corri. Nasce a Milano ...
Rai.tv - Alle falde del Kilimangiaro - Chicago
... Chicago La città-simbolo del jazz e del blues ... Una città che si distingue per la sua
magnifica architettura e come polo musicale del mondo jazz e blues. ...

Jimmy Scott

2011-01-29T16:21:00.000-08:00

Jimmy Scott

fragile come un passerotto ma con una voce da soprano La cui vita è stata pesantemente condizionata da una malattia "la sindome di Kallmann" Non ha un grande successo fino alla morte di un suo supporter quando Jimmy canta suo funerale in quel momento lo ascolta il proprietario della casa discografica Warner e lo mette sotto contratto e nel 1992 a 65 anni inizia per lui una nuova vitanel 1992 riceve un Grammy come miglior voce e da allora è un susseguirsi di concerti e album di successo,La sua voce ha qualcosa di profondo sofferto e di intenso che lo rende unico

Maceo Parker

2011-01-29T16:19:00.000-08:00

Maceo Parker
Un conoscente appasionato di jazz mi ha consigliato di ascoltare Maceo Parker

nNn dice molto wiki in italiano su maceo bisogna però ricordare a chi non lo sapesse che il funk è uno stile di musica che ha attinenza con gli stili soul music, soul jazz and R&B into a rhythmic, danceable per cui anche il jazzMaceo viene spiegato meglio nella versione inglese

Qualche link per approfondire
http://it.wikipedia.org/wiki/Maceo_Parke r
http://en.wikipedia.org/wiki/Maceo_Parker
http://www.maceo.com

Nick La Rocca

2011-01-29T16:18:00.000-08:00

Nick La Rocca

Nato da genitori emigrati a New Orleans, città che ospita da sempre una grandissima percentuale d’immigrati siciliani provenienti soprattutto da Palermo e Trapani, Nick La Rocca è considerato un pioniere cornettista del jazz classico.
Suo padre, Girolamo La Rocca, pur essendo anch'egli cornettista, disapprova la passione che il figlio mostra per la cornetta e per la musica jazz: infatti, solo dopo la morte del padre avvenuta nel 1904, Nick ancora quindicenne può dare libero sfogo alla propria passione.
Le sue prime composizioni le suona davanti alla cassiera del teatro vicino casa sua; solo nel 1916 entra a far parte del gruppo di Johnny Stein, che in seguito divenne la famosissima Original Dixieland Jass Band (in seguito il nome verrà mutato in Original Dixieland Jazz Band) e che, a causa di problemi di personalità che affliggevano Nick, venne sciolto varie volte

Best Jazz 100

2011-01-29T16:16:00.001-08:00

VA - Best Jazz 100 - 6 CD (2008)

Year Of Release: September 4, 2006
Label: EMI Europe Generic
Genre: Jazz Collections

Following the fantastic success of the Best 100 series; EMI now present Best Jazz 100 Jazz, a great value 6 disc set. Jazz is the epitome of cool; it is a music of infinite variety and timeless appeal. This 6CD set BEST JAZZ 100 offers just that! This collection features the very best in jazz across the ages: from cool swing to burning Latin; husky vocals to smooth ballads; from the new faces on the scene to the classic artists of yesteryear. With each CD representing a different style: Classic Jazz Vocals; Swing Classics; Latin Jazz; Relaxing Jazz; Jazz Ballads and Legends of Jazz there's something here for everyone.

Disc 1 (CLASSIC JAZZ VOCALS)
Tracklist
01. I Left My Heart In San Francisco - Julie London
02. Something Cool - June Christy
03. My Funny Valentine - Chet Baker
04. Misty Blue - Ella Fitzgerald
05. Darn That Dream - Nancy Wilson
06. Autumn In New York - Jo Stafford
07. April In Paris - Dinah Shore
08. Do Nothing Til You Hear From Me - Abbey Lincoln
09. Day In-Day Out - Mark Murphy
10. It Had To Be You - Dinah Shore
11. Angel Eyes - Jack Jones
12. The Man I Love - Carmen McRae
13. It Don't Mean A Thing - Annie Ross
14. Here's That Rainy Day - Sue Raney
15. Stars Fell On Alabama - Jack Teagerden
16. Blue Moon - Billie Holiday
17. A Foggy Day - Dakota Station
18. Exactly Like You - Dianne Reeves
19. I Ain't Got Nothin' But The Blues - Lou Rawls
20. Something To Live For - Lena Horne

Disc 2 (SWING CLASSICS IN HI-FI)
Tracklist
01. For Dancers Only - Billy May and his Orchestra
02. Stompin' At The Savoy - Benny Goodman And His Orchestra
03. Leap Frog - Les Brown And His Orchestra
04. Satin Doll - Duke Ellington And His Orchestra
05. Let's Dance - Benny Goodman And His Orchestra
06. T'Ain't What You Do - Billy May and his Orchestra
07. Opus No.1 - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra
08. Intermission Riff - Stan Kenton And His Orchestra
09. Sleep - Woody Herman And His Orchestra
10. Jumpin' At The Woodside - Benny Goodman And His Orchestra
11. Harlem Air Shaft - Duke Ellington And His Orchestra
12. I'm Beginning To See The Light - Harry James And His Orchestra
13. A Good Man Is Hard To Find - Les Brown And His Orchestra
14. Annie Laurie - Billy May and his Orchestra
15. The Peanut Vendor - Stan Kenton And His Orchestra
16. Come And Get It - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra
17. Margie - Billy May and his Orchestra
18. I've Got My Love To Keep Me - Les Brown And His Orchestra
19. Apollo Jumps - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra
20. Sing, Sing, Sing - Benny Goodman And His Orchestra

Disc 3 (LATIN JAZZ)
Tracklist
01. Machito - Stan Kenton And His Orchestra
02. Jahberu - Tadd Dameron
03. Tin Tin Deo - James Moody & Chano Pozo
04. Basheer's Dream - Kenny Dorham
05. Cangalegra - Horace Parlan
06. Mambo Inn - Grant Green
07. Paco - Gerald Wilson
08. Agua Dulce - The Jazz Crusaders
09. Favela - Clare Fischer
10. I'm On My Way - Candido
11. Oye Como Va - Bobby Hutcherson
12. Caravan - Chucho Valdes
13. Contagio - Gonzalo Rubalcaba
14. Dance Of Denial - Ray Barretto
15. The Time Is Now - Eliane Elias

Disc 4 (RELAXING JAZZ)
Tracklist
01. At Last - Lou Rawls & Dianne Reeves
02. Makin' Whoopee - The Three Sounds
03. Namely You - Sonny Rollins
04. Time After Time - Cassandra Wilson
05. Infant Eyes - Wayne Shorter
06. In The Winelight - Kurt Elling
07. Cantaloupe Island - Herbie Hancock
08. More Than This - Charlie Hunter & Norah Jones
09. Beatrice - Joe Henderson
10. Lazy Afternoon - Jackie Allen
11. I've Got The World On A String - Joe Lovano
12. Make It Go Away - Holly Cole
13. Deja Vu - Stefon Harris & Jacky Terrasson
14. Don't Worry Be Happy - Bobby McFerrin

Disc 5 (JAZZ BALLADS)
Tracklist
01. Someone To Watch Over Me - Coleman Hawkins
02. Easy Living - Clifford Brown
03. It Never Entered My Mind - Miles Davis
04. Violets For Your Furs - Jutta Hipp & Zoot Sims
05. Moonglow - Benny Goodman
06. Like Someone In Love - George Shearing
07. Stairway To The Stars - Bill Evans & Jim Hall
08. Dancing In The Dark - Cannonball Adderley
09. I'm A Fool To Want You - Dexter Gordon
10. Yesterdays - Stan Kenton And His Orchestra
11. The Good Life - Hank Mobley
12. God Bless The Child - Stanley Turrentine
13. Nature Boy - Ike Quebec
14. Spring Can Really Hang You Up The Most - Zoot Sims
15. Laura - Joe Lovano

Disc 6 (LEGENDS OF JAZZ)
Tracklist
01. Boogie Woogie Stomp - Albert Ammons
02. Summertime - Sidney Bechet
03. Chicago Flyer - Meade Lux Lewis
04. Profoundly Blue - Edmond Hall's Celeste Quartet
05. Topsy - Ike Quebec
06. Jimmy Hamilton & The Duke's Men - Blues For Clarinets
07. Lop-Pow - Babs Gonzales' Three Bips And A Bop
08. Our Delight - Tadd Dameron
09. Boperation - Howard McGhee & Fats Navarro
10. 'Round Midnight - Thelonious Monk
11. Bouncing With Bud - Bud Powell
12. Born To Be Blue - Wynton Kelly
13. Bags' Groove - Milt Jackson
14. Safari - Horace Silver
15. Carvin' The Rock - Lou Donaldson & Clifford Brown
16. Lady Sings The Blues - Herbie Nichols

100 Hits in Jazz

2011-01-29T16:15:00.001-08:00

100 Hits in Jazz

Titolo 100 Hits in Jazz
Etichetta Sony Music
Prezzo € 25,90
Prezzi in altre valute

100 Hits in Jazz

Disco 1
'
1.Miles Davis - Time After Time
2.The Manhattan Transfer - 10 Minutes Till The Savages Come
3.Lyambiko - Here Comes The Sun
4.Dexter Gordon - Isn't She Lovely
5.Otmar Liebert And Luna Negra - Samba Pa Ti
6.New York Voices - Still Crazy After All These Years
7.Tuck And Patty - Woodstock
8.Miles Davis - Human Nature
9.Tommy Emmanuel - Field Of Gold
10.Idris Muhammad - House Of The Rising Sun
11.Weather Report - Birdland
12.Louis Armstrong - What A Wonderful World
13.Steve Tyrell - It Had To Be You
14.Jane Monheit - Honeysuckle Rose
15.Lisa Ekdahl - It Was Just One Of Those Things
16.Tony Bennett - Night And Day
17.Don Braden - Smoke Gets In Your Eyes
18.George Benson - The Shadow Of Your Smile

Disco 2

1.The Dave Brubeck Quartet - Take Five
2.Charlie Byrd - The Girl From Ipanema
3.Joao Gilberto & Stan Getz - Aguas De Marco
4.The Dave Brubeck Quartet - Tonight
5.George Benson - California Dreamin'
6.Paul Desmond - A Taste Of Honey
7.Tony Bennett - A Foggy Day
8.Tuck & Patty - As Time Goes By
9.The Dave Brubeck Quartet - Somewhere
10.Grover Washington Jr - In A Sentimental Mood
11.Duke Ellington & His Orchestra - Stain Doll
12.Les Brown - Just A Gigolo'
13.Tony Bennett - Cheek To Cheek
14.Paquito D'rivera - On Green Dolphin Street
15.Tommy Dorsey & His Orchestra - Opus One
16.Benny Goodman & His Orchestra - Sing Sing Sing (With A Swing) (Live)
17.Carmen Mcrae & The Dave Brubeck Quartet - Take Five

Disco 3

1.Buddy Greco - The Lady Is A Tramp
2.Lisa Ekdahl - Love For Sale
3.Paul Desmond - Samba De Orfeu
4.Duke Ellington And His Orchestra - Take The "A" Train
5.Dominique Eade - Lullaby Of Birland
6.Etta James - These Foolish Things
7.Patti Austin - Lost In The Stars
8.Paul Desmond - Bewitched
9.Aretha Franklin - Somewhere Over The Raibow
10.Gerry Mulligan And Chet Baker - My Funny Valentine
11.The Dave Brubeck Quartet - Georgia On My Mind
12.Miles Davis And John Coltrane - Round Midnight
13.Tommy Dorsey And His Orchestra - I'm Gettin' Sentimental Over You
14.Hoagy Carmichael - Stardust
15.Aretha Franklin - Unforgettable
16.Billie Holiday - The Man I Love

Disco 4

1.Louis Armstrong - Mack The Knife
2.Louis Armstrong - On The Sunny Side Of The Street
3.Rosemary Clooney - Botch-A-Me (Ba-Ba-Ba-Baciami Piccina)
4.Della Reese - I'm Beginning To See The Light
5.Ella Fitzgerald Taking A Chance On Love - I'm In Mood For Love
6.Sarah Vaughan - Ain't Misbehavin'
7.Sarah Vaughan - Nice Work If You Can Get It
8.Paul Desmond - All The Things You Are
9.Rosemary Clooney - Tenderly
10.Aretha Franklin - Only The Lonely
11.Lisa Ekdahl - Lush Life
12.Marcus Roberts Trio - Embraceable You
13.Miles Davis And John Coltrane - Stella By Starlight
14.Coleman Hawkins And His Orchestra - April In Paris
15.Coleman Hawkins And His Orchestra - Body And Soul
16.Paul Desmond - Autumn Leaves (Le Foglie Morte)
17.Bill Evans - Waltz For Debby
18.Miles Davis And John Coltrane - Some Day My Prince Will Come

Disco 5

1.Mundell Lowe And His All Stars - Peter Gunn
2.Stan getz - Don't Cry For Me Argentina
3.Eumir Deodato - Nights In White Satin
4.Weather Report - Balack Market
5.J J Johnson - So What
6.Mundell Lowe - Perry Mason Theme
7.J J Johnson - My Little Suede Shoes
8.Duke Ellington And His Orchestra - Caravan
9.Glen Miller And His Orchestra - Moonlight Serenade
10.Stephane Grappelli And Django Reinhardt - Beyond The Sea (La Mer)
11.Duke Ellington And His Orchestra - Mood Indigo
12.Tuck And Patti - They Can't Take That Away From Me
13.Helen merrill - Why Don't You Do Right
14.The Dave Brubeck Quartet - When You Wish Upon A Star
15.Cab Calloway - Minnie The Moocher
16.Rosemary Clooney - Mambo Italiano
17.Glen Miller And His Orchestra - In The Mood
18.Mahalia Jackson - When The Saints Go Marching In

Disco 6

1.Sarah Vaughan - Summertime
2.Lena Horne - Stormy Weather
3.Paul Desmond - I've Got You Under My Skin
4.Etta James - Come Rain Or Come Shine
5.Sonny Rollins And Herbie Hancock - My One And Only Love
6.Carmen Mcrae - How I Wish
7.Paul Desmond Chet Baker And Jim Hall - You'd Be Nice To Come Home To
8.Dave Brubeck And Paul Desmond - The Song Is You
9.Duke Ellington And His Orchestra - Sophisticated Lady
10.Miles Davis - Corcovado
11.The Dave Brubeck Trio And Gerry Mulligan - Lullaby De Mexico
12.Patti Austin - Havana Candy
13.Ray Barretto - Cocinando
14.Gato Barbieri - Granada

I miei CDs: All Jazz

2011-01-29T16:14:00.000-08:00

All Jazz

Cd 1. Jazz Divas

1 Straighten Up and Fly Right - Diana Krall
2 You're The Top - Stacey Kent
3 Close Your Eyes - Anne Ducros
4 This Can't Be Love - Sara Lazarus
5 When Malindy Sings - Abbey Lincoln
6 Why Don't You Do Right? - Mina Agossi
7 Blue Moon - Jacqui Dankworth
8 I'll Never Be the Same - Elisabeth Kontomanou
9 One For My Baby - Isa Sand
10 It Is a Crime - Rigmor Gustafsson
11 Blue Skies - Clare Teal
12 Ool Ya Koo - Ella Fitzgerald
13 Let Me off Uptown - Anita O'Day
14 It's Magic - Sarah Vaughan
15 Don't Explain - Billie Holiday
16 I Walk the Line - Norah Jones & Joel Harrison
17 Maybe Now - Clara Hill
18 The Way Young Lovers Do - Viktoria Tolstoy
19 Feeling Good - The Quantic Soul Orchestra ft. Alice Russell
20 Minor Swing - Belleruche

Cd 2. Jazz Crooners

1 It Ain't Necessarily So - Jamie Cullum
2 Tell Him He's Yours　- Michael Buble
3 Thanks for Bringing Love Around Again - Ray Charles
4 Midnight Cannonball　- George Melly ft. Van Morrison
5 The End of the Line　- Torsten Goods
6 Should I Care　- Nils Landgren
7 All of Me　- Bireli Lagrene
8 I Fall in Love Too Easily - Chet Baker
9 La Vie En Rose　- Louis Armstrong
10 The Jumpin'Jive - Cab Calloway
11 Dop-Pop-Da　- Dizzy Gillespie
12 Swanee - Al Jolson
13 Love Is a Tender Trap　- Frank sSinatra
14 Let's Call the Whole Thing Off　- Fred Astaire
15 (I Love You) For Sentimental Reason　- Nat King Cole
16 I Can't Give You Anything But Love - Quintette Du Hot Club De France & Freddy Tay
17 You Rascal You　- Louis Armstrong & Louis Jordan
18 Martin　- Klement Julienne
19 Better Place　- Victor Davies
20 (In a Minor Key) Piano by Gonzales　- Jamie Lidell Multiply

Cd 3. Jazz Legends

1 Mirall - Perico Sambeat & Brad Mehldau
2 The Road Less Travelled - Clare Teal & Jamie Cullum
3 The Essence - Herbie Hancock ft. Chaka Khan
4 To Give Is to Get - Sofi Hellborg & Tony Allen
5 Necessary Evil - Ella Fitzgerald & Louis Armstrong
6 Muse - Kyle Eastwood
7 Move - Miles Davis
8 Use Me - Isa Sand & Nils Landgren
9 Walk on the Wild Side - Andre Ceccarelli
10 O.D.R.I.P - Esbjirn Svensson Trio
11 Bruce Lee - Marcus Miller
12 Summertime - Michel Petrucciani
13 The Stopper - Sonny Rollins
14 Now's the Time - Charlie Parker
15 I've Got You Under My Skin - Stan Getz
16 In the Mood - Glenn Miller
17 I'm in the Mood for Love - Errol Garner
18 Louisiana - Count Basie
19 Ain't Misbehavin - Fats Waller
20 Cheryl - Miles Davis & Charlie Parker

Cd 4. Gypsy Jazz

1 Chicago - Django Reinhardt ft. S. Grappelli
2 Blues Clair - Bireli Lagrene
3 All of Me - Tchavolo Schmitt
4 I Got Rhythm - Didier Lockwood
5 Sweet Chorus (Live in Paris 1992) - Stephane Grappelli
6 Danube - Romane
7 Latsceben - Frederic Belinsky
8 Petite Reine - Daniel Givone
9 Chanson Pour L'auvergnat - Rodolphe Raffalli
10 Nuits De Nador - Francis Alfred Moerman
11 Nous Les Amoureux - Moreni
12 Stompin's at Decca - Hot Club USA
13 Fleur de LAvande - Fapy Lafertin Quintet
14 Nil Swing - Ninine Garcia
15 I'll Close My Eyes - AM Katenes
16 Angera - Trio Givone
17 Jacqueline - Daniel Colin
18 La Promenade - Romane & Stochelo Rosenberg
19 Just for One Babik - Patrick Saussois & Alma Sinti
20 Isn't She Lovely - Sylvain Luc & Bireli Lagrene

Cd 5. New Jazz

1 Come as You Are - Dani Siciliano
2 Bohemias - Da Taz ft. Erik Truffaz
3 Don't Joke with a Hungry Man - Quantic ft. Spanky Wilson
4 No Use - Hazzanova ft. Clara Hill
5 Black Erotica - Ursula Rucker
6 Heidi Bruehl - Tosca
7 A Little Something - Diesler
8 (You Little) Jezebel - Jumbonics
9 The Garden - Nostalgia 77
10 Why Me - Kinny & Horne
11 Good Thing - Splenger
12 Happy - The Bamboos
13 That's the Way If Goes - Micatone
14 Black Baby - Kruder & Dorfmeister
15 Come Away - Sophie Faricy & TM Juke
16 The Sound of Everything - Quantic ft. Alice Russell
17 The Brightness of These Days - Kyoto Jazz Massive ft. Vanessa Freeman
18 Suburban Resident - Ben Mono ft. Bajka
19 Naturally - Slow Train
20 Chronik Break - Beat Assailant ft. Tash

2011-01-29T16:12:00.001-08:00

Legends Off Jazz

Legends Off Jazz

Cd 1.
1.Over The Rainbow - Judy Garland
2. Stormy Weather - Art Tatum
3. Ponchatrain - Jelly Roll Morton
4. Give Me Your Telephone Number - J. C. Higginbotham
5. Stardust - Bing Crosby
6. Oh Babe Maybe Someday - Ivie Anderson
7. When Day Is Done - Mildred Bailey
8. Lullaby Of Broadway - Jimmie Noone
9. Jazz Me Blues - Bunny Berigan
10. Ill Be A Friend With Pleasure - Bix Beiderbe Cke
11. Baby Wont You Please Come Home? - Jimmy Lunceford
12. Honeysuckle Rose - Fats Waller
13. St Louis Blues - Benny Goodman
14. On The Sunny Side Of The Street - Lionel Hampton
15. Tutti Frutti - Gene Krupa
16. In The Mood - Glenn Miller
17. Basin Street Blues - Louis Armstrong
18. Jive At Five - Count Basie
19. Pennies From Heaven - Mills Brothers
20. One O Clock Jump - Harry James

Cd 2.
21. Hot house - Dizzy Gillespie
22. Mood indigo - Dinah shore
23. Bojangles - Ben Webster
24. Twelve o clock jump - Benny Carter
25. Sensation - Bud Freeman
26. Flying home - Charlie Barnet
27. Wine-o-baby boogie big - Joe Turner
28. Sentimental journey - Doris Day
29. Billies bounce - Charlie Parker
30. Carnegie blues - Duke Ellington
31. Embraceable you - Billie Holiday
32. Tiger rag - Art Tatum
33. Its sand man! - Count Basie
34. You are my sunshine - Bing Crosby
35. Sophisticated lady - Coleman Hawkins
36. Georgia on my mind - Anita O'day
37. Cant we be friends? - Buster Bailey
38. Begin the beguine - Art Tatum
39. Three little words - Bill Coleman \Dickie Wells\ Lester Young\ Joe Bushkin\ John Simmons\ Jo Jones
40. What is this thing called love - Buddy Rich

Cd 3.
41. A Foggy Day - Mel Torme
42. Lazy - Bing Crosby
43. Tea For Two - Louis Armstrong
44. Cant Help Lovin Dat Man - Ella Fitzgerald
45. Rocks In My Bed - Ivie Anderson
46. C Jam Blues - Louis Armstrong
47. Stairway To The Stars - Dinah Washinton
48. Night And Day - Errol Garner
49. High Society - Edmond Hall
50. Round About Midnight - Dizzy Gillespie
51. Lover Come Back To Me - Lester Young
52. Chattanooga Choo Choo - Glenn Miller
53. Caravan - Duke Ellington
54. The Skunk - Fats Navarro
55. St. James Infirmary - Jack Teagarden
56. Singin In The Rain - Judy Garland
57. Tuxedo Junction - Gene Krupa
58. As Time Goes By - Billie Holiday
59. Baby Its Cold Outside - Dinah Shore & Buddy Clark
60. Somebody Loves Me - George Wettling

Cd 4.
61. Begin The Beguine - Les Brown
62. Bloomdido - Charlie Parker
63. Flying Home - Oscar Peterson
64. Almost Like Being In Love - Nat King Cole
65. All Of You - Mel Torme
66. Dont Get Around Much Any More - Dinah Washington
67. Anniversary Song - Dinah Shore
68. Mister And Missisippi - Patti Page
69. Funny Not Much - Nat King Cole
70. A Bushel & A Peck - Perry Como
71. Cant Get Out This Mood - Sarah Vaughan
72. Jealousy - Frankie Laine
73. Half Nelson - Gerry Mulligan
74. After Work - Herbie Mann
75. My Heart Cries For You - Guy Mitchell
76. Cotton Tail - Ben Webster
77. Autumn Nocturne - Herbie Mann
78. Aint Misbehaving - Sarah Vaughan
79. Ive Got You Under My Skin - Stan Getz
80. Chicken Little - Herbie Mann

Cd 5.
81. Nice Work If You Can Get It - Sarah Vaughan
82. The Lady In Red - Sant Kenton (And His Orchestra)
83. Straight No Chaser - Thelonious Monk
84. Roving Kid - Guy Mitchell, The
85. Shaw 'nuff - Dizzy Gillespie
86. Orange Colored Sky - Nat King Cole
87. Riders In The Sky - Peggy Lee
88. Wildwood - Art Farmer
89. Rose O'Day - Mel Torm
90. Midnight Sun - Coleman Hawkins
91. My Melancholy Baby - Charlie Parker
92. Red Door - Zoot Sims, The
93. No Other Love Havi I - Les Brown
94. My Little Suede Shoes - Herbie Mann
95. Out Of Nowhere - Stan Getz
96. Night And Day - Oscar Peterson
97. Rollin' Stone - Perry Como
98. Tennessee Waltz - Patti Page
99. So What - Gerry Mulligan
100. Ain't Nothing Good - Dinah Washington

Jazz caldo e freddo

2011-01-29T16:11:00.002-08:00

Jazz caldo e freddo

con il termine jazz "freddo" si intende tutto il jazz dal bop in poi (un tipo di musica difficile e ostica al primo ascolto) e con il jazz "caldo" quel tipo di jazz popolare alla Louis Armstrong per esempio. Il concetto di jazz caldo e freddo è dovuta ad una traduzione approsimativa dei termini "hot" che significa bollente e "cool" che significa fresco ma anche rilassato. In realtà i due termini differiscono per l'intensità emotiva che imprimono all'esecuzioneGerry Mulligan, il sassofonista bianco alfiere del cool jazz, ha scritto pezzi, che simbolicamente evocano persino nei titoli una sensazione di rilassatezza: Walkin' Shoes " scarpe da passeggio" , Soft Shoes "scarpe morbide" E l'andamento felpato e delicato evocato dal suono vellutato del suo sassofono baritono, esaltano questo senso di relaxLo stesso Mulligan afferma "Ciò che voglio è un jazz da pipa e pantofole: proprio pigro"Liberamente tratto da Jazz istruzioni per l'uso di Massimo Nunzi

Enciclopedia libera.
Il cool jazz (generalmente tradotto come jazz fresco, calmo, rilassato, in senso dispregiativo freddo, anche se raramente si tiene conto del fatto che, usata in gergo, la parola cool può tradursi come figo) è una corrente del jazz affermatasi tra la fine degli anni 1940 e l'inizio degli anni 1950. Pur facendo proprie alcune delle acquisizioni dell'allora imperante bebop, il cool jazz ne fornisce una versione più rilassata, per certi versi cantabile, priva di alcune asprezze armoniche e dalle linee melodiche meno involute, con non pochi riferimenti alla musica eurocolta.

http://it.wikipedia.org/wiki/Cool_jazz
principali esponenti del cool jazz
Lennie Tristano, pianoforte; Miles Davis, tromba - flicorno; Chet Baker, tromba Woody Herman, clarinetto - sassofono Dave Brubeck, pianoforte Gerry Mulligan, sax baritono
Lee Konitz, sax contralto; Paul Desmond, sax contralto; Warne Marsh, sax tenore; Stan Getz, sax tenore; Billy Bauer, chitarra Modern Jazz Quartet, formazione John Lewis, pianoforte Charles Mingus, contrabbasso

http://it.wikipedia.org/wiki/Lennie_Tristano
http://it.wikipedia.org/wiki/Miles_Davis
http://it.wikipedia.org/wiki/Chet_Baker
http://it.wikipedia.org/wiki/Woody_Herman
http://it.wikipedia.org/wiki/Dave_Brubeck
http://it.wikipedia.org/wiki/Lee_Konitz
http://it.wikipedia.org/wiki/Paul_Desmond
http://it.wikipedia.org/wiki/Warne_Marsh
http://it.wikipedia.org/wiki/Stan_Getz
http://it.wikipedia.org/wiki/Billy_Bauer
http://it.wikipedia.org/wiki/Gerry_Mulligan
http://it.wikipedia.org/wiki/Modern_Jazz_Quartet
http://it.wikipedia.org/wiki/John_Lewis
http://it.wikipedia.org/wiki/Charles_Mingus

Il Bebop

2011-01-29T16:11:00.000-08:00

Il Bebop

In pieno periodo bellico, i locali e le case discografiche si sforzano di far dimenticare la guerra ed i problemi sociali (in primis l'apartheid nei confronti dei neri): le orchestre swing, come quelle celebri di Benny Goodman e Glenn Miller, sono le più adatte a questo scopo e vengono promosse attivamente. Nelle loro file militano soprattutto musicisti bianchi, che hanno assimilato perfettamente il linguaggio swing e si accaparrano le sempre più scarse occasioni di lavoro.
Per i musicisti neri si pongono due obiettivi: liberarsi dai rigidi arrangiamenti delle big band per esprimersi più liberamente e manifestare tangibilmente la loro ribellione a quel mondo ipocritamente sorridente.
Ma nella 52a strada di New York le cose assumono un aspetto diverso: un ragazzo di 19 anni, proveniente da Kansas City, sta improvvisando sopra uno standard ad una velocità pazzesca, con sostituzioni di accordi ardite e mai sperimentate prima: il ragazzo si chiama Charlie Parker.

Il Bop nasce come naturale e spontaneo affrancamento dall'obbligo di intrattenere i bianchi
atteggiamenti considerati irriverenti come non rispondere agli applausi voltare le spalle al pubblico non salutare prima di andarsene, tipici dei bopper venivano considerati dei veri e propri affronti sopratutto se a farlo erano i neri.

I bopper rivendicarono la loro identità, e non intendevano rinunciarci anche nei lavori più tradizionali.
Venne creata una trincea stilistica, una nuova élite musicale in cui i brani venivano suonati a tempi velocissimi e il livello tecnico richiesto agli strumenti era altissimo

Il bop come movimento esploderà quando Gillespie e Parker si incontreranno

http://it.wikipedia.org/wiki/Storia_del_jazz#Bebop

L'avvento della seconda guerra mondiale, con le ristrettezze e le incertezze che ne conseguirono, pose fine al periodo delle grandi orchestre, la maggior parte delle quali, nel corso del decennio, dovette chiudere.
Bebop 45, da un gruppo di giovani musicisti che si ritrovano a tarda ora alle jam session che si tenevano in due locali di Harlem, il Minton's Playhouse e il Monroe's, nacque uno stile jazzistico nuovo. Questo stile che, con una parola, ricordava il suono di una cadenza caratteristica di due note che ricorreva nei brani in esso eseguito, venne prima detto rebop, poi bebop o semplicemente bop: "Be-Bop" fu anche il titolo di un brano inciso da Dizzy Gillespie nel 1945, che si può dire che segni l'inizio ufficiale del movimento. Il bebop riprendeva molte delle lezioni della musica recente, insegnate da protagonisti come Coleman Hawkins, Art Tatum e Lester Young, aggiungendovi un nuovo approccio al trattamento armonico dei brani, tempi velocissimi, propulsione ritmica non convenzionale e, per la prima volta dalla nascita del jazz, scarsissimo riguardo per la ballabilità e commerciabilità della produzione musicale[17]. I pionieri indiscussi del genere furono l'altosassofonista Charlie Parker e il trombettista Dizzy Gillespie. Parker - che era detto Bird o Yardbird - fu, come già Bix Beiderbecke prima di lui, una figura esemplare di genio autodistruttivo (morì ad appena 35 anni); Gillespie era molto più disciplinato e portato a prendersi cura degli aspetti organizzativi ed economici della propria attività. Nel breve periodo in cui suonarono assieme i due formalizzarono e resero popolare lo stile che avevano inventato, documentato in una serie di incisioni storiche che essi fecero per la "Dial Records". Altri protagonisti del bop divennero allora nomi conosciuti: il pianista e compositore Thelonious Monk e il suo amico (anch'egli pianista) Bud Powell, il batterista Kenny Clarke, il trombettisti Clifford Brown e Fats Navarro, i sassofonisti Sonny Rollins e Sonny Stitt, il batterista Max Roach sono solo alcuni dei protagonisti di questo movimento.
Gillespie e Parker finirono per separarsi, soprattutto a causa delle intemperanze di Bird, che, dopo una permanenza in California, tornò a New York alla testa di un gruppo di cui fece parte, per diverso tempo, il giovane Miles Davis. Dizzy continuò anch'egli la propria carriera da leader, spesso alla testa di orchestre.
Il bebop si caratterizzò come un movimento di musicisti, più che di direttori d'orchestra e di compositori, come testimonia il fatto che le innovazioni da esso apportate non riguardarono praticamente la forma dei brani, che continuò ad essere dominata dalla canzone in trentadue battute AABA e dal blues. Si trattò inoltre di un movimento coscientemente afroamericano: Gillespie ed altri ricordano che una delle motivazionni della loro ricerca era trovare un tipo di musica che i bianchi non potessero copiare. Oltre all'esasperazione ritmica e all'accento che poneva sul virtuosismo strumentale, il bebop trasformò l'approccio armonico, infittendo il tessuto accordale dei pezzi dove trovavano largo impiego accordi di quinta diminuita e toni di colore, e conferendo un andamento orizzontale[18] all'improvvisazione.
Gli atteggiamenti esteriori e lo stile di vita dei boppers, almeno quanto la loro musica, guadagnarono loro l'avversione dei benpensanti e l'attenzione del movimento culturale beatnik, per molti esponenti del quale (Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Lawrence Ferlinghetti) i bopper divennero un punto di riferimento musicale, che citavano nelle loro opere, indicando in Charlie Parker la musa del genere.

Il Jazz e l' Europa

2011-01-29T16:10:00.000-08:00

Il Jazz e l' Europa

In America il jazz faticherà trovare larghi consensi e approvazione generale a causa dell'impronta che fino dalle origini lo caraterizza
come espressione di un popolo oppresso e vessato sopratutto per motivi razziali.
Molto interessante osservare le varie reazioni in Europa e nella stessa America
In Francia molti fra i più grandi artisti avvertono la potenza innovatrice del Jazz.
Il Jazz è descritti nei dipinti e nelle immagini dell'inizio secolo come una danza matta
selvaggia e disinibita. La Francia con il suo interesse verso tutto quello che viene considerato Esotico
è la prima nazione Europea a riconoscere la potenzialità di musica e arte dell Jazz.

In Italia il jazz attecchì con maggior difficoltà, gli ambienti musicali tradizionali legati alla musica classica non riconobbero al jazz, al principio dignità artistica,
La città all'avanguardia, nella scoperta di questo nuovo genere musica le fu Genova

Il Jazz in Italia anche a seguito dei problemi di incompatibilità, con il regime fascista, fu sentito da una ristretta elitè di illuminati e non ebbe la diffusione che conobbe in
Francia In italia gli appasionati si inventarono un modo geniale per aggirare le maglie strettissime della censura, furono tradotti i titoli delle canzoni e gli autori : Louis Armstrong divenne Luigi Braccioforte e Benny Goodman fu ribattezzato Beniamino Buonuomo. Hoagy Carmichael divenne Ugo Carmelo.
Ma negli anni della guerra il jazz fu bandito da tutti i media

In Europa si guardava con grande interesse al jazz e gli artisti che venivano sul continente a dare concerti ricevevano ottime accoglienze, rese ancora migliori dalla relativa assenza della segregazione razziale e dei pregiudizi che ancora imperavano in America. Questo fece sì che molti jazzisti intraprendessero lunghe tourneèè in Europa (Coleman Hawkins e Sidney Bechet tra gli altri) provocando la nascita di molti gruppi di imitatori. Questa relazione del jazz con l'Europa avrebbe subito una battuta d'arresto nel corso del secondo conflitto mondiale solo per riprendere con ancora maggior vigore negli anni del dopo guerra.
Almeno un musicista europeo riuscì in questo periodo a guadagnarsi una fama che avrebbe attraversato l'oceano in senso opposto, ottenendo una grande fama tra i jazzisti americani. Si tratta di Django Reinhardt, un chitarrista belga di origini zingare che fuse in maniera apparentemente improbabile swing e musica tzigana, guadagnandosi il rispetto dei colleghi americani (che avrebbe incontrato nel loro paese solo verso la fine della sua vita) attraverso le incisioni dei gruppi che formò assieme al violinista francese Stéphane Grappelli.

http://it.wikipedia.org/wiki/Storia_del_jazz#L.27Europa

2011-01-29T16:09:00.000-08:00

The Best Smooth Jazz... Ever!

CD 1
US3- "Cantaloop"
Buddy Rich- "The Beat Goes On"
Bobby Womack- "California Dreaming"
Jose Feliciano/Minnie Riperton- "Light My Fire"
Bill Withers- "Ain't No Sunshine"
Cassandra Wilson- "I Can`t Stand The Rain"
Louis Armstrong- "We Have All The Time In The World"
Julie London-"Fly Me To The Moon"
Billy Taylor- "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free"
Ronnie Laws- "Always There"
Charlie Hunter feat. Norah Jones- "More Than This"
St. Germain- "Sure Thing"
Paul Jackson Jr feat. Earic Dawkins- "Inner City Blues"
Earl Klugh- "I Heard It Through The Grapevine"
Bobby McFerrin- "Don't Worry Be Happy"
Nina Simone- "Work Song"
Nat King Cole- "Nature Boy"

CD 2
Guru feat. D C Lee- "No Time To Play"
D'Angelo- "Brown Sugar"
Bobbie Gentry- "Son Of A Preacher Man"
Bob Dorough- "Three Is A Magic Number"
St. Germain- "Rose Rouge"
Shuggie Otis- "Strawberry Letter 23"
Nancy Wilson- "Call Me"
Donald Byrd- "Just My Imagination (Running Away With Me)"
Luther Vandross- "So Amazing"
Cassandra Wilson- "Time After Time"
Minnie Riperton- "Loving You"
Bob Belden- "Sister Moon"
Carleen Anderson- "Maybe I'm Amazed"
Peggy Lee- "I'm A Woman"
Nat King Cole- "Unforgettable"
Lou Rawls- "The Girl From Ipanema"
Cannonball Adderley- "Sambop"
Elsa Soares- "Mas Que Nada"

CD 3
Lou Rawls- 'For What It's Worth"
Maze- "Joy And Pain"
Timmy Thomas- "Why Can't We Live Together"
The Isley Brothers- "That Lady"
Bobbi Humphrey- "You Are The Sunshine Of My Life"
Marlena Shaw- "Save The Children"
Mica Paris- "Stay"
Shara Nelson- "Down That Road"
Arrested Development- "Everyday People"
Doris- "You Never Come Closer"
Natalie Cole- "This Will Be (1991 Remix)"
Ronnie Laws- "Every Generation"
Ronny Jordan feat. Roy Ayers- "Mystic Voyage"
Bobby Hutcherson- "Theme From M.A.S.H"
Herbie Hancock- "Cantaloupe Island"
Cannoball Adderly- "Mercy Mercy"
Sarah Vaughan- "Round Midnight"
Ella Fitzgerald- "Misty Blue"

CD 4
Chet Baker- "My Funny Valentine"
Patricia Barber- "Use Me (Live)"
Shirley Bassey- "Something"
Julie London- "Cry Me A River"
Peggy Lee- "Here's That Rainy Day"
Duke Ellington & Louis Armstrong- I'm Just A Lucky So And So"
Jimmy Jones Orchestra- "Stormy Weather"
Miles Davis & Cannoball Adderly- "Autumn Leaves"
Bobby McFerrin- "Thinking About Your Body"
Maze feat. Frankie Beverly- "While I'm Alone"
Noel Pointer- "Living For The City"
Ronnie Foster- "Me & Mrs Jones"
Earl Klugh- "Living Inside Your Love"
Tina Turner- "I've Been Loving You Too Long"
Swing Out Sister- "Something Deep Inside"
Lou Rawls- "You Made Me So Very Happy"
Marlena Shaw"- Woman Of The Ghetto"

Lo Swing ed il Jazz italiani negli anni '20-'40. Tra popolarità e divieti.

2011-01-29T16:07:00.000-08:00

Lo Swing ed il Jazz italiani negli anni '20-'40. Tra popolarità e divieti.

In Italia negli anni '20 si affermano due "strani" fenomeni, il fascismo ed il jazz. Due fenomeni completamente diversi, (coercitivo il primo, libero il secondo) che in comune hanno solo la nascita della radio e il suo utilizzo.

Ma la cosa più strana è che nonostante il disprezzo e l'avversione del fascismo nei confronti del jazz, musica considerata "degenerata", e soprattutto durante il periodo di maggiore censura artistica e musicale, il jazz italiano vive il suo periodo di massismo splendore e popolarità.

Piccola storia
( da http://jazzfromitaly.splinder.com )

Il 23 marzo 1919 Benito Mussolini diede luogo alla nascita del Movimento Fascista,con il nome di Fasci di Combattimento (sic!).

Nel 1917 assistiamo alla nascita della discografia jazz con l’incisione a New York dellaOriginal Dixieland Jazz Band - diretta dall’italoamericano Nick La Rocca -, e già nel 1919 troviamo in Italia documenti discografici di incisioni jazz.

Tra il 1922 e il 1925, Mussolini svolge un sistematico processo di fascistizzazione dello Stato,delle sue strutture e del suo ordinamento, gettando le basi della dittatura.

Nell’agosto del 1924, nasce l’URI Unione Radiofonica Italiana per volontà di una figura di rilievo nel ventennio fascista, Galeazzo Ciano.

Il regime e la sua propaganda, punta molto sull’uso della radio, unico elemento di erogazione dell’informazione e della cultura, gratuito.

EIAR Il 1° Febbraio 1926, la stazione di Milano in diretta radiofonica, trasmette il primo programma musicale della Jazz Band del Maestro Stefano Ferruzzi. Un’ora dopo, dall’antenna della radio sul Monte Parioli di Roma si diffonde la musica dell’Orchestra jazz del maestro Amedeo Escobar.
E ancora l’orchestra Jazz Columbia del Maestro De Risi o la Mediolana Jazz Band nata sempre nel ’26 per iniziativa di un appassionato, Mario Mantovani.
Nel 1928 l’URI diventa EIAR (Ente Italiano Audizioni Radiofoniche) con più stretto controllo pubblico, e nel 1929 nasce il primo film-sonoro, “Il cantante di Jazz” con Al Jolson.
Negli anni ‘30, inoltre, si creano delle orchestre radiofoniche che inglobano strumenti della tradizione europea e “nuovi” fiati di provenienza americana, come quelledi Vaccari, Mascheroni, Pippo Barzizza o di Cinico Angelini.

Insomma, jazz in radio ce n’era, ma si passava tutta musica dal vivo.
Questo ostacolava la vendita del disco, quindi su pressioni dei grandi imprenditori, si è scelto di incorporare l’industria discografica in quella radiofonica. All’interno della radio italiana, sotto la presidenza di Giancarlo Vallari, nasce la prima etichetta discografica pubblica, la CETRA.
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Tra le orchestre che usufruiranno del binomio produzione discografica/radiofonica, è quella Barzizza-Cetra che dimostra il più alto profilo jazzistico. Ovviamente il riferimento musicale è al Duca del Jazz ma, a differenza di Duke Ellington, Barzizza non concede molti assolo ai suoi orchestrali, prediligendo un suono d’insieme.

Di notevole interesse è l’interpretazione dello stile Jungle, grazie all’apporto di sordine sugli ottoni e l’utilizzo dei suoni onomatopeici, sia nei titoli che nel cantato, in puro stile scat italiano.
Ricordiamo Ba-ba-baciami piccina, il frivolo Tuli-tuli-tulipan,e il “motivetto” che fa dudu dudu dudududu dudu.

A metà degli anni ’30, seguendo una corrente di apprezzamento della musica jazz in tutta Europa, anche in Italia si assiste ad un fiorire di interessi e di ricerche.Per la prima volta Louis Armstrong suona in Italia, al Teatro Chiarella di Torino il 14 gennaio 1935. E, nella stessa città, nasce il primo “circolo Hot Club”.

L’anno dopo nasce il “circolo Jazz Hot” a Milano e i pionieri e gli appassionati, nonostante fossero una piccola élite, si riuniscono per ascoltare i dischi, per commentare, per scambiarsi informazioni.
Tra questi vanno ricordati Roberto Nicolosi e Luigi Arduino a Genova, Mario Olivieri, Jack Cappelli, Paolo Moresco e Franca Danesi a Roma, Livio Cerri a Pavia, Ezio Levi e Giancarlo Testoni a Milano.

I dischi jazz in Italia venivano pubblicati già dal 1920, su labels come la Odeon (Swing Series), la Columbia e la Brunswick (americane), la Pathé (francese) la Parlophon (anglo-tedesca, rappresentata in Italia dalla Cetra).

Il culmine della produzione discografica del jazz italiano di quegli anni si avrà dal 1937 al ’41, con le etichette Grammofono-La Voce del Padrone, Odeon (serie dei “Maestri del Ritmo”) e, su tutte la FONIT Fonidisco italiano dei F.lli Trevisan, che nel dopoguerra si fonde con la Cetra.

Curiosamente,proprio negli anni di inasprimento della politica estera fascista e del varo delle leggi razziali, nel 1938. E sì, perché nell’ottica di un protezionismo esasperato dell’economia nazionale, anche la produzione culturale deve essere allineata ai parametri del regime.

Nel Luglio 1938 il Giornale D’Italia pubblica “Il Manifesto degli Scienziati Razzisti”, nell’ottobre una dichiarazione del Gran Consiglio fascista vieta i matrimoni di italiani con uomini e donne di razze non ariane. Il Ministero per la Stampa si trasforma in Ministero della Cultura Popolare (Minculpop) ed assume il controllo totale degli organi di stampa, dell’Istituto Luce e della SIAE.
Vengono censurati i film internazionali di produzioni “giudaico-americane”, come la Paramaunt, la Warner Bros e la Metro e, attraverso pressioni ed emendamenti si cerca di salvaguardare la “dura e fiera” canzone fascista da “tutta la paccottiglia straniera” che non si può più trasmettere in Radio.

Quindi la musica jazz, di provenienza afro-americana, viene messa “sotto controllo”.

Una parte della critica, sottomessa ai voleri del regime, elabora teorie e proclami e si spende per denigrare il valore della musica jazz, o “gez” come venne più volte chiamata.
Il libro più asservito fu “Jazz Band” di Anton Giulio Bragaglia[5], che fruttò in cambio all’autore la direzione del nuovo Teatro delle Arti di Roma.
Ma anche sulle pagine dei quotidiani e nei discorsi alla radio i detrattori continuaronola loro “cieca” battaglia:

“… il Commissario dell’Opera Nazionale Dopolavoro ha proibito in via assoluta le ultime danze d’importazione straniera e ha disposto seri provvedimenti per la riforma delle Orchestrine escludendo da esse la Jazz-Band che è, occorre riconoscerlo onestamente, l’abbrutimento della musica…”

[da “L’Amico dei Musicisti”]

“… il jazz è fenomeno di barbarie, oppio e cocaina…” il compositore Pietro Mascagni in un discorso alla radio

Già sul finire degli anni ’30, i musicisti nostrani subivano sempre più pressioni e censure, in merito alla programmazione da loro suonata nelle radio. musica-degenerata
Ricorda Gorni Kramer:

“… era una continua lotta con i dirigenti. Ogni giorno dovevamo presentare la scaletta delle nostre esecuzioni ad una commissione di censura. Non dovevano esserci canzoni straniere, non autori ebrei, vietatissimi il jazz. Noi prendevamo i classici del jazz e li trasformavamo: titoli italiani, italianizzati i nomi degli autori o inventati. Per un po’ è andata bene, poi qualcuno ha cominciato a far girare la voce, e così richiami negli uffici della censura, romanzine dapprima, poi minacce e anche allontanamento dalla radio…”

Nonostante tutto, si riusciva a suonare e a incidere il Jazz internazionale, Louis Armstrong divenne Luigi Braccioforte, Benny Goodman – Beniamino Buonuomo e, c’era sempre Del Duca. I classici si chiamavano Con Stile – In the Mood, Le tristezze di San Luigi – St. Louis Blues, Manna dal cielo – Pennies from Heaven e così via, come descritto altre volte.

Nel 1940, con l’ingresso degli Stati Uniti nella Seconda Guerra Mondiale, il regime aumenta il controllo e la censura sul materiale discografico.
Nel 1942 si emette il decreto la “Disciplina per la diffusione del disco fonografico” e si vieta ogni traccia di cultura “giudaica”.

Il Jazz diventa fuorilegge, insomma.

Vengono fatti sparire i 78 giri e le matrici dai magazzini della radio, e distrutti quelli nei depositi della Cetra, Parlophon e Voce del Padrone. Avvengono sequestri e azioni punitive da parte della polizia fascista, con arresti e distruzione degli strumenti e sequestro dei dischi e degli spartiti.

Un altro autore che fu messo sotto sorveglianza per il suo lavoro fu Mario Panzeri, In collaborazione con Kramer nasce “Maramao perché sei morto” (1939), composta dopo la morte del gerarca Costanzo Ciano: il titolo del brano fu scritto da alcuni studenti sul piedistallo del monumento che il governo aveva deciso di costruirgli a Livorno.

Nel 1940 scrisse “Pippo non lo sa”: nel protagonista, si riconosce (o si vuole riconoscere) Achille Starace, segretario del Partito Nazionale Fascista, che amava passeggiare impettito in divisa.

Anche tra i cantanti, quelli che scelgono di interpretare il repertorio della canzone americana, vengono mal visti dai tirapiedi del regime. D’esempio è la storia di Natalino Otto (Codognotto il suo vero cognome) che anche questa merita un post a parte. Qui diremmo solo che la sua fù la prima voce di chiara derivazione jazz, dovuto anche al fatto dei suoi frequenti viaggi sulle navi della tratta Genova – New York. L’avversione nei suoi confronti culmina in una contestazione dei fasci durante una serata con Kramer ed il Quartetto Cetra a Bergamo.

Otto, allontanato dal lavoro in radio, esprime il suo dissenso con l’ironia che lo contraddistingue, in una canzone scritta da Romero Alvaro, unica nel suo genere, dove giocando sul doppio senso Amore e Musica, i due autori alludono alle censure del fascismo a carico del Jazz.

Lo swing italiano

2011-01-29T15:59:00.000-08:00

Il jazz dagli anni 50 agli anni 70

2011-01-29T15:56:00.000-08:00

Il jazz dagli anni 50 agli anni 70

Ci spostiamo di nuovo negli USA ed esploriamo ora gli stili jazzistici che vanno dagli anni 50 agli anni 70 in particolare ci soffermeremo sul hard bop e sul jazz modale

1940 - 1960

Le mutate condizioni economiche costrinsero alla chiusura la maggior parte delle grandi orchestre. Solo le maggiori sopravvissero: quelle di Duke Ellington, Count Basie, Woody Herman e Stan Kenton furono tra le più longeve, prolungando la loro attività anche negli anni 1960 e oltre.

Charlie Parker, Tommy Potter, Miles Davis, Duke Jordan, Max Roach, 08/1947. Foto Gottlieb.
Attorno al 1945, da un gruppo di giovani musicisti che si ritrovano a tarda ora alle jam session che si tenevano in due locali di Harlem, il Minton's Playhouse e il Monroe's, lo stile, detto dapprima rebop, poi bebop o semplicemente bop, dal suono di una frase ricorrente nei brani tipici di questa nuova musica. Caratterizzato da armonie complesse e tempi velocissimi, il bebop fu tenuta a battesimo dal trombettista Dizzy Gillespie che ne fu il pioniere assieme all'alto sassofonista Charlie Parker - detto Bird o Yardbird. Il successo del nuovo genere, che richiamava un pubblico intellettuale (i bopper attirarono subito l'ammirazione di molti esponenti del movimento letterario beatnik) e molto più ristretto di quello delle big band, mise in luce altri protagonisti del periodo: il pianista e compositore Thelonious Monk e il suo amico (anch'egli pianista) Bud Powell, il batterista Kenny Clarke, i trombettisti Clifford Brown e Fats Navarro, i sassofonisti Sonny Rollins e Sonny Stitt, i batteristi Max Roach e Kenny Clarke. Il bebop fu molto criticato sia come movimento giovanile e fenomeno sociale, sia - per motivi diversi - dal punto di vista musicale. La critica sociale verteva inizialmente sugli aspetti più provocatori dell'atteggiamento e dello stile di vita dei bopper per focalizzarsi poi soprattutto sulla contiguità tra il mondo del jazz e la droga, che agli inizi degli anni 1950, iniziò a mietere vittime di alto profilo tra i jazzisti in generale e tra i bopper in particolare. Billie Holiday, Fats Navarro e Charlie Parker furono solo i più famosi musicisti a trovare la morte a causa della loro dipendenza: molti altri, se non morirono, dovettero subire le conseguenze di questo flagello. Sotto il profilo musicale, alcuni artisti della generazione precedente (che i bopper chiamvano "mouldy figs", fichi ammuffiti) si distinsero come critici particolarmente severi: il più famoso di questi fu senz'altro Louis Armstrong. Altri importanti esponenti della corrente del jazz classico tuttavia, seppero cogliere gli elementi d'interesse contenuti nel nuovo movimento: un nome fra tutti è quello di Coleman Hawkins.

La fine degli anni 40 e la prima metà degli anni 1950 videro una reazione agli aspetti più estremi del movimento bebop, reazione che, dalle sue caratteristiche melodiche e rilassate, prese il nome di cool jazz. Iniziato a New York e nel Midwest dalle esperienze di Miles Davis e Gil Evans (dei quali si ricorda l'album "Birth of the Cool"), Lennie Tristano ed altri, il cool jazz fu il primo stile jazz a radicarsi in California. Molti dei suoi protagonisti furono bianchi: Gerry Mulligan e Chet Baker (che diedero vita ad un famosissimo quartetto), Lee Konitz, Dave Brubeck, i sassofonisti Stan Getz (che fu anche protagonista della fusione del jazz con la musica brasiliana) e Paul Desmond. L'afroamericano John Lewis elaborò l'estetica cool creando un quartetto, il Modern Jazz Quartet, che fuse il jazz con elementi e sonorità derivanti dalla musica classica (soprattutto barocca) europea. Da queste esperienze prese il via un movimento, detto "Third Stream" che cerava di coniugare il jazz con altre esperienze provenienti dalla traizione musicale colta: uno dei suoi maggiori esponenti fu Gunther Schuller.
Il bebop nel frattempo maturò, abbandonando parte delle sue caratteristiche più sperimentali ed evolvendosi in un genere di più facile ascolto che fu chiamato hard-bop, tra i cui protagonisti si ricordano Art Blakey, e i suoi Jazz Messengers, Horace Silver, Miles Davis e le sue classiche formazioni comprendenti John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, Philly Joe Jones, Cannonball Adderley.

Le esperienze di jazz orchestrale continuarono, anche se con difficoltà, con le orchestre di Count Basie, Duke Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, e con le originali collaborazioni di Miles Davis e Gil Evans. Il contrabbassista Charles Mingus si segnalò come personaggio di grande spicco alla testa di formazioni allargate (anche se non di organico propriamente orchestrale).

1960-1970

Nel corso di questo decennio il jazz affrontò numerose trasformazioni che finirono per frazionarlo in molteplici stili.

La corrente hard bop iniziò a dividersi tra coloro che seguirono l'esperienza di Miles Davis e John Coltrane nel cosiddetto jazz modale (uno stile musicale meditativo e intellettuale, che vide la sua fondazione nella storica incisione di Davis nel 1959, "Kind of Blue") e quanti invece preferirono avvicinarsi al Rhythm and blues praticando quello che alcuni chiamavano "soul jazz".

Lo stile modale visse il suo periodo più fecondo a cavallo tra la fine degli anni 1950 e la metà degli anni 1960, soprattutto con l'attività del (secondo) quintetto di Miles Davis e del quartetto di Jon Coltrane, finendo col diventare un idioma consolidato della tradizione jazzistica.

Una tendenza senz'altro più radicale e controversa fu determinata dal contemporaneo avvento di uno stile che venne dapprima chiamata "The New Thing" ("La cosa nuova") e in seguito "Free Jazz". Fondato alla fine degli anni 1950 da giovani musicisti quali Ornette Coleman e Cecil Taylor, il free jazz praticava una forma d'improvvisazione collettiva totale la cui conseguenza è la totale frantumazione della maggior parte delle idee tradizionali di forma, armonia, melodia e ritmo. Oltre ad implicare una forte componente di critica politica e sociale, il free incorporava anche una moltitudine di influenze musicali di provenienza Asiatica e Africana. Il free attrasse l'attenzione di molti protagonisti (Charles Mingus, Steve Lacy, Sun Ra), reclutò giovani brillanti (Archie Shepp, Albert Ayler, Pharoah Sanders) e si attirò le aspre critiche di alcuni dei nomi più in vista (Davis e Gillespie tra gli altri) dando origine a polemiche che furono tra le più violente che il jazz avesse mai conosciuto e che durarono decenni senza mai esaurirsi completamente, anche dopo che l'esperienza storica del free jazz poté dirsi conclusa: i critici più accesi affermarono che il free jazz rimuoveva la distinzione tra chi sapeva suonare e chi no. Non v'è comunque dubbio che il movimento free mancasse quasi totalmente della componente popolare che per lungo tempo aveva costituito una delle due anime del jazz, e che fosse seguito quasi esclusivamente dalle elite: questo, negli USA, ne decretò anche un crescente insuccesso commerciale, che diveniva tanto più evidente quanto più si ingigantiva il successo di altri generi musicali contemporanei. Nel free jazz finirono per confluire alcuni esponenti della parte considerata più "colta" del jazz: il più in vista tra questi fu senz'altro John Coltrane, che si avvicinò al movimento free negli ultimi anni della sua vita. Il free ebbe miglior fortuna in Europa, dove molti giovani musicisti lo adottarono come un veicolo che gli permetteva d'incorporare nel linguaggio jazzistico una varietà di contesti musicali e culturali.

Una diversa tendenza stilistica nacque dall'attenzione reciproca che alcuni musicisti jazz e le nuove leve della musica brasiliana si rivolgevano. Già Jelly Roll Morton aveva definito il jazz come una musica che conteneva "sfumature spagnole" (spanish tinge). Questa definizione era stata onorata nel corso degli anni da diversi compositori (un nome per tutti:Duke Ellington) Negli anni 1950 alcuni musicisti, il cui più famoso rappresentante era senz'altro Dizzy Gillespie, avevano coniugato col jazz temi stilistici tipici della musica cubana e latina in generale ("Afro-Cuban bop"). Questo stile si avvaleva dell'apporto e dell'influenza musicisti provenienti dall'america latina (Chano Pozo, Xavier Cugat, Tito Puente, Arturo Sandoval), nonché della strumentazione e delle forme tipiche della tradizione latina. Fu nel solco di questa tradizione che negli anni 1960 gli esponenti del movimento brasiliano detto Bossa Nova (Elizete Cardoso, Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Joao Gilberto, Luiz Bonfa, Chico Buarque de Hollanda) intrapresero varie collaborazioni con musicisti jazz come Stan Getz e Charlie Byrd creando uno stile noto come jazz samba. Il movimento fu lanciato da una serie di incisioni di Getz, le più famose delle quali, che videro anche la partecipazione di Joao Gilberto e di sua moglie Astrud Gilberto in veste di cantante. Queste lanciarono diversi brani che divennero successi planetari (tra gli altri: La ragazza di Ipanema).

Nella seconda metà degli anni 1960, l'irruzione del fenomeno della musica di massa, che in gran parte s'imperniava sulle generazioni più giovani e sulla loro musica d'elezione, il rock, mise in difficoltà, anche economica, la gran parte dei musicisti jazz. Quelli che non scelsero la critica radicale del free e che non sparirono dalla scena dovettero cambiare stile. Alcuni scelsero di accentuare il carattere funky della loro musica fino ad apparentarla al funky e alla sempre più popolare muscia soull-dance. Una diversa tendenza cercava l'avvicinamento rock e all'elettronica, e portò alla nascita della cosiddetto genere fusion. Molti critici ritengono che fra le prime incisioni fusion vi siano Hot Rats di Frank Zappa, il quale sembrò avvicinarsi al jazz partendo dal rock con quest'album del 1969, ed il doppio album Bitches Brew di Miles Davis (1970). Seguirono poi numerosi protagonisti, cono nomi quali quelli di Weather Report (un supergruppo comprendente alcuni ex musicisti di Miles Davis - Joseph Zawinul e Wayne Shorter - e la nascente stella del basso Jaco Pastorius), Herbie Hancock, il trombettista Freddie Hubbard. Molte di queste esperienze furono bollate dalla critica come commerciali (e alcune indubbiamente lo furono).

Hard-Bop

Il bebop nel maturò, abbandonando parte delle sue caratteristiche più sperimentali ed evolvendosi in un genere di più facile ascolto che fu chiamato hard-bop, tra i cui protagonisti si ricordano Art Blakey, e i suoi Jazz Messengers, Horace Silver, Miles Davis e le sue classiche formazioni comprendenti John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, Philly Joe Jones, Cannonball Adderley.

Le esperienze di jazz orchestrale continuarono, anche se con difficoltà, con le orchestre di Count Basie, Duke Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, e con le originali collaborazioni di Miles Davis e Gil Evans. Il contrabbassista Charles Mingus si segnalò come personaggio di grande spicco alla testa di formazioni allargate (anche se non di organico propriamente orchestrale).

http://it.wikipedia.org/wiki/Hard_bop

Artisti principali :

Cannonball Adderley, sax contralto
Donald Byrd, tromba
Art Blakey, batteria
Clifford Brown, tromba - flicorno
Jaki Byard, pianoforte
Sonny Clark, pianoforte
John Coltrane, sax tenore e sax soprano
Miles Davis, tromba
Eric Dolphy, sax alto, flauto, clarinetto, clarinetto basso
Lou Donaldson, sax contralto
Kenny Dorham, tromba
Kenny Drew, piano
Tommy Flanagan
Art Farmer
Curtis Fuller, trombone
Benny Golson, sax tenore
Dexter Gordon, sax tenore
Johnny Griffin, sax tenore
Roy Haynes, batteria
Joe Henderson, sax tenore
Andrew Hill, pianoforte
Freddie Hubbard, tromba - flicorno
Philly Joe Jones, batteria
Jackie McLean, sax contralto
Charles Mingus, contrabbasso - pianoforte
Blue Mitchell, tromba
Hank Mobley, sax tenore
Thelonious Monk, pianoforte
Lee Morgan, tromba
Oliver Nelson, sax alto e tenore
Max Roach, batteria
Horace Silver, pianoforte
Bobby Timmons, piano
Mal Waldron, pianoforte

Il jazz modale

Il jazz modale (modal jazz) è uno degli stili del jazz nato nella seconda metà del '900, la cui pietra fondante è datata anni cinquanta e consiste nel libro di teoria musicale Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (The art and science of tonal gravity) di George Russell. Dal punto di vista discografico, quasi tutti i critici identificano in Kind of Blue di Miles Davis (1959) come il primo album modale della storia del jazz, anche se alcuni lavori precedenti già ne preannunciavano la diffusione, come ad esempio Somethin' else di Julian Cannonball Adderley (1958, con Miles Davis) e Milestones di Miles Davis (1958, con Cannonball Adderley). Altri album notevoli furono in seguito My Favorite Things del 1960 e Impressions del 1963 di John Coltrane e Maiden Voyage di Herbie Hancock del 1965.

http://it.wikipedia.org/wiki/Jazz_modale

http://en.wikipedia.org/wiki/Modal_jazz

2011-01-29T15:52:00.000-08:00

Il jazz modale

Il jazz modale (modal jazz) è uno degli stili del jazz nato nella seconda metà del '900, la cui pietra fondante è datata anni cinquanta e consiste nel libro di teoria musicale Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (The art and science of tonal gravity) di George Russell. Dal punto di vista discografico, quasi tutti i critici identificano in Kind of Blue di Miles Davis (1959) come il primo album modale della storia del jazz, anche se alcuni lavori precedenti già ne preannunciavano la diffusione, come ad esempio Somethin' else di Julian Cannonball Adderley (1958, con Miles Davis) e Milestones di Miles Davis (1958, con Cannonball Adderley). Altri album notevoli furono in seguito My Favorite Things del 1960 e Impressions del 1963 di John Coltrane e Maiden Voyage di Herbie Hancock del 1965.

Principi

Il jazz modale sostanzialmente svincola la progressione degli accordi dalla tonalità del brano (cioè non richiede che gli accordi siano necessariamente rispondenti alle regole dell'armonia tonale, ossia costruiti per armonizzazione dei vari gradi della tonalità). Inoltre associa ad ogni accordo differenti scale "modali", ciascuna con una sua tonica, dalle molteplici e differenti sfumature, sempre in maniera indipendente e svincolata dalla tonalità. Nell'analizzare questo genere musicale si può infatti parlare di applicazione successiva di differenti scale modali (non necessariamente diatoniche, ma ad esempio anche pentatoniche) invece che di successione di accordi: nella composizione di frasi e periodi musicali si usano frammenti di scale modali fra loro in relazione, mentre il passaggio da un periodo ad un altro (caratterizzato da altro accordo o scala modale) avviene mediante particolari soluzioni melodiche, senza che i suoni siano mai in evidente relazione con una tonalità. Si ragiona quindi prevalentemente in maniera scalare (ossia pensando "per scale") e le stesse armonizzazioni e costruzioni di accordi possono muovere su tutta l'estensione di una data scala, potendo impiegare potenzialmente qualsiasi nota. Viene così a perdersi la simbiosi tra armonia e melodia che aveva contraddistinto tutta la produzione jazzistica fino all'avvento del jazz modale.
Nasce come reazione al Bebop e all'Hard bop, che avevano incrementato le strutture jazzistiche con progressioni armoniche di tipo tonale caratterizzate da numerosi accordi diversi e numerose sostituzioni armoniche, spesso accompagnate da un ritmo ossessivo, opponendo ad essi la ricerca di una situazione musicale più distesa e di maggior distensione sia sul tempo che sull'armonia.
Il metodo sortisce i suoi primi effetti alla fine degli anni cinquanta e si sviluppa anche nella metà degli anni sessanta con l'intento di portare innovazione nel linguaggio jazzistico e soprattutto per distaccarsi dall'aggressività dell'Hard bop.
Inoltre questo nuovo stile sfruttava scale sostitutive, accordi (svincolati dalla tonalità) costruiti per intervalli di quarta o quinta (anziché per terze, come nella musica tonale tradizionale) e più libertà nel fraseggio.

Aspetti tecnici

Primi autori utilizzatori del '900 furono Miles Davis, e Bill Evans corresponsabile, perché detentore della parte armonica e perché precedentemente lavorò alla corte del pianista George Russell, inventore di questo metodo. Inoltre Russell ci indica anche John Coltrane col suo lavoro Giant Steps. I voicing vengono sviluppati su poche scale armoniche prestabilite e spostati su di esso, senza "cadenzare" (ricordiamo "So What" e "Milestones"). Le scale non derivano più da alcun sistema, sono indipendenti, ma collegabili tra loro. In seguito troviamo Wayne Shorter come principale compositore ed esecutore di brani modali complessi. Alcune regole:
Si possono usare progressioni tipiche e appartenenti ad un dato sistema scalare.
Si possono creare collegamenti scalari nuovi, armonizzando più o meno le scale tra loro.
I metodi usati sono i vecchi sistemi di collegamento tra le scale:
collegamento tramite un basso comune a più battute o pedale, mentre la parte armonica superiore varia.
collegamento tramite il legame della nota caratteristica tra le scale.
I metodi moderni (Persichetti, Miller) propongono un riutilizzo delle vecchie scale modali in chiave moderna. Le scale vengono ordinate in base alle sfumature di colore tra loro: dalla più chiara alla più scura. Si va dalla:
Lidia
Ionica
Misolidia
Dorica
Eolia
Frigia
Locria

Dal punto di vista discografico, quasi tutti i critici identificano in Kind of Blue di Miles Davis (1959) come il primo album modale della storia del jazz, anche se alcuni lavori precedenti già ne preannunciavano la diffusione, come ad esempio Somethin' else di Julian Cannonball Adderley (1958, con Miles Davis) e Milestones di Miles Davis (1958, con Cannonball Adderley

http://it.wikipedia.org/wiki/Kind_of_Blue
http://it.wikipedia.org/wiki/Milestones_(Miles_Davis)

Altri album notevoli furono in seguito My Favorite Things del 1960 e Impressions del 1963 di John Coltrane e Maiden Voyage di Herbie Hancock del 1965.

http://it.wikipedia.org/wiki/Impressions_(John_Coltrane)
http://it.wikipedia.org/wiki/My_Favorite_Things_(album)
http://en.wikipedia.org/wiki/Maiden_Voyage

ma sono ritenuti modali anche i seguenti album di Coltrane

Live! at the Village Vanguard (1961)
Crescent (1964)
A Love Supreme (1964)
Meditations (1965).

http://it.wikipedia.org/wiki/Musica_modale
http://en.wikipedia.org/wiki/Modal_jazz
http://it.wikipedia.org/wiki/Modal_jazz

http://www.georgerussell.com/
http://it.wikipedia.org/wiki/George_Russell
http://it.wikipedia.org/wiki/Mulgrew_Miller
http://it.wikipedia.org/wiki/Andrew_Hill

http://it.wikipedia.org/wiki/Kate_Higgins
http://it.wikipedia.org/wiki/McCoy_Tyner
http://it.wikipedia.org/wiki/Mal_Waldron
http://it.wikipedia.org/wiki/Onaje_Allan_Gumbs
http://it.wikipedia.org/wiki/Jackie_McLean
http://it.wikipedia.org/wiki/Don_Cherry
http://it.wikipedia.org/wiki/Michiel_Braam
http://it.wikipedia.org/wiki/Titi_Robin
http://it.wikipedia.org/wiki/Don_Ellis
http://it.wikipedia.org/wiki/Anouar_Brahem
http://it.wikipedia.org/wiki/Theo_J%C3%B6rgensmann
http://it.wikipedia.org/wiki/Elvin_Jones
http://it.wikipedia.org/wiki/Frank_Wess
http://it.wikipedia.org/wiki/Miles_Davis
http://it.wikipedia.org/wiki/Larry_Young
http://it.wikipedia.org/wiki/Herbie_Hancock
http://it.wikipedia.org/wiki/Horace_Silver
http://it.wikipedia.org/wiki/Alice_Coltrane
http://it.wikipedia.org/wiki/John_Coltrane
http://it.wikipedia.org/wiki/Wayne_Shorter
http://it.wikipedia.org/wiki/Terence_Blanchard
http://it.wikipedia.org/wiki/Bill_Evans_(pianista)

2011-01-29T15:51:00.000-08:00

Il Vocalese

Vocalese (parola composta da (EN) vocalize più il suffisso -ese a indicare un linguaggio) è uno stile canoro jazz in cui le parole sono adattate a melodie originariamente eseguite come composizione orchestrale o improvvisata. Mentre il fraseggio scat adopera parole improvvisate e prive di senso, scelte per il loro suono e andamento ritmico, il vocalese usa una normale versificazione, a volte improvvisata, a volte scritta sulla base di un assolo preregistrato.
Tra i pionieri del vocalese vanno annoverati i nomi di King Pleasure, Eddie Jefferson (che mise in versi la versione di So What dell'album Kind of Blue) e Babs Gonzalez, mentre tra i gruppi più noti figura Lambert, Hendricks e Ross, composto da Jon Hendricks, Dave Lambert e Annie Ross. Il testo di Ross per la canzone Twisted, basato su un'improvvisazione blues del sassofonista Wardell Gray, rappresenta un classico del genere. Un altro classico è l'esecuzione di Ella Fitzgerald di How High The Moon che combina scat, vocalese, e citazioni da Ornithology (una parafrasi della canzone originale). Altri artisti che si sono cimentati con il genere sono Giacomo Gates, Kurt Elling, Al Jarreau, e i Manhattan Transfer che hanno registrato un album omonimo.
Alcuni cantanti, soprattutto Slim Gaillard, Cab Calloway e Leo Watson erano soliti combinare vocalese e scat nello stesso pezzo.
La maggior parte dei versi scritti per il vocalese sono sillabici piuttosto che melismatici, il che porta ad avere versi in cui molte parole vengono cantate rapidamente per adattarsi ad una data frase, specie su pezzi di origine bebop.

http://en.wikipedia.org/wiki/Vocalese
http://it.wikipedia.org/wiki/Vocalese

http://www.jazzitalia.net/lezioni/storia/vocalese/gp_moodysmood.asp

Il termine Vocalese, coniato dal critico Jazz Leonard Feather, è l'arte di comporre una canzone e cantarla allo stesso modo come gli assolo strumentale registrata. Vocalese ha raggiunto il suo punto più alto 1.957-62. L'artista può cantare da solista o insieme ad altri , sostenuto da un piccolo gruppo o un orchestra. Bop in natura, il Vocalese raramente si è avventurato in altri stili di jazz e non è mai stato portato al successo commerciale dagli esecutori fino ad anni recenti. Tra quelli noti per la scrittura e l'esecuzione lirica Vocalese sono Eddie Jefferson e Jon Hendricks.

2011-01-29T15:49:00.000-08:00

Il latin jazz
Latin jazz (jazz latino-americano) è il termine dato generalmente a quella musica che unisce i ritmi dell'America Latina (di provenienza africana), con le melodie jazz del Sud America, dei Caraibi, degli USA e dell'Europa. Il latin jazz si divide in due categorie principali: il brasiliano e l'afro-cubano.
latin jazz brasiliano: comprende la bossa nova, il samba e la sua evoluzione jazz samba.
latin jazz afro cubano: comprende la salsa, il merengue, il mambo, il bolero, il cha-cha-cha, ed altri.

Il latin jazz è il contributo dei musicisti latino-americani alla musica jazz. Divenne popolare nel 1940, quando Dizzy Gillespie e Stan Kenton iniziarono a suonare brani di musica afro-cubana con strumenti jazz, assemblando la parte melodica, suonata come gli standard, con la parte ritmica, suonata al modo latino-americano, enfatizzando poi il ritmo negli assolo. Stan Kenton realizzò un arrangiamento del btrano afro-cubano The Peanut Vendor, che viene considerato come il primo brano di latin jazz registrato negli USA.
Nel 1947 Dizzy Gillespie, con Machito e Chano Pozo, compose l'Afro-cuban Drums Suite, rappresentata poi al Carnegie Hall di New York. Tale concerto divulgò il latin jazz fra il grande pubblico. Altro brano famoso di Dizzy di questo periodo è Cubano be Cubano bop.
Il samba nasce nel XIX secolo come espressione della musica Afro-brasiliana. La bossa nova è un tempo musicale ibrido, derivato dal ritmo del samba; nasce negli anni 1960, grazie al contributo dei brasiliani Antonio Carlos Jobim e Joao Gilberto, insieme all'americano Stan Getz. Il brano più famoso è Garota de Ipanema, composto da Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes e resa celebre da Joao Gilberto e da sua moglie Astrud.
Il latin jazz, così come gli altri stili di jazz, può essere suonato sia da piccoli complessi che da grandi orchestre, che di solito lasciano l'improvvisazione degli assolo alla sezione ritmica.

La bossa nova

Una miscela di jazz tipo West Coast Cool, armonie classiche europee e seducenti ritmi di samba brasiliana, bossa nova o più correttamente "jazz brasiliano", ha raggiunto le circa degli Stati Uniti 1962.
Il sottile ma ipnotico di chitarra acustica ritmi accento semplici melodie cantate in uno (o entrambi), portoghese o inglese. Lanciato da Joao brasiliani 'Gilberto e Antonio Carlos Jobim, questa alternativa ai 60's Hard Bop e agli stili di Free Jazz, diventa popolare nel West Coast attraverso il chitarrista Charlie Byrd e il sassofonista Stan Getz.

Bossa nova (in portoghese "nuova onda") è un genere musicale, nato in Brasile alla fine degli anni '50, che trae origine dal samba, in particolare nella forma detta samba canção e, in genere, dalla tradizione musicale brasiliana. È ispirato culturalmente dalla "rive gauche" francese, dalle atmosfere minimaliste di certa musica europea e statunitense dell'epoca, ma soprattutto, dalla atmosfera di rinascita economica e nazionalista del Brasile di Juscelino Kubitschek.

I padri e co-inventori della bossa nova sono comunemente considerati il compositore emusicista Antonio Carlos Jobim, il poeta Vinicius de Moraes e il cantante e chitarrista João Gilberto. I precedenti però si trovano in Dorival Caymmi e nel tipo di samba-cançao da lui elaborato e, più indietro ancora nel tempo, in alcune composizioni originali di Ernesto Nazareth. Labossa nova è un samba suonato in modo generalmente minimalista, spesso soffuso, senza particolare enfasi vocale e senza vibrato, su ritmo lento, se non lentissimo (difficilmente supera gli 80 battiti per minuto), ma con un incedere incalzante dovuto, normalmente, al caratteristico stile chitarristico attribuito, principalmente, a João Gilberto.

La "batida", così fu soprannominato lo stile tipico di Gilberto e dei suoi seguaci, è un modo particolare di usare la mano destra sulle corde della chitarra: senza arpeggio, ma alternando il pollice sui bassi al contemporaneo pizzicare le corde delle altre dita (al modo già usato dai brasiliani), spesso con il tapping della mano sinistra. La particolarità è però di natura soprattutto ritmico-armonica. Infatti l'accompagnamento è costruito a partire da una linea continua semitonale di bassi discendenti, e ciò dà la sensazione che il ritmo della chitarra sembra essere sempre in "recupero" sul tempo.

La data ufficiale di nascita della bossa nova è generalmente fatta coincidere con l'uscita, nel 1958, del disco Canção do amor demais dellacantante Elizete Cardoso, su musiche di Antonio Carlos Jobim e testi di Vinicius de Moraes, che conteneva la canzone Chega de saudadenella quale suonava proprio João Gilberto.

Il successo di Chega de saudade, prima nell'interpretazione di Elizete Cardoso, ma soprattutto nella successiva versione dello stessoGilberto, fu clamoroso. La canzone è considerata all'unanimità il primo esempio completo di stile bossa nova, soprattutto per la presenza della caratteristica "batida" che tutti in Brasile cercheranno di imitare.
La fama internazionale per la bossa nova arriva nei primi anni '60 ad opera di João Gilberto. In seguito il sassofonista jazz Stan Getz importa i ritmi brasiliani nel suo disco del 1962 Jazz Samba (con il chitarrista Charlie Byrd), poi realizza un album (Getz/Gilberto) con i protagonisti del nuovo genere, Antonio Carlos Jobim e João Gilberto, ottenendo in entrambi i casi un clamoroso successo commerciale.

Le canzoni lanciate da João Gilberto Desafinado, Garota de Ipanema, Saudade da Bahja, Rosa Morena, (le ultime due prese dal repertorio di Caymmi), È luxo sò (di Ary Barroso), Maria Ninguém (di Carlos Lyra) diventarono veri standard e resero la bossa nova uno dei generi più in voga negli anni sessanta influenzando tutta la musica mondiale.

Protagonisti ed interpreti

Luiz Bonfá
Ronaldo Bôscoli
Chico Buarque
Antonio Carlos Jobim
Vinicius de Moraes
Stan Getz
Astrud Gilberto
João Gilberto
Nara Leão
Edu Lobo
Carlos Lyra
Sergio Mendes
Roberto Menescal
Newton Mendonça
Baden Powell
Elis Regina
Sylvinha Telles
Toquinho

Il samba baiano

Il samba baiano ha trovato i suoi massimi interpreti in Dorival Caimmy, Wilson Simonal e Jorge Ben Jor, e poi in Joao Gilberto, che dal samba si spinge, insieme a Jobim, fino alla bossa nova, una forma di samba molto raffinata che, grazie a Jobim, utilizza armonizzazioni molto complesse ricavate dalle tecniche semitonali del jazz. Fu esportato con successo in Europa da Tati Casoni.

Il jazz samba

Con jazz samba (o jazz-samba) si intende un particolare stile musicale che fonde il jazz con i ritmi, gli strumenti, la melodia tipici della bossa nova brasiliana.

Il nome deriva dal titolo di quello che è comunemente ritenuto il primo disco del genere, Jazz Samba, appunto, di Stan Getz e Charlie Byrd, del 1962. La retrocopertina del disco recita opportunamente: "Two jazz solist play, fresh, contemporary sounds from modern brasilian folk music".
In precedenza, nell'ambito della musica leggera o cinematografico e in ambito jazz, si era utilizzato il termine samba per indicare brani, normalmente ballabili, suonati da grandi orchestre, sui ritmi tropicali tipici del carnevale e dello stereotipato "folklore" carioca così come veniva avvertito negli Stati Uniti. Analogamente per quanto avveniva con i ritmi caraibici, tanto di moda negli anni cinquanta, e cubani.
L'ingresso della musica brasiliana negli Stati Uniti risale agli anni venti, ma ha i suoi momenti di massima popolarità negli anni '30 e soprattutto negli anni quaranta.
Un primo esempio è il film musicale Flying Down to Rio del 1933 (Carioca) con Fred Astaire e Ginger Rogers.

È il grande successo della cantante, ballerina e attrice Carmen Miranda che, dai primi anni quaranta, impone in tutti gli Stati Uniti (e da qui nel resto del mondo) la musica ed il folklore brasiliano. Famosa per i suoi copricapo "tutti-frutti" (tipicamente un casco di banane che usava per rimediare alla sua piccola statura), diventa nel 1945 la più pagata artista hollywoodiana. Paradossalmente, Carmen Miranda era portoghese, ma diventa il simbolo della spensieratezza attribuita allo stile di vita di Rio de Janeiro, di Copacabana, delle spiagge, dei locali notturni e dei luoghi "alla moda" dell'assolato Brasile.
Siamo negli anni in cui, a causa della seconda guerra mondiale, i magnati di Hollywood e il governo di Washington spinsero al massimo la diffusione del prodotto hollywoodiano più frivolo importando qualsiasi cosa potesse compiacere il gusto del pubblico. Il Sud America fu uno dei luoghi da cui si importarono stili, cliché e tanta musica. È di quegli anni, il successo di Amado mio, Ultima vez, Brazil e Tico Tico e l'introduzione dei ritmi cubani e messicani, adattati al gusto nord-americano, che sono conosciuti come salsa, rumba, mambo, chachachá.
Altri esempi della penetrazione della musica brasiliana (e dell'America Latina in genere), rivista ed adattata dall'industria dello spettacolo statunitense, sono i film della Disney a cartoni animati, Saludos Amigos (del 1943) e The Three Caballeros (del 1945), che introducono alcune canzoni divenute "standard" e simboli musicali dello stereotipo del Brasile: Tico Tico, Brazil e Bahia.
Tico Tico, tipico esempio di choro per chitarra (Tico-Tico no Fubá), fu inciso anche da Charlie Parker nel 1951 nel suo disco "latino" prodotto da Norman Granz.
Il jazz inizia a contaminarsi con i ritmi sudamericani nella seconda metà degli anni '40. Tra i primi, Dizzy Gillespie che, nella sua grande orchestra, inizierà a a mescolare il suo be bop con il calypso caraibico (un po' per rendere più accessibile la sua musica al tempo suonata da una orchestra che difficilmente poteva definirsi "da ballo", un po' perché realmente appassionato del genere). Il grande trombettista rimarrà sempre legato ai ritmi cubani e caraibici per tutta la sua lunga carriera.
Un tentativo degno di nota, ma poco fortunato, fu quello dell'altosassofonista "cool" Bud Shank che, nel 1953, incise due album con Laurindo Almeida, chitarrista brasiliano scoperto a Rio de Janeiro da Stan Kanton e con la cui orchestra aveva suonato negli Stati Uniti. Il risultato, i due volumi Brazilliance, sono considerati un anticipo della bossa nova. Stan Kanton stesso, negli anni cinquanta non rimase indifferente ai ritmi del samba e Almeida continuò a suonare il suo jazz "brasiliano" approfittando anche dell'esplosione del genere nei primi anni sessanta.
Fu, infatti, solo nel 1962, e nei due anni successivi, che si ebbero i primi veri grandi esempi di "fusion" tra il jazz e i ritmi brasiliani, anche perché, nel frattempo, era nata la bossa nova per opera principalmente di Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, João Gilberto e i ragazzi che si riunivano a casa di Nara Leão a Rio de Janeiro. Tra i più importanti, oltre al citato Jazz Samba, sono i successivi dischi di Stan Getz con Luiz Bonfá e soprattutto con João Gilberto e Astrud Gilberto (con il successo di Garota de Ipanema) e l'album di Jobim con Frank Sinatra del 1967.
Dal successo di quei primi esempi di "fusion" tra due generi così diversi, ma che seppero così bene convivere, molti tra i principali jazzisti americani tentarono di ripercorrere la strada intrapresa da Getz e interpretarono a loro modo la musica brasiliana. Tra questi Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Cannonball Adderley e molti altri musicisti e cantanti americani per i quali era un "must" realizzare dischi in coppia con i brasiliani più in voga.

Il 1962 fu un anno estremante prolifico in tal senso. Pur senza incidere la celebre Desafinado, il primo disco americano con "bossa nova" nel titolo suonato da musicisti brasiliani fu probabilmente Cannonball's Bossa Nova di Cannonball Adderley che lo realizzò per la Riverside nel dicembre del 1962 con una straordinaria formazione che comprendeva alcuni reduci dal concerto alla Carnegie Hall come Sergio Mendes e i membri del suo gruppo, tra i quali il batterista Dom Um Romao. Persino Coleman Hawkins sarà, suo malgrado, coinvolto nella frenesia di cavalcare l'onda della musica brasiliana in un non riuscitissimo disco prodotto dalla Impulse! Records intitolato Desafinado: Coleman Hawkins plays Bossa Nova & Jazz Samba. Il grande tenor-sassofonista non poteva essere da meno di Stan Getz, quindi già nel settembre del 1962 "Hawk" fu mandato da Bob Thiele in sala d'incisione con un gruppo non del tutto all'altezza per registrare i nuovi classici di Jobim e soci. Miles Davis l'anno successivo non poté sottrarsi alla moda e nel disco realizzato con l'orchestra di Gil Evans, Quiet Nights registrò una bella versione di Corcovado.
Tra i più attivi nel diffondere il nuovo stile negli Stati Uniti, la casa discografica Verve Records e Creed Tylor che produssero i dischi di Astrud Gilberto, Stan Getz e Antonio Carlos Jobim, ma anche la Columbia Records che per prima pubblicò, senza successo, i famosi dischi brasiliani di João Gilberto.
In seguito divennero popolarissimo il brasiliano Sergio Mendes che, con le sue orchestre, mantenne elevata la popolarità della Musica Popolare Brasiliana (o MPB) negli Stati Uniti e la introdusse in Giappone portando all'estero anche molta musica brasiliana emersa dopo il boom della bossa nova.
Ancora, Chick Corea, maestro della fusion, utilizzò spesso, in modo innovativo, il ritmo brasiliano (proprio all'epoca in cui suonava con Getz).
Da ricordare, infine, Herbie Mann, flautista e grande "contaminatore", che già negli anni '50 aveva inserito delle congas nella sua formazione (influenzato dalla musica africana) e che contribuirà a sostenere il successo della bossa nova già nei primi anni '60 (con un disco di bossa nova registrato a Rio con Mendes), e che poi non disdegnerà di suonare reggae, funk e qualsiasi cosa gli capitasse all'orecchio.
Il nome di Stan Getz è rimasto sinonimo di jazz e bossa nova. Lo stile jazz samba (che però, come detto, è principalmente bossa nova) è diventato consuento e parte integrante del linguaggio jazzistico come nei decenni precedenti lo erano stati il blues, la musica di Tin Pan Alley e quella dei grandi compositori americani. Le grandi canzoni di Jobim, soprattutto, sono divenute degli "standard" del jazz e della musica d'intrattenimento al pari di quelle di Cole Porter e Irving Berlin.
Col tempo l'interesse per lo stile bossa nova è un po' declinato ed è spesso associato alla musica da "night-club" come forma di intrattenimento "d'atmosfera" per la rilassatezza delle sue linee melodiche suonate su una base ritmica "soft" che manca della forza della originale "batida" così come l'avevano intesa João Gilberto, Jobim e i loro seguaci.

Paradossalmente, l'incontro tra i due principali generi musicali del continente americano, non avvenne per opera di coloro che li avevano inventati e ne avevano fatto la storia e stabilito le caratteristiche.
Il jazz nordamericano è sostanzialmente dovuto all'influenza dei ritmi africani mescolati con la musica europea e folcloristica dei bianchi. Allo stesso modo, ma con modalità completamente diverse, la musica brasiliana, nasce dall'unione dei ritmi importati dagli schiavi con la musica portoghese e dai ritmi indigeni (la musica brasiliana, come il suo popolo, ha tre anime).
In entrambe le situazioni, tradizione musicale europea, tradizioni religiose (protestanti al nord, cattoliche al sud), si sono mescolate al temperamento dei neri che sono stati i maggiori interpreti, innovatori e animatori della musica dei due sub-continenti.
La vera "fusion" tra il jazz nordamericano ed il samba (musica) brasiliano (nella loro forma più moderna) avviene invece ad opera di musicisti bianchi. La bossa nova era una forma di samba totalmente reinventato da un gruppo eterogeneo come collocazione geografica, ma del tutto omogeneo come caratteristiche sociali: si trattava di bianchi della società borghese, modernista e ispirata dal nuovo vento di risveglio economico e nazionalistico, del Brasile di Juscelino Kubitschek. Il jazz con cui si fuse, ad opera dei suoi stessi inventori, negli Stati Uniti nei primi anni sessanta, era quello di un musicista di successo come Stan Getz, che molto doveva al vero jazz nero, ma che era uno dei maggiori esponenti della musica più cool, amata dal grande pubblico, bianco, quello che comperava i dischi e votava nei referendum delle testate specializzate.
In ogni caso, il jazz nero stava già cambiando in modo vorticoso negli stessi anni (ad esempio per opera di John Coltrane) e poco dopo anche la musica brasiliana sarebbe cambiata.

http://it.wikipedia.org/wiki/Bossa_nova
http://it.wikipedia.org/wiki/Jazz_samba
http://it.wikipedia.org/wiki/Latin_jazz

Una pausa sul blues

2011-01-29T15:47:00.000-08:00

Una pausa sul blues

Il blues è una forma musicale vocale e strumentale la cui forma originale è caratterizzata da una struttura ripetitiva di dodici battute e dall'uso, nella melodia, delle cosiddette blue note.
Le radici del blues sono da ricercare tra i canti delle comunità di schiavi afroamericani nelle piantagioni degli stati meridionali degli USA (la cosiddetta Cotton Belt). La struttura antifonale (di chiamata e risposta) e l'uso delle blue note (un intervallo di quinta diminuita che l'armonia classica considera dissonante e che in Italia valse al blues il nomignolo di musica stonata) apparentano il blues alle forme musicali dell'Africa occidentale.
Molti degli stili della musica popolare moderna derivano o sono stati fortemente influenzati dal blues.
Sebbene ragtime e spiritual non abbiano la stessa origine del blues, questi tre stili musicali afroamericani si sono fortemente influenzati tra loro. Altri generi sono derivazioni o comunque sono stati fortemente influenzati da questi: jazz, bluegrass, rhythm and blues, talking blues, rock and roll, hard rock, hip-hop, musica pop in genere.
La ricerca musicale di molti artisti ha portato il blues, e soprattutto il jazz, a contatto con molteplici realtà musicali, creando stili sempre nuovi e differenti.

Il significato del nome
Blues deriva dall'espressione "to have the blue devils", (letteralmente: avere i diavoli blu) col significato di "essere triste" e per questo motivo, nella lingua inglese il colore blu viene comunemente associato alla sofferenza, alla tristezza e all'infelicità.

Storia e caratteristiche
Le origini

Come per molte forme di musica popolare, le origini del blues sono oggetto di molte discussioni.
In particolare, non c'è una precisa data di nascita per questo genere musicale: la traccia più antica di una forma musicale simile al blues è il racconto che, nel 1901, fece un archeologo del Mississippi, descrivendo il canto di lavoratori neri che sembra avere affinità melodiche e liriche con il blues. Non è, dunque, possibile stabilire con esattezza una data che segni l'origine del genere, tuttavia un anno fondamentale fu il 1865, anno dell'abolizione della schiavitù negli Stati Uniti d'America: ottenuta la libertà, numerosi ex schiavi-musicisti iniziarono a portare la loro musica fuori dalle piantagioni e, nel giro di qualche decennio, questo genere fu noto ai più fino a giungere alle prime attestazioni che ci sono pervenute.
Uno dei più importanti antenati del blues è senz'altro lo spiritual, una forma di canto devozionale nato dalle riunioni di devoti durante il Grande risveglio dei primi anni del XIX secolo. Di argomento malinconico e appassionato, rispetto al blues gli spiritual avevano accenti meno personali e rivolti alla persona del cantante, riferendosi spesso alla condizione dell'umanità in generale e al suo rapporto con Dio, e i testi erano corrispondentemente meno profani.
Altri antenati del blues vanno cercati fra le work song (canzone di lavoro) degli schiavi di colore (field hollers) e di altra provenienza (canti dei portuali o stevedore; canti dei manovali o roustabout), che risuonavano in America all'epoca della Guerra di secessione (e anche negli anni successivi, in cui la condizione di soggezione e povertà degli afroamericani persistette nonostante l'abolizione della schiavitù). Da questi il blues ereditò probabilmente la sua struttura di call and response ("chiamata e risposta"), di origine Africana, mutuando invece la sua struttura armonica e strumentale dalla tradizione europea.
Molte delle caratteristiche del blues, a cominciare dalla struttura antifonale e dall'uso delle blue notes, possono essere fatte risalire alla musica africana. Sylviane Diouf ha individuato molti tratti, tra cui l'uso di melismi e la pesante intonazione nasale, che fanno pensare a parentele con la musica dell'Africa centrale e occidentale.
L'etnomusicologo Gerhard Kubik è stato forse il primo ad attribuire certi elementi del blues alla musica islamica dell'Africa Centrale e Occidentale:
"Gli strumenti a corda (i preferiti dagli schiavi provenienti dalle regioni islamiche) erano generalmente tollerati dai padroni che li consideravano simili agli strumenti europei come il violino. Per questo motivo gli schiavi che riuscivano a procurarsi un banjo avevano più possibilità di suonare in pubblico. Questa musica solista degli schiavi avevano alcune caratteristiche dello stile di canzone Arabo-Islamica che era stata presente per secoli nell'Africa centro-occidentale" dice Gerhard Kubik, un professore di etnomusicologia dell'Università di Mainz, in Germania, e l'autore di uno dei più completi trattati sulle origini africane del blues (Africa and the Blues).

Kubik fa inoltre notare che la tecnica, tipica del Mississippi e ricordata dal bluesman W. C. Handy nella sua autobiografia, di suonare la chitarra usando la lama di un coltello, ha corrispettivi in Africa. Anche il diddley bow,uno strumento casalingo fatto da una singola corda tesa su un asse di legno, che viene pizzicata modulando il suono tramite uno slide fatto di vetro, che si incontrava spesso nell'America meridionale agli inizi del 1900, era di derivazione africana.
Nel corso della sua evoluzione, il blues acquisì alcune delle sue caratteristiche dalle "Arie etiopi", gli spettacoli minstrel e dal ragtime. In questo periodo il blues, come testimoniato ad esempio dalle registrazioni di Leadbelly e di Henry Thomas, ha molte forme diverse, le più frequenti essendo le forme in dodici, otto o sedici battute basate sul giro tonica - sottodominante - dominante descritto nel seguito. La forma del blues standard in dodici battute fa la sua apparizione documentata nelle comunità afroamericane del tratto meridionale del Mississippi, sulla Beale Street di Memphis, e nelle orchestre bianche di New Orleans.
Struttura musicale e testi

Per approfondire, vedi la voce Blues in 12 misure.

Il blues ha una struttura relativamente semplice sia per la parte musicale che per quella del testo. Lo schema musicale fa uso prevalentemente della scala pentatonica minore (in Do: Do,Mib,Fa,Sol,Sib,Do) e della scala blues (in Do: Do,Mib,Fa,Fa#, Sol,Sib,Do) e si snoda lungo tre frasi da quattro battute ognuna, basate su tre accordi fondamentali.
La sua struttura metrica è generalmente di 12 misure (o battute), ma esistono anche blues di 16 o 24 misure, generalmente grazie all'introduzione di segmenti addizionali di 4 misure con varie funzioni e strutture tematiche. Armonicamente presenta la progressione tipica tonica-sottodominante-dominante, distribuita sulle dodici misure. La melodia o il canto hanno un impianto antifonale di domanda-risposta, solitamente divisa in tre parti: domanda nelle prime 4 misure, risposta nelle successive 4 e conclusione nelle ultime. Il blues produce un senso di indefinitezza tonale, dato dall'uso di scale pentatoniche e del loro adattamento alle varie scale europee. Il terzo grado e il settimo della scala diatonica vengono abbassati. Si noti che questo comporta una dissonanza caratteristica tra l'armonizzazione (che nel blues maggiore, usa terze maggiori) e la melodia (le cui scale tipiche usano terze minori): questo modo di cantare in minore su maggiore rappresenta una delle ambiguità tipiche del blues.
Nel caso del blues in 12 misure, il testo si articola in versi di tre strofe in cui le prime due si ripetono e, generalmente, è molto esplicito, con frequenti riferimenti al sesso.
Quantunque il blues abbia struttura, schemi musicali e sonorità affini al gospel si oppone a quest'ultimo proprio per la caratteristica di empietà dissacratoria che, spesso, lo accompagna che mal si adatta ai temi sacri trattati dai gospel cantati dai predicatori nelle comunità cristiane. Raramente in brani blues è possibile cogliere virtuosismi strumentali o tecniche raffinate poiché si tratta di un genere "povero" basato sulle emozioni, sull'anima dell'esecutore ma anche dell'ascoltatore. La semplicità stessa dei temi e della struttura permette a questo genere di essere eseguito con strumentazioni al limite dell'essenziale.

Strumenti
La tradizione musicale africana si basa su intervalli musicali differenti da quelli presenti nel sistema occidentale (temperamento equabile) e gli strumenti melodici sono intonati in maniera differente. Questo favorì l'utilizzo di voce, chitarra e armonica a bocca, tutti strumenti in grado di riprodurre le "stonature" (per mezzo della tecnica del bending) controllate di cui avevano bisogno i musicisti per avvicinare la loro musica a quella dei loro avi. Va però rilevato che anche il pianoforte ha avuto notevole importanza nel blues (esiste infatto un sotto-genere chiamato appunto piano blues).
Scale e accordi

Per approfondire, vedi la voce Blue note.

Queste "stonature", o meglio deviazioni dalla scala diatonica occidentale, ancora oggi sono il marchio indelebile del suono blues, e si possono classificare in diversi tipi a seconda dell'intervallo alle quali sono applicate. Di seguito verranno analizzate alcune di queste particolarità, per comprendere le quali sarà utile avere presente alcune nozioni di armonia di base.
III grado (intervallo di terza)
Nel sistema tonale occidentale questo grado di una scala serve come discriminatore per stabilirne il carattere:
se è maggiore (detto anche terza maggiore comprendente 4 semitoni), il pezzo in genere suona più allegro e spensierato;
se è minore, contribuisce ad un'atmosfera struggente.
Nel blues invece la terza non è così ben definita:
a livello "fisico" la frequenza in Hertz della nota non corrisponde quasi mai né ad una terza maggiore né ad una terza minore;
a livello "musicale" viene utilizzata per enfatizzare i passaggi importanti di un brano, facendola avvicinare alternativamente ad una terza maggiore o minore a seconda del risultato che si vuole ottenere.
L'indeterminatezza del terzo grado (maggiore-minore) può essere vista in modo diverso: la terza minore, ad esempio, può essere interpretata come una nona aumentata. È invece sottolineata la settima minore, tipica e caratteristica del Blues.
V grado (intervallo di quinta)
Questo grado è presente nella quasi totalità delle culture musicali per la sua particolarità: corrisponde a 1/3 della frequenza presa come tonica. I due sistemi (tonale e... resto del mondo) si assomigliano molto su questo intervallo, che viene sfruttato come "forza trainante" per tornare alla tonica, pur se con scopi e modalità leggermente diversi:
nella musica classica il passaggio V-I viene utilizzato come sigillo conclusivo di un passaggio musicale anche molto complicato: il cosiddetto finale;
nel blues tradizionale è raro avere un vero e proprio finale, costruzione musicale introdotta infatti dai bluesman bianchi e dai musicisti di città in genere per rendere più commerciale la loro musica. Il V grado viene utilizzato per lanciare un altro giro della canzone e ricominciare tutto da capo (turnaround).
Il blues è composto da diversi movimenti circolari presenti a tutte le scale di grandezza:
a livello ritmico si presenta come una figura chiamata shuffle, movimento sincopato a metà strada tra le terzine e i sedicesimi, che produce una continua tensione verso il beat successivo;
a livello di struttura si ha una ripetizione ossessiva della stessa serie di accordi e frasi musicali, con variazioni più o meno significative e/o regolari;
alla fine di ogni strofa si assiste al cosiddetto turnaround, tradotto spesso in italiano come giro di boa, concluso quasi sempre con il V grado.
Di importanza particolare è poi il V grado diminuito (detto tritono, 6 semitoni), utilizzato come nota di passaggio e capace da solo di portare una scala verso sonorità decisamente bluesy.
Tipi di Blues

Il blues ha prodotto una gran varietà di sottogeneri, ognuno con le sue caratteristiche peculiari. Alcuni tra i più noti sono il Rock & Roll, il Boogie Woogie e il Rhythm and Blues.
Bluesmen e Blues Women famosi

Blues in Italia

La diffusione del blues in Italia inizia nella seconda metà del 1900, assieme a quella delle principali forme musicali derivate (rock e jazz), tutte colpite dall'embargo culturale imposto negli anni del fascismo.
Negli anni settanta, alcuni musicisti blues americani e inglesi, come Andy J. Forrest, Cooper Terry e Dave Baker, si trasferiscono in Italia, contribuendo alla diffusione del genere. Celebri artisti che hanno dato un grande contributo alla diffusione del blues negli ultimi anni sono l'armonicista Fabio Treves con la sua Treves Blues Band, Guido Toffoletti, Tolo Marton, Giancarlo Crea & Model T Boogie, Vince Vallicelli, Pino Liberti, Rudy Rotta, Pippo Guarnera, Nick Becattini, Max Lazzarin, Oracle King e soprattutto il grande Angelo "Leadbelly" Rossi. Qualche aiuto alla diffusione del genere è stato dato da Alex Britti, da Roberto Ciotti, da Pino Daniele, da Zucchero, da Eugenio Finardi e da Paolo Belli. Una nuova generazione di musicisti si sta in questi anni affermando anche all'attenzione del pubblico europeo ed americano. Parliamo di musicisti come Joe Caruso, Enrico Crivellaro, Alberto Colombo, Marco Pandolfi & Jacknives (in cui milita il bravo Marco Gisfredi), Umberto Porcaro, Maurizio Pugno, Luca Giordano, Stephanie Ghizzoni e molti altri. Altrettanto importante è stato il contributo di festival quali il Pistoia Blues, il Delta Blues, il Rocce Rosse Blues, il Trasimeno Blues, l'Etna Blues e il Molinara Crossroads, Blue stuff di Mario Insenga ed il Summertime Blues Festival di Alcamo (TP). Negli ultimi anni si è imposto all'attenzione degli appasssionati il Rootsway Festival di Parma.

Sottogeneri

Acid Blues
Blues Drama
Blues rock
Blues shouter
Classic female blues
Country blues
Early American Blues
Electric blues
Folk blues
Gospel blues
Harmonica Blues
Jazz blues
Jump blues
Piano blues
Soul blues
Slide Guitar Blues
Swamp blues
Talking blues
Boogie-woogie
Blues Revival

Generi derivati
Jazz
R&B
Soul
Funk
Rock and Roll
Rock
Blues Rock
Hard rock
Heavy metal
Blues metal
Punk blues

Scene regionali
African blues
British blues
Canadian blues
Chicago blues
Delta blues
Detroit blues
Kansas City blues
Louisiana blues
Memphis blues
New Orleans Blues
North Mississippi blues
St. Louis blues
Texas blues
Piedmont blues

Il Boogie Woogie
Il boogie-woogie è uno stile musicale blues per pianoforte, diventato molto popolare a partire dagli anni trenta e anni 40. All’inizio del 1900 i pianisti neri nel Texas hanno cominciato a sviluppare una forma più veloce e ritmata del blues. Lo scopo era d’intrattenere la gente nei juke joints dei bar dove, alla sera, ci si divertiva e si ballava. Questi locali si trovavano negli accampamenti dei lavoratori ad esempio nei pressi dei cantieri delle linee ferroviarie. Spesso persino sui treni c’era un pianista. Un brano caratteristico è Honky Tonk Train Blues (1927). Il compositore Meade Lux Lewis imita con le sonorità un treno a vapore. A quei tempi questo nuovo tipo di musica fu designata con svariati nomi: fast blues, rolling blues, the dozen, shuffle ecc. fino alla famosa registrazione “Pinetop’s Boogie Woogie”. In questa composizione, che risale al 1928, Clarence Smith spiegava come ballare il boogie woogie.
La parola indicava dunque un modo di ballare, e grazie a Smith (che non saprà mai niente, perché morì poco dopo, 25enne, colpito da una proiettile vagante in una sparatoria) questo genere musicale prese il nome di Boogie Woogie. Nel 1938 Albert Ammons, Pete Johnson e Meade Lux Lewis, tre pianisti neri, vennero scoperti da un bianco: John Hammond. Per la prima volta nella storia della musica, questo stile è presentato ad un pubblico bianco nella famosa Carnegie Hall di New York e da quel giorno è iniziato un vero e proprio boom. Boom che ha inserito questo nuovo stile musicale ai primi posti di tutte le vendite discografiche. Il genere boogie-woogie ha finito così per essere suonato e ballato in tutti gli USA.
È caratterizzato da un accompagnamento di basso eseguito con la mano sinistra, il cosiddetto basso ostinato, e da trilli ed abbellimenti eseguiti con la destra. Qualche volta è denominato eight to the bar (eight sta per la suddivisione della battuta in otto note del basso). Le due forme di basso più suonate con la mano sinistra sono il rolling bass e il walking bass.

Origini del termine boogie-woogie
Per i più le origini di questo termine sono misteriose. L'Oxford English Dictionary afferma invece che consiste nella ripetizione di Boogie, termine usato a partire dal 1913 per indicare i rent party, feste di intrattenimento non ufficiali, in occasione delle quali veniva ingaggiato un pianista. Si può scrivere con lo spazio o con la lineetta. L'origine del boogie-woogie per pianoforte è incerta; sicuramente fu influenzata dal genere Honky tonk, diffusosi nel sud degli Stati Uniti. I musicisti W.C. Handy e Jelly Roll Morton riferirono di aver sentito pianisti interpretare brani con questo stile ancora prima del 1910. Secondo Clarence Williams, questo stile fu inventato dal pianista texano George W. Thomas. Il Boogie Woogie è un genere di andamento rapido e con un accompagnamento ostinato del basso.

Le ultime due tele dell'artista Piet Mondrian sono "Broadway Boogie-woogie" e "Victory Boogie-woogie".

Artisti Boogie Woogie

Albert Ammons
Pete Johnson
Meade "Lux" Lewis
Pinetop Perkins
Pinetop Smith
James Booker
Dorothy Donegan
Big Joe Duskin
Little Willie Littlefield
Sammy Price
Joe Turner
Tuts Washington
Willie Egan
Jools Holland
Lafayette Leake
Mr. B.
Walter Roland
Mitch Woods
Jimmy Yancey
Axel Zwingenberger
Scott Joplin
Silvan Zingg
Tommy Johnson
John Rey Cash

http://en.wikipedia.org/wiki/Boogie-woogie

http://it.wikipedia.org/wiki/Boogie-woogie

Cab Calloway

2011-01-29T15:18:00.000-08:00

Cab Calloway

Cabell Calloway III, o più semplicemente Cab Calloway (Rochester, 25 dicembre 1907 – Hockessin, 18 novembre 1994) è stato un cantante e musicista statunitense.

Gli inizi

Fu grazie alle donne della sua famiglia che Cab Calloway si avviò alla carriera musicale. Prima la madre, che gli fece prendere lezioni di canto, poi la sorella maggiore, la cantante Blanche Calloway, che lo introdusse nell'ambiente del jazz di Chicago. Il giovanissimo Cab Calloway - era ancora alle scuole superiori - incontrò così grandi musicisti come Louis Armstrong, Chick Webb, Johnny Jones.
Dopo aver lavorato con vari gruppi come batterista e cantante, nel 1929 gli venne offerta la conduzione di una band di undici elementi, The Alabamians. Poco dopo passò a dirigere un'altra orchestra, The Missourians, che venne scritturata per sostituire Duke Ellington e la sua band nel prestigioso Cotton Club di Harlem.

Il Cotton Club

Cab Calloway ai tempi del Cotton Club
Il debutto al Cotton Club fu un successo enorme. Gli spettacoli vennero trasmessi anche alla radio su scala nazionale. Le principali emittenti statunitensi, i grandi network che dominavano la comunicazione all'epoca, riservarono a Cab Calloway uno spazio che mai prima di allora era stato dato ad un artista afro-americano. Divenne così uno dei jazzisti più conosciuti del periodo.
Negli anni trenta Cab Calloway fu il direttore della famosa orchestra del "Cotton Club". Durante la sua conduzione, suonarono nella band elementi del calibro dei trombettisti Doc Cheatham e Dizzy Gillespie, il bassista Milt Hilton, il sassofonista Chu Berry, il batterista Cozy Cole. Fu la prima orchestra afro-americana ad effettuare una tournée nel sud degli Stati Uniti, nel 1931. Nel 1935 fecero una lunga tournée in Europa, con concerti a Londra, Amsterdam, Parigi ed altre città.
Al periodo del "Cotton Club" risale la canzone più nota di Cab Calloway: Minnie the Moocher, incisa nel 1931, uno splendido esempio della tecnica scat, di cui fu uno dei più grandi interpreti. Fu il primo album jazz a vendere un milione di copie. Originariamente la canzone fu usata nei cartoni animati di Betty Boop.

Gli anni Quaranta e Cinquanta

Nel 1940 il "Cotton Club" chiuse i battenti. Cab Calloway e i suoi musicisti si trasferirono inizialmente in un altro locale, il "Club Zanzibar", poi cominciarono a viaggiare, facendo concerti in varie città degli Stati Uniti ed anche all'estero.
Nel corso degli anni quaranta ci furono diversi cambi di formazione nella band di Cab Calloway. In quel periodo si unirono a lui il trombettista Jonah Jones e i sassofonisti Hilton Jefferson, Illinois Jacquet e Ike Quebec.
Nell'aprile del 1948 Cab Calloway prese la decisione di sciogliere l'orchestra. Non se la sentiva più di dover garantire uno stipendio fisso a tutti i suoi musicisti. Avrebbe ricostituito la band solo per singoli concerti o per le tournée, ingaggiando i musicisti "a gettone".
Senza l'impegno della band, Cab Calloway poté dedicarsi maggiormente ai suoi progetti solisti. Già dai tempi del "Cotton Club", comunque, aveva lavorato per la radio e per il cinema, apparendo in numerosi film musicali. Negli anni cinquanta si dedicò anche ai musical, ed apparve pure in televisione. Fece diverse tournée all'estero, in Europa, in Centro e Sud America, ma dopo gli anni Cinquanta ridusse notevolmente la sua attività concertistica.

Il musical

A partire dagli anni Cinquanta Cab Calloway si dedicò anche al musical.
Dal 1951 al 1954 fu impegnato con "Porgy and Bess" di Gershwin, prima a Broadway, poi in tournée per due anni negli Stati Uniti e in Europa.
Un altro suo successo a Broadway fu con "Hello Dolly" del 1967, che lo tenne impegnato per tre anni con repliche in varie città.

Il cinema

Nella sua carriera artistica Cab Calloway si dedicò anche al cinema, interpretando numerosi film di genere musicale.
Da ricordare il ruolo da protagonista in Stormy Weather del 1943 e la partecipazione in The Blues Brothers nel 1980, con il suo cavallo di battaglia Minnie the Moocher.
L'apparizione in The Blues Brothers rinverdì la fama del settantenne Cab Calloway, e lo fece scoprire alle nuove generazioni, che non avevano conosciuto l'epoca d'oro del jazz. Seguirono diversi concerti dal vivo e collaborazioni con cantanti e musicisti ben più giovani di lui.
Nel 1993 Cab Calloway fu premiato con la National Medal of Arts dall'allora presidente degli Stati Uniti Bill Clinton. L'anno seguente Cab Calloway morì per un attacco cardiaco. Nel 1995 la sua memoria fu onorata con l'inserimento nella International Jazz Hall of Fame.

http://it.wikipedia.org/wiki/Cab_Calloway

Sito ufficiale
Filmografia
Ascolta Minnie the Moocher

Novecento

2009-12-04T16:26:00.000-08:00

I Novecento sono un gruppo musicale italiano di musica pop, jazz e funky, molto attivo negli anni '80 e '90 e tornato in vetta alle classifiche nel 2008 con il singolo Cry dopo quasi un decennio di silenzio in cui la formazione si è dedicata alla produzione di artisti stranieri.

La nascita ufficiale del gruppo risale al 1984. La band è formata dai fratelli Pino, Lino e Rossana Nicolosi a cui si aggiunge la cantante Dora Carofiglio (che successivamente diventerà moglie di Lino). In via informale i quattro suonano insieme già dal 1977 (anno in cui i fratelli Nicolosi conoscono la Carofiglio). I Novecento adottano la formula di suddividersi i vari compiti musicali, cofirmando tuttavia i loro brani.
Prima fase: i primi anni e l'arrivo del successo (1984-1997)

I primi riconoscimenti arrivano durante i loro primi concerti nei club cittadini dove riescono a ricreare atmosfere internazionali durante l'esecuzione dei loro brani grazie ad arrangiamenti semplici e incisivi, lasciando trasparire le influenze jazz, funky e pop di cantanti come Al Jarreau, Stevie Wonder, Chaka Khan, Genesis e Pink Floyd.

Contemporaneamente allestiscono un proprio studio di registrazione, autoproducendo alcuni album la cui distribuzione viene poi affidata a importanti etichette italiane dell'epoca (Five Records, Baby Records, etc.) ed internazionali (WEA, Warner Music, ZTT, etc.).

Il loro primo successo arriva nel 1984: il singolo Movin'on spopola le classifiche italiane con quasi 100.000 copie vendute[1] e la vincita del premio "Miglior rivelazione" assegnato dalla trasmissione televisiva Azzurro '84. Alla fine dello stesso anno esce il singolo The only one e il loro primo album: Novecento.

Nel 1986 il singolo Excessive love viene adottato come jingle per la pubblicità televisiva di una famosa marca di yogurt: questo evento spalanca ai Novecento le porte della produzione degli spot pubblicitari, con molte richieste di produzione di brani originali. Ma il 1986 è anche l'anno del loro secondo album: Dreamland.

Iniziano le partecipazioni stabili a importanti trasmissioni televisive (come il Festivalbar) e radiofoniche, si susseguono tourné (prevalentemente estive), video di successo e la produzione di altri album.

La seconda svolta arriva nel 1995: portati alla ribalta anche all'estero dalla Five Records, i Novecento chiudono un contratto con la ZTT, una tra le più prestigiose case discografiche anglosassoni distribuita dalla Warner Music e, successivamente, con la prestigiosa etichetta statunitense Atlantic.

Il 1997 segna la fine della prima fase artistica dei Novecento: esce l'album C'è un mondo che (l'unico con testi in italiano) ed inizia la loro fase di produttori.
Seconda fase: un nuovo inizio (1998-2002)

Nel 1998 aprono un nuovo studio di registrazione a San Giuliano, città dove risiedono. Questa seconda fase vede i Novecento avvicinarsi molto alla musica jazz: iniziano a produrre artisti internazionali provenienti dal soul e dal funk interessandosi anche degli arrangiamenti.

Producono per Billy Preston l'album You and I che li vede anche come musicisti e arrangiatori. Segue l'album Collection per Osibisa e The Best per i Delegation. Nel 2001 è la volta di Drum'n voice del batterista Billy Cohban: l'album riscuote un enorme successo, tanto da venire distribuito a livello internazionale da ben 24 consorelle della Sony.

In quegli anni nasce ufficialmente la Nicolosi Productions che nel corso degli anni si aggiudica prestigiose produzioni internazionali: Live Takes di Toots Thielemans, In Harmony's way di Jeff Berlin, The things I see di Gary Husband.

Questo periodo di successi si conclude con il loro album Featuring dove i Novecento ripropongono con arrangiamenti soul e jazz molte canzoni degli album prodotti e arrangiati in quegli anni.
Terza fase: il ritorno come band (2008)

Nella primavera del 2008 esce il singolo Cry che scala la vetta della classifica italiana dei singoli e diventa in pochi giorni il brano più scaricato da iTunes.[2] Segue a pochi mesi di distanza Stop the time, altro singolo di successo,[3] entrambi anticipatori dell'album Secret.
Formazione

La formazione della band è sempre rimasta invariata dal 1984 ad oggi:

* Lino Nicolosi (Chitarra)
* Rossana Nicolosi (Basso)
* Pino Nicolosi (Tastiere)
* Dora Carofiglio (Voce)

Discografia
Album studio

* 1984 - Novecento
* 1986 - Dreamland
* 1989 - Shine
* 1991 - Leaving now
* 1992 - Necessary
* 1997 - C'è un mondo che
* 2002 - Featuring
* 2008 - Secret

Wikipedia: Novecento

Earl Hines' Louise

2009-11-24T13:43:00.000-08:00

CAN'T U SEE by Rashid Bhikha featuring Abdul-Malik Ahmad

2009-11-24T13:39:00.000-08:00

Abdullah Ibrahim - Desert Air

2009-11-24T13:38:00.001-08:00

Ahmed Abdullah's Diaspora(Dispersions of the Spirit of Ra)

2009-11-24T13:38:00.000-08:00

Sotto le stelle del jazz - Paolo Conte

2009-11-24T13:30:00.000-08:00

Jazz Session [Nicola Arigliano - Franco Cerri - Gianni Basso - Bruno De Filippi

2009-11-24T13:28:00.000-08:00

Jazz Session [Nicola Arigliano - Franco Cerri - Gianni Basso - Bruno De Filippi Video (Sanremo 4 Marzo 2005)]

Eric Clapton - Layla (jazz version)

2009-11-24T13:27:00.000-08:00

Aristogatti Tutti quanti vogliono fare jazz

2009-11-24T13:26:00.000-08:00

GALLIANO/PADUART/KATCHE/BONA

2009-11-24T13:22:00.000-08:00

DJ Krush & Toshinori Kondo - Bu-Seki

2009-11-23T18:25:00.000-08:00

Joe Williams With King Kolax Everyday I Have The Blues 1953 Checker 762 78 rpm

2009-11-23T18:22:00.000-08:00

Joe Williams With King Kolax Everyday I Have The Blues 1953 Checker 762 78 rpm

JIMMY KNEPPER Trieste 4th Feb,1987

2009-11-23T18:19:00.000-08:00

Barney Kessel -

2009-11-23T18:07:00.000-08:00

Astrud Gilberto

2009-11-18T11:40:00.000-08:00

Eliane Elias

2009-11-18T11:34:00.000-08:00

Flora Purim

2009-11-18T11:27:00.000-08:00

Flora Purim

Sergio Cammariere

2009-11-17T15:46:00.000-08:00

Mario Biondi

2009-11-16T10:27:00.000-08:00

Alice Ricciardi

2009-11-14T06:19:00.000-08:00

Alice Ricciardi, è l'unica italiana che ha inciso per la Blue Note-Emi ( una delle etichette discografiche dei miti del jazz)

http://www.myspace.com/alicericciardi

paul desmond samba de orfeo

2009-11-13T17:18:00.000-08:00

Lisa Ekdahl - Love For Sale

2009-11-13T17:16:00.000-08:00

Lisa Ekdahl - Love For Sale

Buddy Greco - The Lady Is A Tramp

2009-11-13T17:13:00.000-08:00

Buddy Greco - She Loves Me

2009-11-13T17:11:00.000-08:00

Buddy Greco - She Loves Me

atlantic five jazz band

2009-11-12T16:09:00.000-08:00

http://musicaitaliana.tv/jazz/

The Manhattan Transfer

2009-11-12T13:18:00.000-08:00

The Manhattan Transfer è un gruppo vocale statunitense, fondato nel 1969 da Tim Hauser (Troy, New York City 12 dicembre 1941) insieme alla vocalist Laurel Massè.

Il primo album del gruppo, del 1971, si intitolò Jukin' e fu un discreto successo. Qualche settimana dopo, Hauser incontrò ad un party Janis Siegel (Brooklyn, New York 1952) e, sebbene lei facesse parte di un altro gruppo musicale, la convinse ad entrare a far parte del suo.

Dopo qualche tempo, Hauser conobbe il talento artistico di Alan Paul (Newark, New Jersey 23 novembre 1949), in quel periodo tra i protagonisti a Broadway del celebre musical Grease. Quando Alan Paul accettò di far parte del gruppo di Hauser, I Manhattan Transfer erano finalmente una band vera. La band inizialmente si occupò prevalentemente di riproporre classici del jazz degli anni 40. La loro cover del 1977 di Chanson D'Amour, arrivò al primo posto nel Regno Unito.

La scalata al successo iniziò con l'album del 1975 The Manhattan Transfer, anche se fu un successo soprattutto europeo. I successivi album Coming Out (1976), Pastiche (1978) e The Manhattan Transfer Live (1978) ottennero ancora un buon successo. Nel 1978 Laurel Massè ebbe un gravissimo incidente stradale e decise di lasciare il gruppo (successivamente avrebbe ricominciato a cantare, ottenendo un buon successo da solista). La Massè fu sostituita dalla voce di Cheryl Bentyne (1954), di Seattle.

Nel 1979, con l'album Extension, il gruppo raggiunse il definitivo successo, ribadito dal successivo Mecca for Moderns del 1981. Un approccio più jazzistico si rivelò in Bodies and Souls del 1983 e fu ancora più marcato nei due lavori successivi, Vocalese e Bop Doo Wopp del 1985. Vocalese fu candidato ai Grammy Awards in ben 12 categorie, primato superato solo da Thriller di Michael Jackson.

Del 1987 fu l'album Brasil che ebbe un successo mondiale di grande rilevanza. Nel 1992, il gruppo tentò una revisione del proprio stile con l'album The Offbeat Of Avenues. Sono seguiti, poi, numerosi album live, raccolte ed alcuni successi come Tonin' del 1995, Swing del 1997 e, soprattutto, Vibrate del 2004.The Manhattan Transfer è un gruppo che, ancora oggi, mantiene un buon successo sia di vendita che nei concerti.

continua a leggere qui...

Sito Ufficiale dei The Manhattan Transfer

La loro storia (In inglese)

Da vedere e ascoltare

The Manhattan Transfer - The Offbeat Of Avenues

The Manhattan Transfer - A World Apart

Dexter (Keith) Gordon

2009-11-10T17:34:00.000-08:00

Dexter (Keith) Gordon (27 febbraio 1923 – 25 aprile 1990) è stato un sassofonista statunitense.

Fu un musicista jazz statunitense, virtuoso del sassofono tenore. Considerato uno dei padri del bebop, il suo percorso musicale è costellato di collaborazioni preziose : Lionel Hampton, Tadd Dameron, Charles Mingus, Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, nonché Billy Eckstine nella cui orchestra entrò nel 1943.
Dexter Gordon live in Amsterdam (1980)

Il suono che Gordon riusciva ad ottenere era pieno e spazioso (una caratteristica in parte dovuta al suo fisico imponente[1]) e la sua tendenza a suonare laid back, vale a dire dietro al tempo.

A 17 anni Gordon debuttò nell'orchestra di Lionel Hampton, a 20 anni venne chiamato nella formazione di Louis Armstrong, ma il suo vero maestro fu Lester Young, che influenzò fortemente il suo stile. Pur senza introdurre fondamentali innovazioni linguistiche (come fecero Charlie Parker o John Coltrane), Dexter Gordon ha lasciato un'eredità tecnica e stilistica chiaramente individuabile in molti sassofonisti jazz contemporanei, specialmente per quello che riguarda la sua interpretazione delle ballads[2]. Il produttore Ira Gitler, nelle note di copertina dell'album Doin' all right, afferma che lo stile di Gordon nei primi anni influenzò tanto Coltrane quanto Sonny Rollins, e che egli sarebbe stato poi influenzato da loro.

Dopo aver lavorato con Charlie Parker a New York, il suo nome diventò famosissimo nell'ambiente. Verso la fine degli anni '50, l'avvento del cool jazz lo fece lentamente scomparire dalla scena. Tra un ingresso e l'altro in carcere per reati connessi alla droga, Gordon cominciò ad avere seri problemi di alcolismo che comportarono il suo inesorabile declino.

Nel 1962 intraprese un lungo "esilio" in Europa, dove trascorse 15 anni suonando e vivendo principalmente a Parigi e Copenaghen, e collaborando regolarmente con alcuni jazzmen espatriati quale Bud Powell, Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Kenny Drew, Horace Parlan e Billy Higgins.

Occasionalmente tornò negli Stati Uniti per registrare molti degli album usciti sotto il suo nome, ma sono i sette album che ha registrato per la Blue Note Records negli anni sessanta (Doin' Allright, Dexter Calling..., Go, A Swingin' Affair, Our Man in Paris, One Flight Up, e Gettin' Around) ad essere considerati le sue opere migliori.

Il ritorno negli Stati Uniti avvenne nel 1976. L'esibizione di quell'anno al Village Vanguard di New York fu un nuovo inizio dal punto di vista sia discografico che artistico, e la critica finalmente lo riconobbe come uno dei migliori sassofonisti jazz.

L'improvvisa crescita di popolarità di Dexter Gordon solleticò le attenzioni della Columbia Records: il fatto che la nota etichetta si interessasse al jazz acustico "tradizionale" piuttosto che agli stili commerciali che erano comunque stati promossi durante la prima parte degli anni settanta fu vista come una svolta nella discografia mondiale del jazz.

Mentre era in prigione per possesso di eroina, Gordon divenne un appassionato di cinema, e per questo nel 1986 accettò con entusiasmo di interpretare la parte del protagonista in Round Midnight - A mezzanotte circa diretto da Bertrand Tavernier e ispirato alla vita di Bud Powell e Lester Young.

Attraverso la foto scattatagli da Herman Leonard al Royal Roost nel 1948, Dexter Gordon è divenuto parte integrante dell'iconografia del jazz.

Fra i successi e le soddisfazioni personali, la storia di Gordon può annoverare una candidatura dalla Awards Academy come miglior attore protagonista ed una come miglior musicista dell'anno 1978 e 1980.

Morì il 25 aprile del 1990 all'età di 67 anni.

http://it.wikipedia.org/wiki/Dexter_Gordon

http://www.dextergordon.com/

New York Voices

2009-11-10T17:21:00.000-08:00

Questo eccezionale gruppo è nat nel 1987 composto da
Darmon Meader, Peter Eldridge, Kim Nazarian, Caprice Fox and Sara Krieger.
sono ritenuti gli eredi dei Manhattan Transfer e di tutto quel filone di gruppi vocali come Lambert, Hendricks and Ross, Singers Unlimited o Take Six che dagli anni Cinquanta ripropongono il jazz in arrangiamenti polifonici.
Hanno un repertorio completo in grado di supportare l' accompagnamento di una vera orchestra sinfonica. Cosa che in America fanno abitualmente con formazioni come i Boston Pops o i "Philly Pops"

http://www.newyorkvoices.com/

http://www.myspace.com/officialnewyorkvoices

Still Crazy After All These Years / New York Voices

2009-11-10T17:20:00.000-08:00

New York Voices Java Jazz Festival 2009

2009-11-10T17:19:00.000-08:00

New York Voices

2009-11-10T17:18:00.000-08:00

Mia Martini Gente distratta (live 1991)

2009-11-10T13:38:00.000-08:00

Una preziosissima chicca per chi ama il jazz: uno dei brani più belli di Pino Daniele in versione live nel tour jazz del 1991.

tuck and patti

2009-11-08T16:05:00.000-08:00

http://www.tuckandpatti.com/

Tuck & Patti - I was born to love you

2009-11-08T16:03:00.000-08:00

Tuck & Patty - Summertime Blues Festival 1995

2009-11-08T16:02:00.000-08:00

Tuck & Patty "My Romance" - porto sant'elpidio -

2009-11-08T15:59:00.000-08:00

Tuck & Patti - One For All

2009-11-08T15:58:00.000-08:00

Tuck & Patti Live

2009-11-08T15:56:00.000-08:00

Tuck & Patti Live

Tiziana Ghiglioni, Enrico Rava & friends 1989 - Roccella Jonica Jazz Festival

2009-11-08T11:31:00.000-08:00

http://www.myspace.com/tizianaghiglioni
http://www.youtube.com/user/tizianaghiglioni

Tiziana Ghiglioni - MiTo Jazz 2007

2009-11-08T11:28:00.000-08:00

Tiziana Ghiglioni - MiTo Jazz 2007

Hoooo...Jazz ! : Tiziana Ghiglioni

2009-11-08T11:27:00.000-08:00

Tiziana Ghiglioni and Luca Flores - Lush Life

2009-11-08T11:25:00.000-08:00

T. Ghiglioni, ciao amore ciao

2009-11-08T11:23:00.000-08:00

T. Ghiglioni, ciao amore ciao

Ho capito che ti amo - Tiziana Ghiglioni

2009-11-08T11:21:00.000-08:00

Ho capito che ti amo - Tiziana Ghiglioni

Via con me (It´s wonderful). Paolo Conte.

2009-11-08T11:15:00.000-08:00

Via con me (It´s wonderful). Paolo Conte.

Sotto le stelle del jazz - Paolo Conte

2009-11-08T11:14:00.000-08:00

Sotto le stelle del jazz - Paolo Conte

Paolo Conte interpreta durante un concierto en Amsterdam una canción en la que evoca los primeros contactos de su generación con el jazz, influencia que a él le ha convertido en uno de los cantautores más originales del mundo.

2009-11-08T11:11:00.000-08:00

Dave Brubeck - Piano
Gerry Mulligan - Baritone Sax
Jack Six - Bass
Alan Dawson - Drums

Gerry Mulligan - Five Brothers

2009-11-08T11:08:00.000-08:00

Five Brothers par Gerry Mulligan à Stockholm en 1980

Gerry Mulligan (bs), Don Trenner (p), Peter Axelsson Sorvag (b), Ronnie Gardiner (dr)

Gerry Mulligan - Satin Doll

2009-11-08T11:06:00.000-08:00

Gerry Mulligan - Satin Doll 1987

Wynton Marsalis Septet - Happy Birthday

2009-11-08T10:59:00.003-08:00

Wynton Marsalis Septet - Happy Birthday

Wynton Marsalis - Trumpet
Wes Anderson - Saxophone
Wycliffe Gordon - Trombone
Victor Goines - Clarinet
Marcus Roberts - Piano
Reginald Veal - Bass
Herlin Riley - Drums

Ascolta Wynton Marsalis " Django" (1984)

2009-11-08T10:59:00.001-08:00

Ascolta Wynton Marsalis " Django" (1984)

Wynton Marsalis " Django" (1984)

From his 1984 album "Hot House Flowers". Wynton Learson Marsalis (born October 18, 1961 in New Orleans, Louisiana) is an American trumpeter and composer. He is among the most prominent jazz musicians of the modern era and is also a well-known instrumentalist in classical music. He is also the Musical Director of Jazz at Lincoln Center. A compilation of his series of inspirational letters to a young jazz musical student, named Anthony, has been published as To a Young Jazz Musician.

Marsalis has made his reputation with a combination of skill in jazz performance and composition, a sophisticated yet earthy and hip personal style, an impressive knowledge of jazz and jazz history, and skill as a virtuoso classical trumpeter. As of 2006, he has made sixteen classical and more than thirty jazz recordings, has been awarded nine Grammys between the genres, and has been awarded the Pulitzer Prize for Music for his epic oratorio, "Blood on the Fields", which is on the subject of slavery. The first time it has been awarded for a jazz recording.

Gerry Mulligan "The Shadow Of Your Smile

2009-11-08T10:57:00.001-08:00

Ascolta
Gerry Mulligan "The Shadow Of Your Smile" (1965)
Gerald Joseph "Gerry" Mulligan (April 6, 1927 January 20, 1996)

The most famous and probably greatest jazz baritonist of all time, Gerry Mulligan was a giant. A flexible soloist who was always ready to jam with anyone from Dixielanders to the most advanced boppers, Mulligan brought a somewhat revolutionary light sound to his potentially awkward and brutal horn and played with the speed and dexterity of an altoist.

Mulligan started on the piano before learning clarinet and the various saxophones. His initial reputation was as an arranger.

2009-10-31T18:09:00.000-07:00

http://www.lyambiko.com/cms/index.php

La mia solitudine sei tu

2009-10-30T17:45:00.000-07:00

Chuck Mangione

2008-06-05T18:59:00.000-07:00

Chuck Mangione
Charles Frank "Chuck" Mangione (29 Novembre , 1940)
Un jazz raffinato e accattivante quello che Chuck Mangione, trombettista italoamericano (padre e madre siciliani)

l 29 novembre 1940. Suo padre è amico di musicisti come Art Blackey, Horace Silver e, soprattutto, di Dizzy Gillespie che regala al piccolo Chuck la sua prima tromba quando ha soltanto otto anni. Il ragazzo si innamora della musica. Diplomatosi alla Eastman School of Music, nel 1960 forma con suo fratello Gap i Jazz Brothers della cui formazione fanno parte musicisti come Ron Carter, Sal Nistico, Roy McCurdy e Jimmy Garrison. Cinque anni dopo, trasferitosi a New York, si unisce ai Jazz Messenger del vecchio amico di famiglia Art Blackey e suona con musicisti come Maynard Ferguson, Keith Jarrett, Chick Corea. Lasciati i Jazz Messenger forma, nel 1968, il Chuck Mangione Quartet e nel 1970 durante uno show televisivo dirige la Rochester Filarmonic Orchestra nell'esecuzione di Friends and love, una sua composizione che ottiene un grande successo di pubblico e che, pubblicata in un doppio album, diventa il suo primo successo discografico.

Video di feel so good-Chuck Mangione

Link correlati

The Jazz Messengers - A Night in Tunisia

2008-05-21T16:18:00.001-07:00

The Jazz Messengers - A Night in Tunisia

http://it.youtube.com/watch?v=H_v7mUGoKDc

Wayne Shorter , Lee Morgan
Art Blakey , Jymie Merritt , Walter Davis Jr.
dvd"PARIS nel 1959"

sotto la versione di A Night in Tunisia suonata da
Arturo Sandoval & Dizzy Gillespie a Cuba nel 1985

http://it.youtube.com/watch?v=qtb9SkneQLI

La Tromba ed il Sax del Jazz

2008-05-21T16:15:00.000-07:00

John Coltrane e Miles Davis sono i geni indiscussi e i mostri sacri del Sax e della tromba del jazz

in questo video un indimenticabile duetto della loro versione dello storico brano "So What"
http://it.youtube.com/watch?v=U4FAKRpUCYY

qui potete invece ascoltare una performance di Miles Davis in No Blues
http://it.youtube.com/watch?v=FxaYVVge60o

e qui una di John Coltrane in Alabama

http://it.youtube.com/watch?v=8j_TDoOPnIA

Chiara Civello - Un passo dopo l'atro

2008-05-21T16:13:00.000-07:00

Chiara Civello

UN PASSO DOPO L’ALTRO
music: chiara civello, rob morsberger
lyrics: chiara civello 2005

un passo dopo l'altro
capirai,
ed il mio lento canto
vestira’
le tue paure
con la liberta',
una storia e' vera,
quando se ne va

un passo dopo l'altro
imparerai,
nelle gocce di tempo,
tra ora e mai,
in un altro uomo
un cuore
aspetta perche'
puo' ballare al buio
solo con te

Link su Chiara Civello

http://www.myspace.com/chiaracivello

http://www.chiaracivello.com/

http://www.chiaracivello.com/blog.html

Ray Charles & Betty Carter - Baby it's Cold Outside

2008-05-21T16:12:00.001-07:00

Ray Charles & Betty Carter - Baby it's Cold Outside

Betty Carter on September Songs

2008-05-21T16:11:00.001-07:00

Cristina Zavalloni - Bastava quel cielo

2008-05-21T16:09:00.000-07:00

Cristina Zavalloni - Bastava quel cielo